Gravity: Un impresionante viaje al espacio (y una escena que intenta arruinarlo todo).

 Cuando escribes reseñas de películas y series, muchas personas en automático te ponen la etiqueta de "crítico". Dicha etiqueta nunca me ha gustado y definitivamente no la veo aplicando conmigo. Siento que la mayoria de los que se hacen llamar críticos siguen un patrón establecido, aplaudiendo lo que el resto de sus colegas aplaude y destrozando lo que está de moda odiar. El problema en México es que se alaba todo trabajo que nuestros compatriotas realicen en el extranjero y no se espera lo contrario. Si, bien por ellos que están llevando su talento a otros países, pero no es obligación aplaudirlo sin ver las cosas a detalle. Mi opinión acerca de Pacific Rim sigue dando de qué hablar, la película de Derbéz es una combinación grotesca de La Rosa de Guadalupe, Big Daddy, La Vida es Bella y Derbéz en Cuándo. Ahora llegó a nuestras salas Gravity, de Alfonso Cuarón. Era bastante molesto escuchar hablar de ella en algún medio porque, por el simple hecho de tratarse de Cuarón, la película era ovacionada, con todo y que ni siquiera se había estrenado aquí. De cualquier modo decidí verla y bueno, empecemos con los spoilers.

 Gravity es un proyecto al cual le tomó bastantes años poder despegar. Cuarón decidió esperar a que la tecnología pudiese ofrecer lo que él tenía en mente. Lo mejor es que esto sí ocurrió y estamos ante una de las películas más impactantes visualmente de los últimos años. Es un verdadero espectáculo. Desde que inicia, la película logra ponerte al lado de los protagonistas, flotando en el espacio, viendo la belleza del planeta Tierra, así como esa sensación de soledad y peligro. Creo que ahí es donde reside su mayor mérito. Cuarón supo que ya era momento de hacer la película después de ver Avatar, de su amigo James Cameron. Personalmente creo que Gravity se merece toda la atención y alabanza que le dieron a Avatar. Pandora se siente como cualquier videojuego del montón, Gravity no. Cuarón es conocido por ser un director bastante visual, es por eso que regularmente tiene a su lado a Emmanuel Lubezki y le da tal importancia a sus secuencias que llega a sacrificar partes de la trama. Por ejemplo, en Prisoner of Azkaban, donde prefirió meter transiciones con el Sauce Boxeador en lugar de darnos la identidad de los Merodeadores. En Gravity la historia se mantiene bastante sencilla, a pesar de un par de momentos en los cuales estuvo a nada de perderme.

  Vamos a la escena con la cual estuve a punto de mandar todo al carajo: Ryan Stone logra ingresar a la Estación Espacial Internacional después de que Kowalski se sacrificara con tal de no arrastrarla. Ella ingresa y tiene que llegar lo más pronto posible al módulo Soyuz para así trasladarse a la estación china. Los pedazos del satélite ruso están por impactar la EEI. Ya en el interior de la EEI, se quita el traje y... se pone en posición fetal, con un tubo atrás de ella simulando un cordón umbilical. ¿Por qué carajos hace esto? ¿Qué sentido real tiene en la historia? Ok, si, se entiende todo el asunto de renacimiento/evolución y más porque a Cuarón le encanta enaltecer y darle la razón a cuanta cosa le digan en las entrevistas (recordemos sus infames declaraciones con Harry Potter), pero es aquí donde, al menos para mi, la película está a medio grado de irse al carajo. No se me haría nada raro que esa escena haya sido idea de su hijo Jonás, al cual le debemos majaderías presuntuosas como Año Uña. "Si, guey, o sea, vemos como pasa el tiempo a través de la uña de este guey y así.", cosa que solamente sonaría como buena idea en algún bar de La Condesa. 

 

  Adelantándome a algún comentario tipo "Ah, pero no fuera una de tus idioteces comerciales de superhéroes porque ahí si, cualquier escena con alguna analogía la aplaudes", voy a explicarles por qué esa escena del feto a lo mucho funciona como homenaje a 2001. Tomemos como ejemplo la escena de la iglesia en Man of Steel. Zod acaba de amenazar a Clark y a la humanidad para que se entregue. Él fue enviado a la Tierra con la esperanza de hacerla un mejor lugar. Al no saber qué hacer, recurre a un Padre (representante de Dios en la Tierra) para que le aconseje. Mientras habla con él, vemos a sus espaldas un vitral con una representación de la Oración del Huerto. Con esto se hace una analogía a Cristo, quien acude a dicho lugar a orar y es consolado por un ángel, antes de entregarse a los romanos. Esta analogía funciona a la perfección ya que previamente se habían presentado otros detalles mucho más sutiles los cuales llevan a este momento. En Gravity, no tenemos elementos previos que verdaderamente nos lleven a esta escena, se supone que en ese momento Ryan está con el tiempo encima, tiene que actuar lo más pronto posible. Es como si los Cuarón de repente pararan todo y dijeran "Ah, ¿ya vieron? No solo es un espectáculo visual. ¿Ya vieron? Está en posición fetal porque toda la experiencia la hará renacer, superar la muerte de su hija y seguir adelante. ¿Si se dieron cuenta? Somos profundos y complejos." Esta escena hubiese funcionado antes de que saliera del transbordador para realizar las reparaciones. Caso similar con la última escena, con Ryan saliendo del agua, arrastrándose, para después pararse y avanzar a tierra firme. Es un buen tema, no lo niego, pero no supieron ejecutarlo.

  Ahora pasemos al asunto de "¿Qué tan apegado a la realidad está todo el asunto espacial?". Pues algunas cosas las respetaron bastante, otras se modificaron a favor de la historia. La muerte de Kowalski no hubiese ocurrido en la vida real, el momentum que lo hace irse flotando realmente no duraría tanto, pasaría y podría ser jalado por Ryan. Es obvio que Kowalski no regresa y que todo es un sueño, ya que, si hubiese abierto la escotilla de ese modo, Ryan hubiese muerto tal y como le ocurrió a sus compañeros. Las lágrimas no salen flotando, el astronauta canadiense Chris Hadfield realizó un video mostrando que las lágrimas se juntan abajo del ojo. Al final a Ryan le cuesta trabajo levantarse, si, esto es obviamente por la gravedad, pero también demuestra que, tal y como lo menciona al inicio, no se había acostumbrado a las costumbres dentro de una nave. Los atronautas tienen que hacer ejercicio diariamente, ya que la falta de gravedad atrofia los músculos. Les recomiendo ver esta visita a la Estación Espacial Internacional con la astronauta Suni Williams.

 Gravity es un espectáculo visual el cual vale la pena verse en cines. Puede que la historia no sea tan elaborada como muchos quisieramos, pero por 90 minutos te sentirás en el espacio, contemplando la belleza del planeta y sobreviviendo junto a Sandra Bullock.

Elysium: Cuando District 9 resultó ser un One Hit Wonder.

Con la salida de District 9 en el 2009, Neill Blomkamp y Sharlto Copley se volvieron nombres muy conocidos. Nos presentaron una historia cuya base ya se había visto, pero contaba con los cambios suficientes como para hacerla algo realmente original, un respiro de aire fresco entre los remakes, reboots y demás estrenos. Los extraterrestres, para variar un poco, habían llegado a Africa, no a Los Ángeles o Nueva York. La reacción de la humanidad ante la llegada de estos seres presentada en District 9 es la más cercana a la realidad. Blomkamp nos presenta con detalle el universo en el que está ubicado la historia y junto a esto tenemos secuencias de acción muy bien logradas. La actuación de Sharlto Copley es un ingrediente básico, ya que con él conocemos a los 2 bandos. District 9 es una película bastante equilibrada. Fueron pasando los años, a Blomkamp se mencionaba para todo reboot o secuela y Copley recibió algunos papeles nada memorables. Finalmente Blomkamp logró el salto a Hollywood, abandonando el cobijo de Peter Jackson, preparando un proyecto grande, con grandes nombres. ¿El resultado? Uno bastante malo, esta es la parte donde inician los spoilers.

 Lo primero que pensé al transcurrir 40 minutos de la película fue "Blomkamp ya se la creyó". Aquí ya no tenemos esa crítica bien elaborada que aplaudimos en District 9. ¿Qué es exactamente lo que te plantea durante los primeros 40 minutos? "Si, mira, siente feo porque la gente que vive en la Tierra es morenita, pobre y sus casas están casi destruidas, mientras que la gente de Elysium es blanca y tiene enormes mansiones". En District 9 podemos relacionar la interacción entre los extraterrestres y la humanidad con muchos eventos en la historia, hay antropólogos los cuales han aplaudido esto, corroborando la veracidad del escenario que Blomkamp nos plantea. ¿Y en Elysium? Aquí es tan simple como "Si, mira, la Tierra es México y Elysium es Estados Unidos, por algo grabamos en una de la peores zonas del Distrito Federal, ponemos que las fábricas están ahí y además tienen que recorrer una larga distancia para poder llegar a Elysium, uy, qué profunda mi analogía". Conozco gente que salió aplaudiendo la "profunda y compleja crítica" de Elysium (uno de ellos, por cierto, hizo todo lo posible para que no viera la película antes, pero bueno, esa es otra historia), pero realmente carece del toque que inicialmente tuvo Blomkamp. Si queremos hacer contraste, tenemos a Andrew Niccol, quien siempre ha armado buenas críticas alrededor de las cosas que la humanidad ha enfrentado.

  Es sorprendente que podemos encontrar mejores críticas al respecto en episodios de South Park. Tan solo con los episodios Goobacks y The Last of the Meheecans, Trey Parker y Matt Stone logran plasmar con humor e inteligencia varios de los temas que se presentan diariamente alrededor de la inmigración. Nada de quererse pavonear ni hacerse los intelectuales, solamente presentan el modo en el cual están las cosas. 

 Bueno, ya que vimos que la historia no lo logra, pasemos a las actuaciones. Lo que hay que entender es que, al estar ante lo que claramente es una película de Sci Fi light, también tendremos actuaciones de ese tipo. Matt Damon interpreta a Max Da Costa, un huérfano que creció en la Tierra y un día su vida cambia por completo al ser expuesto a altas cantidades de radiación. Su historia es sencilla y predecible, sin ofrecernos momentos como en District 9, donde vivimos el pánico del personaje principal. Ah, Sharlto Copley, pobre. Aquí le toca interpretar a Kruger, un mercenario bajo las órdenes de Jessica Delacourt, interpretada por Jodie Foster. Kruger es un simple "soy malo porque si", claramente no le dieron mucho material a Copley con qué trabajar. Jodie Foster tiene un poco más, pero también, no nos ofrece mucho como para que se vuelva un malo memorable. Alice Braga como Frey Santiago pues... a momentos pensé que era el mismo personaje que interpretó en I Am Legend. Es chistoso que alguien me juraba que Diego Luna era el co-protagonista y a la mera hora sale menos de 20 minutos. Igual, trabaja con lo poco que le dieron. En resumen: Todos son personajes unidimensionales, sin mucho qué ofrecer.

 

 Elysium es una película palomera del montón posando como una crítica profunda a varios temas relevantes en la sociedad, tales como inmigración y los cuidados de la salud. Esta película cae en la misma categoría de Oblivion: Buenas ideas mal ejecutadas. Si piensan que verán algo bien armado como District 9 años atrás, saldrán muy decepcionados del cine Si necesitan algo para mamasearse y jurar que vieron una pieza cinematográfica compleja, pues esta es buena opción.

The Wolverine: Otra muestra de que todavía hay vida en el universo mutante.

La última vez que vimos a Wolverine, estaba en un bar, rechazando la oferta de Erik Lehnsherr y Charles Xavier para formar parte de su equipo. Lo que me sorprendió fue que, en menos de un minuto, vimos una interpretación más fiel al personaje que lo presentado en X-Men 3 y X-Men Origins. Hugh Jackman le tiene mucho cariño al personaje y deseaba presentar una historia que le hiciera justicia. El material para lograr esto fue la miniserie escrita por Chris Claremont y dibujada por Frank Miller. Jackman comenta que esta es el comic que lo hizo fan de Wolverine. Empecemos con la reseña, vienen spoilers.

 Creo que el comentario inicial que puedo hacer es que The Wolverine posee una vibra muy diferente, pero esto es bueno. Darren Aronofky estuvo cerca de dirigir esta película, pero los desastres naturales ocurridos en Japón y problemas familiares evitaron que nos presentara una historia de Logan a través de su visión. Enfocándonos principalmente en The Wrestler, creo que a más de uno nos generaba mucha curiosidad ver cómo nos presentaría a Logan. James Mangold entró en su lugar y, junto con Jackman, realizó una campaña para convencernos de que el proyecto seguía en buenas manos. Es evidente que tuvieron que suprimir varias cosas con tal de mantener la clasificación para adolescentes y adultos, pero lograron que Logan volviera al buen camino.

La película logra ser una historia independiente, una persona que tenga una ligera idea del personaje la puede ver, pero también posee elementos para los fans tanto del comic como de las películas. El Logan que vemos aquí es tal y como tenía que terminar en X-Men 3: Un personaje dolido, el cual de nueva cuenta no le encuentra sentido a su vida. Él logró superar una pesadilla durante su estancia en la Mansión X, pero a cambio recibió otra. Ahora su mente no le presenta imágenes del tanque donde le pusieron el adamantium, sino visiones de Jean Grey. Es encabronante ver que la escena final eliminada de X-Men 3 encaja perfectamente con esta película, pero bueno, como dije, varias cosas regresan al buen camino. Esta es la versión más cercana que hemos tenido del personaje.

Lo mejor es ver que Jean Grey no es solo un cameo, sino un elemento muy importante en la historia. Ella es quien engloba todos los traumas que tiene el personaje, además de ser la excusa perfecta para terminar con su vida. Jean Grey es de las personas más importantes en la historia de Wolverine y es aquí donde podemos ver que va más allá del "ah, es que le gustaba". De nuevo, Mangold logra darle profundidad a la relación entre estos personajes. ¿Visión en la mente de Logan o todavía queda energía de Phoenix? Lo lo sé, pero funciona en cualquiera de las 2 modalidades.

 La sorpresa (y junto con ella una enorme cantidad de cosplayers a partir de ahora) es Rila Fukushima como Yukio. Este personaje fue presentado en la miniserie de Claremont y Miller, teniendo una relación con Logan la cual lo complementaba en el aspecto animal, violento. Se podría decir que es la mujer que más se adapta al estilo de vida de Logan. Aquí la modificaron bastante, haciéndola una protegida de Shingen Yashida y amiga de Mariko, con un poder mutante que la permite ver la muerte de las personas. Aquí Yukio es la acompañante que Logan necesita. Alguien que entiende esa sensación de no pertenecer a ningún lado. Su introducción es bastante buena, de hecho tiene cierto aire tarantinesco (tipo Kill Bill, obviamente) presentando su espada, el significado de su nombre y lo que puede hacer. Espero que haya otra película mostrando qué hizo junto con Logan durante los 2 años que pasan entre The Wolverine y Days of Future Past. Lo mejor es que la escena after-credits no solo la grabó Mangold, sino que no tuvo que mover nada en su historia para conectar el X-Universe.

 Si bien The Wolverine puede ser vista por alguien que no lea los comics o haya visto las películas, también cuenta con varias referencias para los fans. Independientemente de los elementos sacados de la miniserie, podemos ver referencias a Age of Apocalypse, con Logan totalmente quemado después de una explosión y utilizando una sola mano en las peleas (manco en el comic, perdiendo las garras en la película). La vestimenta que porta durante el funeral es muy similar a la de Sabretooth en X-Men Origins y sus pertenencias son prácticamente las mismas a las que tenía en su camioneta al inicio de X-Men. En X1 tenía una fotografía, pero eso se quedó en el guión y en la adaptación en comic. Por cierto, cuando Harada y Viper hablan en la calle, se puede ver a una persona portando el símbolo de Spider-Man en una gorra.

El que siento que es el mayor guiño es que la película posee un sabor ochentero, el cual le sienta perfectamente a la película, ya que, a pesar de estar ubicada en el futuro, está basada en un comic que se publicó a inicios de los 80. Esperemos que Mangold haga su director's cut y con esto tengamos más de esta vibra.

 The Wolverine no es perfecta, quizás no es justo la película que queríamos ver de Wolverine, pero es una buena experiencia. Nos brinda la esperanza de que el personaje no se ha diluido por completo y que todavía hay oportunidad de ver otras historias que merecen ser adaptadas.

The Lone Ranger: Hora de que Depp y Disney se tomen un descanso.

 Generalmente el verano tiene todo tipo de estrenos. Están los que nos emocionan y dejan satisfechos, los que nos decepcionan y los que no teníamos presentes, pero que resultan ser buenas sorpresas. Este último tipo no se ha cubierto este año. He de aceptar que una parte de mi esperaba que The Lone Ranger pudiese ser esa película, pero tristemente no fue el caso. A continuación vienen algunos spoilers, pero nada que realmente les arruine la película en caso de quererla ver.

 Estamos 10 años después de que Gore Verbinski junto con Ted Elliot, Terry Rossio, Jerry Bruckheimer y Johnny Depp nos presentaron Pirates of the Caribbean, una película basada en una atracción de Disney. La idea no era atractiva por ningún lado, ¿Cómo podrían hacer una película de algo que realmente no posee una trama? Lo hicieron, fue un éxito total y el Capitán Jack Sparrow se integró a la Cultura Pop. Hubo 2 secuelas con el mismo equipo, pero Verbinski decidió hacer otras cosas, dejando el mundo pirata a un lado para la cuarta entrega. Sin embargo, mantuvo contacto con Depp e hicieron la pequeña joya llamada Rango. Este acercamiento a los Westerns parecía ser un calentamiento para armar The Lone Ranger, sin embargo, Rango fue lo único que tenían qué ofrecer en este género. The Lone Ranger no es ni la sombra de Rango.

 Se supone que esta película es el camino que John Reid recorre para convertirse en el Lone Ranger, aceptando su destino y responsabilidades. Aquí no ocurre nada de eso. Este es el punto donde vemos que Rango es la película que The Lone Ranger merecía ser. Es como si Gore Verbinski se hubiese adelantado, contando la historia que le tocaba al Llanero. La trama se enfoca más en querer contar la historia original que en rendirle homenaje y mostrar una nueva versión. John Reid se la pasa dudando constantemente de las palabras de Tonto, sin tener un momento realmente creíble donde acepte lo que tiene que hacer. Es parecido a lo que ocurre con Hal Jordan en Green Lantern. Aquí creen que por darle al acompañante, el caballo y el atuendo se convertirá en el personaje. Nunca hay un guía, un viaje de descubrimiento, una serie de retos, como ocurre con Rango. Si, tiene sus momentos heróicos pero, de no ser porque en ellas suena el tema principal del personaje (el cual a muchos nos remite a la versión de Wendy Carlos en Naranja Mecánica), no tendría efecto alguno.

 Es obligado que hablemos de Tonto, el personaje interpretado por Johnny Depp. Coincido con mucha gente que Depp está en esa etapa de su carrera en la cual sencillamente le vale madres lo que haga. Si, con los millones que gana desea hacer algo positivo como comprar terrenos que le pertenecen a los nativos americanos, pero es evidente que ya le importa un carajo hacer proyectos que valgan la pena. Ya está en la constante de "haz un personaje cagado y cobra tu cheque". Lo peor es verlo convertido totalmente en un producto, tan solo vean la publicidad de la película. En uno de los posters aparece junto al Llanero caminando, pero es el personaje de Depp el que sale completo. También en el banner con los rostros, es Depp quien encabeza dicho anuncio, no el protagonista.

 El último proyecto en el que realmente participó por interés fue The Rum Diary, en honor al buen Doctor Hunter Thompson (aunque aquí hay cierto porcentaje de ego de "¡Si, yo era su mejor amigo, yo soy el tipo suficientemente loco como para haberle hecho el funeral que quería y adaptar una obra la cual publicó por mí!"). Tonto es un personaje que se queda con una gran parte del estereotipo del "indio", ofendiendo a más de un grupo de nativos americanos, aunque tuvieron un "consultor" cherokee. Depp asegura tener cierta descendencia cherokee, pero definitivamente no se informó lo suficiente como para armar una versión de Tonto original con la cual pudiese presentar un personaje memorable con elementos que le rindieran homenaje a alguna tribu. Este desafortunadamente no es el caso.

Tiene un par de momentos que me hicieron reir, pero el personaje es una variante muy diluida de Jack Sparrow y el Mad Hatter. Aquí el personaje está loco porque ocasionó que toda su tribu fuese masacrada (Jack Sparrow se lo debe en parte al alcohol y parte a la sífilis, por eso la herida que tiene en la barbilla, mientras que el Hatter es una combinación de daño por contacto con el mercurio y el ataque de la Bruja Roja), posee un look donde el maquillaje está incluído y además llega a ser el guía y apoyo de los otros personajes para lograr su misión. Lejos quedó ese Depp al que se le veía realmente divertido, agregándole constantemente elementos de su propia cosecha a los personajes. Ya hizo un molde que le sirve de zona de comfort, se acabaron las sorpresas.

The Lone Ranger es una película que tenía mucho potencial y podría haber dado inicio a una nueva franquicia para Disney, pero se volvió parte de sus proyectos que fallaron por su falta de historia (Tron Legacy) o porque no supieron venderlo (John Carter). Mención especial que aparece el mexicano Joaquín Cosío, el cual prestó su voz para Rattlesnake Jake para el doblaje de Rango.

 

Pacific Rim: No es copia de Evangelion, pero tampoco es buena.

 Bien, a falta de salas con la película en su idioma original, pensaba dejar pasar esta película y verla después. Sin embargo, más de una persona se comunicó conmigo, diciendo que deseaban saber mi opinión al respecto. Lo agradezco bastante. Es por eso que me organicé y fui a ver Pacific Rim. Creo que por el título de la reseña ya se habrán dado una idea de que el resultado no fue muy positivo.

Creo que es necesario decirles que Guillermo del Toro me cae muy bien, sus entrevistas y colaboraciones en otros proyectos (como su participación en la campaña de Scott Pilgrim) siempre me han agradado, pero sus películas definitivamente no me gustan. Ni siquiera un poco. A eso se le suma que es terrible verlo con la misma constante de Tarantino: anunciar y comentar 20 proyectos, de los cuales a la mera hora solo hace 1. Afortunada o desafortunadamente conozco a 3 fanboys de Del Toro, siempre aplaudiendo todo lo que hace este director. Sus comentarios en Facebook no ayudaban en nada a que yo le diera una oportunidad a Pacific Rim. Peor aún cuando vi las constantes quejas de que se habían robado muchos elementos de Neon Genesis Evangelion. Del Toro jura que nunca vio Evangelion, pero el guionista ha aceptado ser fan de la serie. Empecemos por ese punto, pues creo que es el más importante a tratar.

Pacific Rim va más enfocado al género mecha, el cual, así es, fanboys de Del Toro, no fue inventado por Evangelion. Tenemos infinidad de ejemplos, desde Ultraman, pasando por Macross, Gundam, Gurren Lagann... hasta los Power Rangers. A eso le sumamos las referencias obvias a Godzilla. Tiene una buena dosis asiática. ¿Qué elementos de Eva topé? Los pilotos deben sincronizarse entre ellos, como cuando Shinji y Asuka pelean contra Israfel. Tenemos a una piloto asiática, con cabello corto y con partes azules, recordándonos a Rei Ayanami. La base de operaciones de los Jaegers es muy parecida a la de NERV. La sincronización de los pilotos para poder pilotear también es muy similar, registrándose en el centro de mando. Cuando Mako tiene el problema con la prueba me recordó a lo que le ocurre a Guld en Macross Plus. Tampoco olvidemos que el look del personaje de Ron Perlman está totalmente inspirado en Batou de Ghost in the Shell. Personalmente veo estos puntos como influencia, no como copia o robo vil.

 Ahora, la película podría pintar más como una secuela no-oficial de Cloverfield. Los monstruos llegan de las profundidades del océano, destruyen ciudades, hasta tienen seres más pequeños pegados a sus cuerpos. Desafortunadamente y sorpresivamente, Pacific Rim tiene menor desarrollo de personajes que Cloverfield. Nunca dan suficiente material como para conectar con alguno de los personajes. Se muere el hermano de Raleigh, sin embargo, nunca muestran qué tanto le afectó esto. Si, tiene problemas para conectarse de vuelta con el Gipsy Danger, pero nunca vives junto a él esos estragos. Sabes qué relación tienen los personajes entre si, más nunca se desarrollan lo suficiente como para que te importe si sobreviven o si un kaiju se los traga. ¿Qué carajo hacía el personaje de Ron Perlman? ¿Qué relevancia tenía? Ok, entiendo que él es Hellboy, entiendo que es amigazo de Del Toro... pero su personaje fue relleno total, de esos que salen en muchas películas, pero que los directores deciden cortar porque no aportan nada a la trama. Por muy cuates que sean del actor.

 Lo peor definitivamente es la enorme mentira que se decía respecto a la historia. Llegué a leer quejas de que era pura acción y nada de historia. Ojalá esto hubiese sido cierto. La película inicia, tenemos una introducción en la cual nos cuentan lo que necesitamos saber acerca de este mundo. Yo pensé que esto sería como lo comenta Lisa Simpson cuando van a ver Cosmic Wars: "Están soltando toda la trama de golpe para así darle espacio a la acción". Este no fue el caso. Si, hay varias secuencias de acción, pero solo hay momentos verdaderamente buenos. Creo que lo único realmente entretenido es cuando Gipsy Danger mata a los primeros 2 kaijus. Todo lo demás son escenas que realmente no llevan a ningún lado. Es aquí donde critico la frase que soltó Del Toro, que Pacific Rim es la película que queríamos ver cuando teníamos 11 años. Yo creo que esta frase solo aplica si cuando tenías 11 años te gustaba ver Canal 5, esperando que ese día tu caricatura fuese interrumpida por especiales de partidos políticos. Ver media hora de caricaturas y el resto de un festival del aburrimiento. Y qué curioso que aquí destruyen la ciudad pero nadie dijo nada, solo si eres Superman se quejan de los destrozos.

 

  Pacific Rim es una película que pertenece al canal SyFy junto a gustos culposos como Sharktopus. Una cinta aburrida la cual muchos verán y defenderán porque la hizo un compatriota el cual lleva años que se olvidó de este país. Esperemos que, si hace Justice League Dark, DC Comics meta suficiente mano para evitarnos más corajes.

Oz The Great and Powerful: Army of Darkness de Disney.

 Si, definitivamente el título que le doy a esta reseña es la que describe mejor esta película. Raimi nos dejó molestos a muchos de nosotros con su majadería llamada Spider-Man 3. No estuve siguiendo de cerca sus proyectos después de la decepción. Ahora nos presenta una precuela del Mago de Oz y hay cosas qué decir al respecto. Cuidado, hay spoilers.

 Creo que muchos de nosotros al pensar en precuelas de Wizard of Oz es en Wicked, la novela de Gregory Maguire y su adaptación en un musical de Broadway. Creo que muchos fans de Wicked entrarán con muchas dudas a ver Oz y saldrán haciendo las comparativas inevitables, en especial al hablar de la Bruja Malvada del Oeste y sus orígenes. Oz se enfoca más en el material en el cual está basado y hace varios homenajes a la cinta de 1939. Uno de los guiños más obvios es que el inicio de la película está en blanco y negro y con un aspect ratio de 4:3 (formato regular), para cambiar a 2.35:1 (widescreen) y color al llegar a la tierra de Oz. Tal vez aquí también hubiese aplicado el no tener el 3D durante toda la secuencia inicial.

 Hablemos del protagonista, Oscar Diggs, interpretado por James Franco. El personaje está bien armado, entendemos que las circunstancias lo han hecho un hombre desconfiado, pero su llegada a Oz le sirve tanto a él como a sus habitantes. Es en Oz donde lo vemos ser el hombre en el que deseaba convertirse, donde puede lograr cosas grandiosas con lo que sabe hacer. En el mundo real no pudo hacer que la niña volviera a caminar, pero en Oz puede hacerlo con la niña de porcelana. Es muy interesante ver cómo se va encontrando con muchos elementos que lo hacen ser el hombre que conocemos en la obra original. Mención especial tiene el momento en el que ahuyenta al león, cómo se va forjando su leyenda a partir de cosas que realmente no tienen nada de espectacular.

Desafortunadamente, el resto de los personajes no obtienen suficiente desarrollo. Nunca vemos realmente la relación entre las brujas, no sabemos qué ocurrió entre Glinda y Evanora, pero sobre todo no definen bien a Theodora. Nunca vemos realmente por qué deberíamos confiar en ella y mucho menos vemos su cambio de manera sorpresiva. Este giro en la trama realmente se toma como "Ah... entonces a la mera hora ella era la mala...", cuando realmente deberíamos sentirnos mal ante su terrible destino, conocerla y saber qué es la que la lleva a convertirse en la Bruja Malvada del Oeste. Evanora tampoco nos muestra cuáles son sus intenciones para vencer a Glinda y al Mago. Solamente es mala porque debe serlo y ya. Con mayor desarrollo en esta parte, la película podría haber sido algo brillante. 

 Ahora, hablemos del por qué le puse ese título a la reseña. Es inevitable ver Oz como una versión para niños de Army of Darkness, la tercera entrega de Evil Dead. La estructura es la misma: Héroe viaja a un mundo que no le pertenece (Inglaterra en la Edad Media/Oz), varios dudan de él pero otros lo ven como un salvador, el héroe logra engañarlos con elementos de su mundo (escopeta y sierra/trucos de magia), el héroe es enviado a realizar pruebas (vencer a Glinda/tomar el Necronomicon), el héroe falla y todos dudan de él y finalmente el héroe decide tomar el título que le otorgaron y salva a la gente, utilizando elementos de su mundo (Sierra eléctrica, explosivos y un automóvil/trucos de magia y los conocimientos de su libro). A la escena del cementerio solamente le faltó que Oz intentara decir Klaatu Verata Nicto para obtener la varita de Glinda.

 Oz The Great and Powerful es una buena película de Marzo, la cual entretiene pero que definitivamente no pudo explotar todo su potencial. Se está manejando la idea de que se realice una secuela y, siendo Disney, es muy probable que así suceda. Creo que la respuesta que muchos esperan es la siguiente: Si, está mejor que Alice in Wonderland, así que vale la pena que vayan a verla.

 

Django Unchained: Confirmando que Tarantino ya no es lo que era.

  Django Unchained sería una película bastante entretenida... si solamente durara 1 hora y 11 minutos. Llevo años diciendo que Tarantino ha perdido el toque y que ha sufrido de la Teoría Unificadora de la Vida de Sickboy. Tuvimos Inglorious Basterds, he visto partes cada que la pasan en la televisión de paga y desafortunadamente no ha mejorado con el paso del tiempo, en especial las escenas de Shoshanna. Como es costumbre, Tarantino anunció este proyecto lleno de emoción, asegurando que sería una excelente película. La campaña publicitaria era extensa, pero no me llamaba en lo más mínimo. Tendríamos de vuelta a Christoph Waltz, pero nada nos aseguraba que su actuación fuese a ser diferente a lo visto en Basterds. Leí las primeras 11 páginas del comic y, citando de algún modo a Calvin Candie, antes tenían mi curiosidad, ahora tenían mi atención.

 La película inicia bastante bien, es fluida, los diálogos son buenos y la presentación de cómo se gana la vida Schultz es excelente. "Esto va bastante bien, no es como lo que hacía antes, pero de menos va fluyendo", pensé mientras Django decidía vestirse como Austin Powers para realizar su primera misión. Tenemos la escena de las capuchas que recuerda al diálogo clásico de Tarantino y un poco a Family Guy, inicia su entrenamiento, termina el invierno... y la película se va al carajo. Hora de meter escenas que merecían quedarse en la sala de edición, con personajes que salen sobrando y un ritmo totalmente ausente. Si, Samuel Jackson es muy bueno y Leonardo DiCaprio tiene sus momentos, pero la atención que se habían ganado ahora estaba en mi celular y el reloj, esperando que ya terminara. Lo peor es ver que, al igual que con Basterds, tenemos una escena en la cual el gran plan se ve frustrado, dejándonos con muertes pésimas y más escenas de relleno, una de ellas siendo el cameo de Tarantino, quien en Pulp Fiction hasta llega a ser convincente, aquí solamente se ve como un capricho.

 Sé que el fallecimiento de Sally Menke, quien se encargaba de editar todas las cintas de Tarantino, podría tomarse como excusa del horrible cambio de ritmo, pero no veo que ese sea el caso. Inglorious Basterds sufre del mismo mal, con escenas que podrían haberse editado. El problema aquí, como ya lo dije años atrás, es que Tarantino ya está en su zona de comfort, enamorado con todo lo que sale de su cabeza y acostumbrado a que le aplaudan absolutamente todo. ¿Por qué tan buenas reseñas y calificaciones si es una miseria de 3 horas? Supongo que eso se debe a que se estrenó durante la temporada de premios. ¿Cuántos festines de hueva no se han estrenado durante esas temporadas y han sido alabadas por la crítica? Ya ni siquiera es necesario es irnos tan lejos y compararla con Pulp Fiction, estamos a 10 años de que se estrenó Kill Bill Vol. 1, la cual por mucho es superior a este intento de spaghetti western. 

 Para cerrar, hablemos un poco de la polémica con la comunidad afroamericana (¿o está bien decirle comunidad negra? Lo último que escuché es que ahora algunos se ofendían con lo de afroamericanos). A Tarantino le encanta la expresión "nigger", la ha usado muchas veces en sus películas. Si, como dijo Sarah Silverman, es una expresión utilizada en la época donde está situada la película, pero carajo, es evidente el abuso que él realiza con ella. Basta ver al personaje de Don Johnson, quien utiliza la expresión de un modo encabronadamente exagerado. Al parecer Tarantino no tiene problemas con la expresión y es claro que, así como Rodriguez se siente latino, Tarantino se siente negro.

 

 Django Unchained es una película la cual solo vale la pena verse una sola vez y eso solamente por la primera hora y las actuaciones de Waltz, Jackson y DiCaprio. ¿Alguna vez volveremos a ver una cinta de Quentin Tarantino que valga la pena? Lo dudo mucho.

 

 

Cloud Atlas: Excelente Sci-Fi para analizar y disfrutar.

 Inicio oficialmente el 2013 con la reseña de una cinta que se estrenó a finales del año pasado (al menos en nuestro país): Cloud Atlas. Tuve la oportunidad de asistir a la función de prensa, pero definitivamente se necesita verla más de una ocasión para poder hablar con mayor fundamento acerca de esta cinta. Cloud Atlas es una novela del 2004 escrita por el autor David Mitchell. El libro llegó a manos de los hermanos Wachowski gracias a Natalie Portman, quien lo leyó y se los recomendó durante la filmación de V For Vendetta. A la dirección se les sumó Tom Tykwer, quien dirigió Run Lola Run y Perfume, así que de entrada el proyecto estaba en buenas manos.

 La primera impresión que tuve al ver el trailer de 6 minutos fue: "Esta película va a dividir, unos la amarán y otros saldrán echando pestes de ella". Vaya que no estaba equivocado. Definitivamente no es una cinta para cualquier persona, se necesita tener ciertos conocimientos para poder entenderle y así apreciar las diferentes capas que ofrece. He de aceptar que al inicio cuesta trabajo adaptarse al formato, pero poco a poco nos acostumbramos y nos ubicamos en cada una de las historias.

 El mensaje principal es "Todo está conectado", explorando cómo nuestras acciones generan consecuencias aún caundo ya ni siquiera estamos en este mundo, además de cómo usando temas como la reencarnación y el karma, vamos pagando por nuestras malas acciones y somos premiados por los actos positivos que hicimos en vidas anteriores. A partir de esto, iremos entendiendo los saltos entre historias y cómo todas ellas están relacionadas. Es bastante interesante ver las conexiones, ya que esto es una de las realidades del ser humano. Basta con ver qué inspiró a personas importantes en la historia para realizar los actos por los cuales son recordados o voltear y ver nuestra propia vida, analizando cómo nos han marcado actos pequeños o meras creencias y cómo hemos influenciado a personas que ni siquiera conocemos.

 Es obvio que los directores decidieron utilizar a los mismos actores para actuar las diferentes secuencias con la finalidad de no perdernos tan fácilmente entre las historias, sabiendo qué personajes se volvían a encontrar en diferentes vidas o por qué reaccionaban de algún modo en particular a pesar de no haberse conocido en esa vida. A esto le podemos sumar la gran cualidad de los Wachowski de meter gran cantidad de detalles en sus películas y esto funciona perfectamente con Cloud Atlas. Hay detalles que uno no capta hasta la segunda o tercera vez que la vemos, como la marca de nacimiento que comparten varios personajes, que el autor de la novela que está leyendo Cavendish es el niño que ayudó a Luisa Rey en los 70 o cómo un personaje sufre años después la misma muerte que su pareja. Definitivamente es una cinta que vale la pena ver en más de una ocasión para apreciar los detalles y las interpretaciones que nos ofrece.

 Estamos ante buen Sci-Fi, cuyos mensajes recuerdan a lo ocurrido con casos como el clásico Blade Runner, que hasta estos días inspira análisis y ensayos.

 Cloud Atlas es una película que va más allá del entretenimiento. Está bien ver cintas para pasar un buen rato, pero también vale la pena ver otras que son para analizar y comentar. Si son personas que les gusta leer acerca de temas filosóficos y/o religiosos, esta película les agradará, pero si son de aquellos que se sienten iluminados porque tienen un par de libros de Paulo Coelho y creen que escuchar las frases de Toño Esquinca por las mañanas los hace mejores personas, absténganse.

The Hobbit An Unexpected Journey: Un regreso agradable a la Tierra Media.

Ha llegado el momento de hablar acerca del último gran estreno del año (No cuento Django Unchained porque nos llegará hasta mediados de Enero), la primera parte de The Hobbit titulada An Unexpected Journey. Desde antes que se estrenara, llegué a comentar respecto a ella en diferentes artículos. El jueves finalmente la vi en el estreno de media noche y, para digerir algunas cosas (en especial lo de los 48 cuadros por segundo), la vi de nueva cuenta el domingo. ¿Qué hay que comentar al respecto? Varias cosas, así que inicio mi reseña, cuidado, vienen los spoilers.

 El mayor defecto que le veía a este proyecto era dividir el libro en 2 películas. La historia en el libro es sencilla, sin tanto detalle y muchas canciones. El universo de la Tierra Media se expandió cuando la editorial le encargó a Tolkien escribir más libros. A esto se le agregaron las otras obras literarias que ya conocemos. Las cosas se complicaron más cuando Peter Jackson salió con el chistecito de no hacer 2, sino 3 películas basadas en The Hobbit. Lo primero que debo decir es que tuve la razón y el ejemplo que el efecto Super Star Wars ocurrió tal y como lo esperaba. Cosas como "En eso el personaje alejó una mosca que volaba cerca de su comida" pasaron a "Hay una mosca cerca de su comida, el personaje se alistó junto con sus amigos y la combatieron por horas". Aquí queda perfectamente la expresión usada por Bilbo en Fellowship of The Ring, esto se siente como "mantequilla embarrada sobre demasiado pan". ¿Esto es algo negativo y fastidia toda la experiencia? Para nada, pero debe de aceptarse. 

 Entre los aciertos que tuvo Peter Jackson para extender esta adaptación fue el darle buenos flashbacks a la historia de Thorin, cómo perdieron Erebor y su pelea contra Azog, que le vale su sobrenombre. Se puede tomar su tiempo para que conozcamos más a uno de nuestros protagonistas, esto definitivamente le da puntos extra. También la aparición del Consejo Blanco, con Galadriel, Saruman, Elrond y Gandalf. Mientras que en el libro solamente llegan a Rivendell para hablar con Elrond, aquí nos da un fan service que definitivamente se agradece, más cuando tenemos a Christopher Lee interpretando a un Saruman que todavía no es corrompido por Sauron. ¿Y el cameo de Frodo y de Ian Holm como Bilbo? Afortunadamente funcionan, logran su cometido de que la audiencia se sienta en una Tierra Media conocida, ya que después pasarán el resto de la cinta junto a caras nuevas. An Unexpected Journey dura casi 3 horas, lo cual definitivamente es innecesario. Si bien tenemos extras que se agradecen, hay otros que sin problemas podrían editarse, tal es el caso de los enanos en la casa de Bilbo, la persecución junto a Radagast y en especial los gigantes de piedra. La secuencia de los gigantes de piedra es el momento perfecto para salir al baño o a comprar palomitas.

 Hay quienes se han quejado de la poca interacción que hay con los otros enanos, pero esto sorpresivamente es fiel al libro. Si, aparecen todos, pero los realmente importantes son Thorin y Balin. Martin Freeman verdaderamente se luce como Bilbo, toma elementos de Ian Holm, pero también le agrega cosas que logran hacerlo suyo. Su mejor momento es cuando se despierta y ve que todos se han ido, empieza a pensar en qué podía haber ocurrido de haber aceptado la invitación, su espíritu de aventura renace y corre para alcanzarlos. Aquí es donde aparece la que creo es la mejor pieza de todo el soundtrack, usando el tema que siempre acompañó a los hobbits, pero aquí suena fresco, marcando el inicio de la historia de Bilbo. Ese es otro de los puntos fuertes: El soundtrack. Contamos con Misty Mountains, tema que domina casi toda la película, pero también hay guiños a la trilogía anterior, perfectamente equilibrados, no se sienten forzados.

 El mejor momento obviamente es cuando llegamos a Riddles in the Dark, el encuentro de Bilbo con Gollum el cual cambia la vida de ambos. Andy Serkis vuelve a interpretar a Gollum/Smeagol y se nota un cambio bastante interesante, tanto en su actuación como en el aspecto visual. Es evidente que Serkis ha aprendido bastante realizando otros trabajos de motion capture, ya que aquí vemos un Gollum más expresivo, con más vida que antes. Es una lástima que solamente salga en esta película, a menos de que Jackson agregue una escena de Gandalf conociendo a Gollum y enterándose del origen del anillo. Lo mejor es que dicha escena si es necesaria.

 Antes de terminar, creo que es obligatorio hablar acerca del extra que ha estado generando tantos comentarios en internet: el High Frame Rate, los 48 cuadros por segundo. Después de Lord of the Rings, Peter Jackson empezó a caer en el mismo error que otros directores, enfocándose más y más en el aspecto técnico. Aquí él decidió dar el salto y grabar las 3 películas a 48 cuadros por segundo, el doble de cuadros que regularmente tiene una película. Desde el preview en una convención muchos se quejaron, decían que era demasiada calidad, tanta que te arrebataba la ilusión de estar en la Tierra Media. Yo pude verla en este formato en la función nocturna y, lo primero que pensé tras haber transcurrido 10 minutos de la película fue "No, esto tengo que verlo en el formato normal, esto es diferente pero no de manera positiva", contrario a cuando la audiencia empezó a conocer la alta definición. La imagen luce como con el horrendo ajuste con el que llegan a estar muchas pantallas de exhibición en las tiendas, la imagen luce rapida, como si le estuvieras adelantando X2, vemos a Bilbo caminando con extrema rapidez, parecería que el proyector tiene un problema. Eso de "realismo extremo" solo llega a aplicar en cosas negativas, hay momentos en los que sientes que el personaje realmente está frente a ti, pero más de "Mira, es Richard Armitage disfrazado de enano" en lugar de "Mira, es Thorin, justo frente a nosotros". Es un cambio verdaderamente innecesario, solo en 24 cuadros por segundo es que la cinta se siente parte de las anteriores. Sube el costo de filmación y pocas salas tienen las características necesarias para el formato. Creo que no había visto algo tan pinche desde el Virtual Boy.

 An Unexpected Journey es una cinta entretenida, quizá a muchos no les supo como esperaban, pero creo que aquí entraría la analogía en la cual la trilogía de Lord of the Rings es como ver a una banda tocar en un estadio y An Unexpected Journey es como ver una banda similar, pero tocando en un teatro, un lugar más reducido. Habrá que ver cómo funcionan las siguientes 2 cintas con los cameos que nos esperan.

El preview y trailer del especial de Navidad de Doctor Who.

 Durante el show de beneficencia Children in Need, se presentó un minisode que conecta con el especial de Navidad del 2012. Un Doctor amargado, todavía sufriendo por la pérdida de los Pond. Sin embargo, este episodio es la segunda aparición de Jenna-Louise Coleman junto con la pregunta: ¿Es Oswin, un pariente o algo más?

Skyfall: La celebración que James Bond tanto merecía.

  James Bond fue uno de los principales afectados durante la huelga de escritores de hace unos años. Daniel Craig y el Director Marc Forster tuvieron que terminar el guión ellos solos y el resultado final es lo que vimos en el cine. Craig se ha disculpado públicamente por esto y lo dejó bien claro: él es actor, no escritor. La oportunidad de redimir a la franquicia tambaleó aún más cuando la Metro-Goldwyn-Mayer estaba en bancarrota. Afortunadamente, las cosas se fueron solucionando, se preparó un proyecto que coincidiría con el 50 aniversario de James Bond y recibimos la excelente película llamada Skyfall. A continuación van muchos spoilers, así que tengan cuidado.

 Yo soy fan del Bond de Daniel Craig, me agradaban solo algunas cosas de las personificaciones previas del personaje, pero fue el giro que le dieron en Casino Royale el cual llamó mi atención. Casino Royale en gran parte tuvo el "Efecto Batman Begins", donde se presentaba al personaje en un universo más realista, sin tantos elementos exagerados. El Bond de Craig es un personaje fuerte, cuyo cuerpo es un arma, un elemento más que él utiliza para completar las misiones, pero también tiene espíritu, uno el cual ha recibido bastante daño a lo largo de los años. Quantum of Solace es prácticamente un epílogo de Casino Royale, de hecho hasta debería haber sido un simple extra en el DVD, prácticamente nada ocurre en ella. Ahora, ¿cómo es que este nuevo Bond, el cual recibió críticas por ser rubio, ensuciarse constantemente y no mantener el estilo suave de los anteriores, dar una película para hacerle tributo a los 50 años del personaje?

 Sam Mendes logró armar una película equilibrada a la cual se le pueden dar varias lecturas. La idea principal que vemos en ella es "Miren, hay cosas que ya no vamos a hacer, son ridículas, los tiempos han cambiado, pero hay elementos que mantendremos por nostalgia y porque son la base del universo del 007". En una parte tenemos el regreso de elementos anteriores del universo Bond pero con las modificaciones pertinentes, tenemos a Q, pero no más aditamentos que actúan como Deus Ex Machina, aquí se reducen a una pistola con tecnología estilo Judge Dredd y un localizador. Los patrocinios hicieron que ahora Bond beba Heineken (generando de nuevo, la ira de muchos fans), pero a cambio hay una escena donde pide el clásico martini. Sin embargo, es excelente la analogía de que los avances tecnológicos son los que estaban venciendo a Bond, por lo cual era necesario regresarlo a sus orígenes. Los gadgets exagerados son lo que empezó a tener mayor peso en las cintas de Bond, perdiéndose más y más su esencia, en Skyfall, son los gadgets tecnológicos lo que le da todo el poder a Raoul Silva.

Es por esto que vemos a Bond tomar la decisión de llevar a M a su hogar, a Skyfall, la propiedad de la familia Bond, donde inició todo y qué mejor manera para trasladarse que utilizando el Aston Martin DB5, el auto de James Bond por excelencia. Es un modo simbólico de retornar a las raíces del personaje.     

 Otro tema que se toca desde el ángulo de la historia es: ¿Deberían seguir existiendo las películas del 007? Tenemos a Raoul Silva, interpretado de una manera encabronadamente buena por Javier Bardem, un ex-agente el cual fue sacrificado por M a favor de cumplir una misión. Al inicio, a Bond le ocurre algo muy similar: con tal de cumplir la misión, M le pide a Moneypenny disparar a pesar de que Bond podría salir herido o morir. Bond desaparece, el MI6 empieza a recibir ataques y Bond decide volver. Bond regresa pero no está en forma, estado en el cual se encontraba el personaje. Si, con Casino Royale estaba resurgiendo, pero Quantum of Solace evitó que su regreso fuese realmente triunfal. Se ha usado a Craig para videojuegos, incluso para un remake de Goldeneye, pero todavía nos debían una cinta donde todo embonara. ¿Qué tan necesarios son los Bonds en tiempos donde tenemos variantes de Jason Bourne e Ethan Hunts? Skyfall nos hace recordar la esencia del 007, lo que ha hecho que cautive generación tras generación. Las palabras de M durante el juicio nos lo dejan bien claro.

Otro punto que definitivamente vale la pena comentar es la ifluencia que tuvo The Dark Knight en el guión de Skyfall. Sam Mendes lo aceptó, tomó varios elementos que definitivamente quedaban con lo que Bond necesitaba vivir. Raoul Silva tiene una relación bastante particular con Bond, de cierto modo es su respuesta, el resultado de lo que Bond podría haberse convertido, al estilo del Joker. Es un personaje que no tiene nada que perder, posee planes bastante elaborados y hasta se deja atrapar. Raoul ve a Bond como alguien en la misma situación que él y en verdad espera que lo entienda y ayude a cobrar venganza. Al final, la muerte de M provoca en Bond justo lo que la muerte de Rachel tenía que haber provocado en Batman: El seguir adelante y continuar, en lugar de retirarse.

Para finalizar, algo que encuentro desafortunado es que Skyfall es que puso fin a la teoría de los fans la cual decía que tanto 007 como James Bond son un nombre código. Es por eso que el personaje cambiaba tanto de aspecto físico, como de personalidad, era un título el cual se iba pasando de un agente a otro. Sin embargo, en Skyfall vemos que James Bond es su nombre real, vemos su casa y las tumbas de sus antepasados. Entiendo por qué tomaron esta decisión y funciona perfectamente en Skyfall, pero sin duda es una lástima que dicha teoría ya no sea aplicable.

Skyfall es una excelente película para celebrar el 50 aniversario de uno de los personajes más famosos del Siglo XX. La película tiene algo tanto para el espectador normal como para el fan que ha seguido a James Bond durante todos estos años.

Looper: Viendo que la combinación viajes en el tiempo/Bruce Willis sigue siendo efectiva.

 El año se acerca a su fin y es cuando nos llegamos a topar con algunas sorpresas. Hace bastante tiempo vi el primer trailer de esta cinta, donde veíamos a un Joseph Gordon-Levitt maquillado para parecer Bruce Willis. La premisa invitaba bastante: Asesinos que se encargan de matar a condenados del futuro. Pero, ¿qué pasaría si uno de esos condenados es tu yo del futuro? Ya en la cinta vemos que las cosas son más complicadas de lo que nos presentan en el trailer. Es así que nos adentramos en esta joya llamada Looper. A continuación van bastantes spoilers, así que lean con cautela

  Soy fanático de lo relacionado con viajes en el tiempo. Me gusta mucho leer acerca de las teorías existentes y he pasado horas de conversación acerca de cómo algunas cintas las ocupan con coherencia o el caos que muchos guionistas evaden con tal de ofrecer un buen guión. De Looper yo solamente me esperaba que fuese entretenida, jamás pensé que estuviese tan bien armada. Su inicio se siente bien a secas, conocemos al Joe joven y nos explica su universo y sus reglas. La historia va tomando más y más sabor a partir de que vemos cómo el Seth viejo va desapareciendo paso a paso, cambiando su pasado conforme avanza. 

 

Es aquí donde me es inevitable pensar acerca de las teorías de viaje en el tiempo que se manejan el Looper. Al inicio nos explican que dichos viajes están prohibidos porque se pueden hacer cambios que modifiquen el mundo del que proviene el viajero, limitándolo a matar Loopers y desaparecer sus cuerpos, actos que realmente no podrían provocar cambios extremos. El Joe viejo va teniendo cambios en su memoria al haber enfrentado a su versión joven, cambiando más y más el futuro de donde proviene. Se lo explica y hasta le dice que no entren en detalles. Se van generando cambios, pero las circunstancias que llevaron al viejo Joe a regresar en el tiempo siguen vigentes. El Rainmaker sigue existiendo.

 Más importante aún: sus orígenes son bastante similares. Este es uno de los significados del nombre de la cinta, donde vemos cómo se da prácticamente el mismo ciclo, con puntos fijos en las líneas temporales, cosas que de un modo u otro deben ocurrir, como dirían en Doctor Who. Sin embargo, con el contacto que llega a tener con el Rainmaker niño y la decisión final de quitarse la vida, Joe genera una paradoja. Sin un Rainmaker, los loopers no son devueltos para que sus versiones jóvenes los maten. De ese modo, el Joe viejo nunca hubiese llegado a desatar toda la secuencia de eventos, el ciclo se rompe, el Rainmaker ya no existe y crece sin trauma, los loopers ya no son devueltos y la mujer del Joe viejo se mantuvo con vida. El sacrificio de Joe recuerda al de Donnie Darko.

 Aparte de que ambas cintas tienen a Bruce Willis, es inevitable compararla con 12 Monkeys, particularmente con La Jetée, el cortometraje que la inspiró. En él un niño es testigo de su propia muerte como adulto. En Looper es un joven matando a su versión vieja. Es una película muy bien armada la cual llega a ser más accesible que 12 Monkeys (que esto no es algo en contra de 12 Monkeys, su complejidad es parte de su atractivo).

En cuanto a las actuaciones, Joseph Gordon-Levitt no solamente logra aprovechar la caracterización que le hacen, estudió lo suficiente a Willis como para hacerte creer que son el mismo personaje. No cae en la simple imitación. Willis cumple con lo suyo, luciendo nuecamente interesado en lo que está interpretando. Emily Blunt logra transmitir el pesar de su personaje y mención especial a Pierce Gagnon como Cid, el joven Rainmaker. 

 Looper es una excelente cinta de ciencia ficción, con buena trama, actuaciones y detalles que invitan a verla en más de una ocasión.

Dredd: Cuando un reboot lo logra.

 Ante la falta de guiones, hemos estado viendo una gran cantidad de remakes, reboots y adaptaciones. Algunas cosas han sido ofensivas, otras innecesarias y algunas han sido sorpresas agradables. La nueva versión de Dredd entra en la última categoría. Karl Urban, quien ya se ha hecho de fama en la comunidad geek, decidió hacerle justicia al personaje, armando una nueva adaptación, después de que todo su fanbase odió la versión de Stallone. 

 La nueva versión mantuvo elementos básicos del comic y en especial del personaje. Urban dehó atrás el ego y aseguró que nunca se quitaría el casco, manteniendo el misterio y el simbolismo del personaje. La película es sencilla, conserva la esencia del comic pero no se sumerge demasiado en su universo, te explican solamente lo que necesitas saber. Quienes son los jueces, por qué las ciudades lucen así y el nivel de violencia que sufren los habitantes de Megacity. El diseño de la ciudad es excelente, siempre es acertado poner el futuro desde el ángulo más realista, donde los edificios y calles no han cambiado tanto, solo los nuevos elementos se le han integrado. Cosa similar ocurre con I, Robot y siento que es la opción correcta. Esto facilita que entres al universo de Dredd. Además, Dredd posee un sabor bastante ochentero, la atmósfera que llega a presentar recuerda mucho a Robocop, personaje que, por cierto, fue influenciado por el comic de Dredd. El círculo se cierra, por decirlo de algún modo.

 

 Curiosamente, este es de los pocos casos donde se justifica el costo extra por el 3D. En la trama hay una droga la cual descaradamente se llama slo-mo, la cual provoca que a momentos todo se vea extremadamente lento y con colores llamativos. Afortunadamente las secuencias donde se utiliza valen la pena, aunque a veces hace que la violencia se torne en ultra-violencia. El soundtrack es bastante bueno, se adapta perfectamente al universo de Dredd, aunque quizá no se explota tanto. 

 En cuanto las actuaciones, Karl Urban sabe exactamente lo que los fans deseaban ver desde la vez pasada, mantiene al personaje tal y como debe de ser. No busca humanizarlo como lo hizo Stallone, aunque honestamente él fue de los primeros en aplicar el gran mal actual que vivimos llamado Me-quito-la-máscara-cada-5-minutos-para-justificar-el-cheque. A lo mucho vemos a Dredd sin casco, entre las sombras, solamente se le ve el cabello. Olivia Thribly como Anderson es quien se encarga de darle humanidad a la historia y nos acompaña a vivir el relato. Lena Headey como Ma logra su cometido, trabaja bien con lo que se le da, pero ya todo lo que ella nos presente nos sabrá poco después de ver su excelente trabajo en Game of Thrones.

 Dredd es una buena cinta de acción, quizás a muchos momentos extrañe que no tenga una escala tan grande, pero definitivamente logra equilibrar la balanza y nos hace olvidar la cinta de los 90's.

El tercer trailer de The Hobbit: An Unexpected Journey.

 He de decir que sigo sin aceptar esa idea de sacar 3 películas de El Hobbit. Con LOTR se comprendía y hasta era obligado sacar ediciones extendidas, pero en este caso con 2 películas bastaba. Peter Jackson jura que las anotaciones de Tolkien dan suficiente material para extender la historia, pero siento que la película tendrá el mismo efecto que poseen los videojuegos de Super Nintendo de Star Wars. Cosas como "Ah, si, en la película estoy buscando a otro personaje y a los 30 segundos lo encuentro" se volverá "¿Dónde está? Tendré que pelear con 50 criaturas para poder encontrar a ese personaje". Como siempre, se agradece ver caras conocidas además de finalmente toparnos con la versión actualizada de Gollum. Obviamente luce mucho mejor que hace 10 años, pero supongo que la justificación podría ir desde el ángulo de que esto ocurre antes de LOTR.

Ted: Una comedia de las que ya nos hacían falta.

 Estamos en ese punto del año en el cual nos vamos topando con algunas sorpresas. Sí, esta película salió a finales de Junio en EUA, pero con los retrasos a los que estamos acostumbrados, me sorprende que saliera aquí tan rápido, es más, que siquiera llegara a las salas mexicanas. Seth MacFarlane lleva años que está de bajada, tener 3 shows simultáneos ha cobrado su precio y rara vez nos topamos con el humor que nos hizo fans. Sorpresivamente, Ted logra tener la esencia de MacFarlane y nos vuelve a atrapar.

 Algo que si he de aceptar es que, viéndola de lejos, si, es un episodio de Family Guy de casi 2 horas... pero un episodio de los buenos. Para la audiencia común llega a ser bastante entretenida, pero para los fans es todo un deleite. Eso es algo que también he de advertir: Gente que odie a MacFarlane y le tire mierda a sus referencias a la cultura pop (principalmente ochentera), favor de abstenerse. Ahora si, comentemos un poco más respecto a Ted y empecemos con ese punto de las referencias. En Ted, MacFarlane logra pulir ese estilo y logra llevarlo más allá de los "chistes de manatí", como los llamaron en South Park. Las referencias aquí se dan con naturalidad, tal y como las harías con alguno de tus amigos y que quizás solo él y tu las comprenderían. Me fue inevitable identificarme con John y la manera en la que tiene configurado su celular. La fantasía de cómo conoció John a su novia recuerda a las parodias de los buenos tiempos como Airplane o Naked Gun, estilo que actualmente está perdido y putadas como Epic Movie creen que se limita a poner a alguien diciendo "Ah, miren, soy Paris Hilton, rianse". Hay todo tipo de referencias, no se cierra a la gente que conozca la cultura pop de EUA.

 Para los fans de MacFarlane tenemos la aparición de varios actores que prestan sus voces para diferentes personajes de sus series, como Ralph Garman y Alex Borstein como los papás de John (Garman llega a interpretar a varios personajes y Alex es Lois Griffin), Mila Kunis como Lori Collins (Meg en Family Guy) y Patrick Warburton (Joe en Family Guy y Brock "Fuckin'" Samson en Venture Bros.). Lo mejor es que hasta en un momento Ted acepta que suena como Peter Griffin y en el acuario hace la voz de Stewie. El amor de MacFarlane por las cintas de Lucas y Spielberg aparece en más de una escena, incluso utilizando partes de sus soundtracks.

 La estructura de la película es bastante similar a un episodio de Family Guy, termina alguna escena con algún chiste, corte con el mismo cue musical del show y sigue adelante. Sin embargo, como bien lo dije, la fórmula mejora, ya que muchas de las escenas cortas con algún chiste llegan a tener relevancia en la historia, no son momentos que quedan al aire. Claro ejemplo de esto son las escenas entre Ted y su jefe. Las actuaciones e interacción con Ted son creíbles, lo suficiente como para que te importe lo que vaya ocurriendo con los personajes y que, a pesar de que sea predecible lo que ocurrirá al final, te mantenga interesado.

 Ted es una comedia que, si bien tiene el estilo de los shows de Seth MacFarlane, es un respiro ante la falta de cintas que realmente nos hagan reir.

Primera imagen de la nueva versión de Robocop.

La producción del remake de Robocop ha estado llena de problemas. Darren Aronofsky lo abandonó, Hugh Laurie se salió de último minuto y los rumores comentan que el guión es pésimo. Mientras las cosas avanzan, finalmente tenemos una imagen de cómo lucirá Robocop en la nueva cinta. Sin embargo, hay que considerar los rumores y pensar en que posiblemente este no sea el look definitivo, se decía que el diseño iría evolucionando conforme avanzaba la historia, como Iron Man y sus armaduras. A primera vista, el diseño se me hace una fusión entre el segundo traje de Batman y las armaduras que utilizan en GI Joe. Aquí tienen a Joel Kinnaman como Robocop.

The Expendables 2: Un viaje divertido (siempre y cuando sepas a lo que vas)

 Había olvidado comentar acerca de ésta película. No hay mucho que decir, pero no por algo negativo. Lean con toda confianza, mantuve esta reseña libre de spoilers. Sylvester Stallone sacó la primera parte en el 2010 y con ella buscaba juntar a la mayor cantidad de héroes de acción, tanto oldschool como nuevos. En ella se reuniría con viejos colegas, así como actores que de cierto modo están manteniendo su legado. El proyecto tenía buenas intenciones pero no acabó de formarse. La parte por la cual valía la pena verla lo quemaron en el trailer, viendo a Bruce Willis y a Arnold Schwarzenegger con Stallone en una iglesia. Van Damme se negó a participar al inicio, con la excusa de que "el personaje que le ofrecieron no tenía suficiente historia". Si, Van Damme... diciendo esa majadería. 

 El proyecto tuvo el suficiente éxito para hacer una secuela y afortunadamente fue en ella donde logró la película que tenía en mente desde el inicio. Por fin vemos a Schwarzenegger y a Willis en acción, tenemos a Chuck Norris y Van Damme obtuvo justo lo que quiso, además de aportar. El único que está fuera de lugar es Liam Hemsworth, si veo a Sly confundido en plena grabación preguntando "¿Cómo que este tipo no es Thor?". 

 The Expendables 2 finalmente hace uso de la carta blanca que Stallone y su equipo tienen desde la primera, cosa que no habían aprovechado. Como bien le dije a un amigo, la vez pasada bien podrían haber puesto una escena en la que Sly se ponía una cobra viva como cinturón y la audiencia no tendría ni una sola queja. En esta secuela se nota que aprendieron de sus errores y nos dan justo lo que queríamos ver. Podría decirse que The Expendables 2 triunfa en el terreno donde Snakes on a Plane fracasó. Escucharon (o mejor dicho, leyeron) lo que los fans publicaban en internet y tomaron lo que sabían que podía funcionar, además de estar conscientes de las reacciones y comentarios de la audiencia promedio. Es una fórmula similar a la utilizada en Rocky Balboa. Cada personaje y actor tienen su momento de brillar y definitivamente ver a Stallone, Willis y Schwarzenegger en una secuencia de acción es un deleite para todos los que crecimos en los 80's y 90's. Es inevitable emocionarse.

 The Expendables 2 es una experiencia bastante entretenida, siempre y cuando estés consciente de qué tipo de cinta vas a ver. No hay puntos complejos que analizar ni una historia con la cual identificarse, pero si una hora y media divertida, llena de nostalgia.

The Dark Knight Rises: Cuando ni siquiera Nolan se salva de la maldición de las trilogías.

Esta no era el tipo de reseña que esperaba escribir acerca de The Dark Knight Rises. Sabía que no llegaría a ser tan buena como The Dark Knight, me hice esa idea desde hace 4 años, pero pensaba que saldría del cine diciendo "Obviamente no le llega a la anterior, pero aún así le quedó muy bien, es un excelente cierre". Veía en internet que la constante era ver que muchas a alababan y algunos cuántos quejándose con excusas como "no me gustó porque el sountrack está muy fuerte". Me mantuve lo más libre de spoilers, a lo mucho sabía lo que nos decían las fotos tomadas durante la filmación. Si algo vale la pena es hacerle caso a Nolan y llegar a sus películas sabiendo lo menos posible. Lo que me sorprendió al final fue que aparentemente no fui a ver una película de Christopher Nolan. Es como si después de la segunda él decidiera salirse del proyecto y dejárselo a otro director. Como una película aparte, sola, funciona bastante bien, como el final de la trilogía, definitivamente es una decepción.

 Antes de empezar formalmente con mi reseña/comentario/leve nivel de nerdrage, quiero dejar bien claro que no esperaba ver una película idéntica a las anteriores. Lo que quería era ver una película que se desarrollara en el mismo universo que BB y TDK, con sus reglas y características que las hicieron tan especiales. Espero que esto no se tome como un comentario quisquilloso, solamente estoy pidiendo explicaciones acerca de cosas que me parecen fuera de lugar. Es cuestionarme por qué aparentemente a Nolan le dio pereza entregarnos una película con el mismo nivel de calidad al que nos tiene acostumbrados.

 La cinta inicia bastante bien, el prólogo muchos lo vimos en copias que iban apareciendo en la red. Hubo quejas de la voz de Bane, pero siento que le daba personalidad. No te esperas que un tipo así suene de ese modo. La manera de detener el avión y destruirlo es bastante creíble, sigue jugando de acuerdo a las reglas que planteó desde el inicio. Llegamos a Gotham y es ahí donde las cosas poco a poco se van cayendo, dejándome confundido. 

Batman lleva 8 años exiliado, después de la muerte de Dent, nadie vuelve a verlo. Ok, digamos que era la mejor opción y que no valía la pena tenerlo agotado por seguir atrapando criminales y jefes de la mafia mientras la policía lo perseguía. Selina Kyle se encuentra con él y lo vemos portando un bastón, el cual Selina le quita con una patada, dejando a Bruce en el piso, indefenso. Aquí es donde nos encontramos con el primer error, el mismo que cometieron en Iron Man 2. Nos ponen que el héroe tiene un problema de salud el cual no lo deja actuar bien, problema el cual milagrosamente es curado y olvidado para seguir con la trama. Si, Fox le da el aparato para poder caminar de nuevo, ¿Pero por qué después ya no tiene absolutamente nada, particularmente en su exilio? Tan fácil que era tomar la ruta de Sherlock, donde Watson tiene un problema en la pierna de origen psicosomático.

 De ahí nos vamos al siguiente punto en el cual vi que el guión no tenía el mismo amor que en las anteriores: John Blake revelando que Bruce Wayne es Batman. Qué manera tan más jodida de hacerlo. "Vi que tienes dolor en tus ojos y ocultas tu verdadero ser, yo igual, así que eres Batman y tú lo vas a aceptar sin cuestionarme ni pedirme pruebas". ¿En serio, así de sencillo? En TDK tenemos a Coleman Reese demostrándolo con los planos del Tumbler. En TDKR tenemos a un personaje que se caracteriza por ser un excelente detective. ¿Era mucho pedir una explicación en la cual mostrara cómo averiguó la identidad de Batman? Estamos ante el mismo director el cual siempre nos ha brindado explicaciones coherentes y, de no tenerlas, hay una buena razón detrás de esto. 

Alfred inicia con buenos momentos, pero al hablar acerca de Bane, pasa de ser un buen consejero con experiencias que se adaptan a lo que está enfrentando Batman para convertirse en el encargado de exponer la historia. ¿Dónde carajos se enteró acerca del pasado de Bane? ¿Encontró un artículo en Wikileaks o algo así? En TDK le cuenta a Bruce cómo enfrentó a una persona con características similares al Joker, ayudándolo a entender la amenaza. Aquí es un "Ah, si, es fulano, ha hecho esto y esto, bueno, sigamos con la película". A esto le sumamos que se sale totalmente de personaje y abandona a Bruce. Alfred NUNCA abandona a Bruce y ni siquiera me estoy basando en los comics, estoy enfocándome enteramente en la película. Nos lo demuestra en las cintas anteriores.

 

 La manera en la que Bane se entera del pasado de Harvey Dent... al igual que lo anterior, sucede de golpe, sin esfuerzo ni razones. ¿Por qué no torturar y/o drogar a Gordon y hacerle contar la verdad? Bastó con un simple discurso y que uno de los secuaces de Bane revisara su bolsa. Las revelaciones de esta película carecen totalmente de fuerza. Con Miranda Tate muchos de los fans ya sabíamos que iba a ocurrir gracias a las fotos tomadas el año pasado. Marion Cotillard podría negar todo, pero las fotos nos confirmaban que ella sería Talia Al Ghul. Si bien ya lograron convencerme de que Bruce cayó con Miranda ya que llevaba años exiliado y por lo tanto estaba sensible, creo que necesitaba más desarrollo para que el plot twist al final realmente tuviese mayor impacto. Como extra: ¿Qué es eso de la existencia de otros Tumblers? La idea que manejaban era que solo se hicieron prototipos, que solamente existían 2. Ok, si pensamos que había más y que había peligro en que alguien se enterara que eran de Wayne Tech, ¿Para qué guardarlos en el primer lugar donde los buscarían?

 A esto se le suma que las acciones del villano, la tecnología y el final se sienten totalmente fuera del universo al que Nolan nos tenía acostumbrados. Nolan siempre mantuvo cierto nivel de fantasía, cosas como el aparato para evaporar el agua, el sonar o el rostro desfigurado de Two-Face marcaban cierto límite. Aquí es como si esos límites no hubiesen valido en absoluto. The Bat es un vehículo demasiado avanzado el cual sabe manejar de la nada. Con el Batpod tuvo tiempo suficiente como para saber su funcionamiento, además de que Wayne sabía andar en motocicleta. Aquí no hay explicación alguna. La manera en la que Bane destruye el campo de football, cómo destruye la ciudad y realiza los juicios... si bien son cosas que hemos visto en los comics (No Man's Land), se sienten demasiado exageradas, fuera del universo en el que se desarrollan las cintas anteriores. ¿Una bomba nuclear? Es la segunda película este año en la que vemos a un multimillonario volando con una bomba nuclear, intentando salvar una ciudad. El problema es que en una de esas películas es normal ver eso y en la otra se siente totalmente fuera de lugar. Más al ver cómo se salva Batman. Segundos antes de que estalle, vemos a Batman en la cabina. ¿Cómo carajos logró salirse? La única explicación que pudiese dar es "Pues segundos antes llega el nuevo Superman y lo rescata". Digo, si él siempre juró que nunca habría Robin en su universo y al final nos lo cambió, qué más da poner a este otro personaje en su universo.

 Tom Hardy como Bane quedó bastante bien. Como ya lo dije, la voz que tiene es excelente, es un buen giro. Lo vemos como un terrorista el cual está decidido a cumplir su misión y sabe cómo generar temor en las personas. La pelea que tiene contra Batman es buena tanto en coreografía como en diálogo, creo que dejó satisfechos a los fans de Knightfall. Se presenta como el soldado que Ra's esperaba de Bruce, a pesar de no haber recibido su bendición. Desde este ángulo, también funciona como una respuesta a Batman, ya que está cumpliendo con el destino que le correspondía al seguir con Ra's, además de volverse un símbolo para su causa. Como bien lo dice en el prólogo "A nadie le importaba quien era yo, hasta que me puse la máscara".

 Desafortunadamente, el personaje pierde fuerza con la revelación de que al final es, al igual que en el pecado llamado Batman and Robin, el perro guardián de una villana. Su decisión de matar a Batman después de saber quien era Miranda Tate se siente de "Ok, ya se me jodió la imagen que te estuve vendiendo, así que ya mejor te mato antes de que me pierdas más el respeto". Lo peor es que, siguiendo con los cambios al universo que creó, mata a Bane de una manera insultante. La mayoría de las veces ha eliminado a los villanos con respeto (la excepción siendo el Scarecrow en Batman Begins), pero aquí termina de perder todo impacto cuando acaba víctima de un disparo del Batpod.

 Anne Hathaway como Selina Kyle/Catwoman también quedó bastante bien. No "reinventó" el pesonaje como muchos aseguraban, pero trabajó muy bien con lo que le dieron. La manera en la que maneja la transacción por las huellas digitales de Bruce es excelente, cómo logra defenderse fácilmente de los mafiosos para segundos después mostrarse totalmente vulnerable ante los policías, escapando al final, sin que nadie se de cuenta. Igual que con Tate, había necesidad de darle mayor desarrollo a su relación con Bruce, explorar más a fondo como eran 2 personas las cuales estaban en un punto donde necesitaban hacer borrón y cuenta nueva. Fuera de esto, un personaje bien armado y fiel al comic, a diferencia de sus versiones anteriores.

 Ahora, el punto que más me agradó de la película, el cual al verlo me hace decir "¿Ves? Ese es el tipo de interpretaciones que hicieron especiales tus otras películas. Mete más de esto y menos de escenas exageradas". Me refiero a su versión de El Pozo de Lázaro. En TDKR retomamos a Ra's Al Ghul y su causa. El personaje hasta hace un cameo donde lo vemos hablando con Bruce, explicándole las razones que lo hicieron, desde cierto punto de vista, inmortal. Bruce necesita enfrentar de nueva cuenta sus demonios internos, volver a tener una motivación. Es por eso que la escena del pozo es tan importante ya que, al igual que en el comic, el pozo genera lo mismo: hace que la persona salga de él con nueva fuerza, rejuvenecido. Ver que antes de saltar se encuentra con murciélagos volando encima de él es bastante simbólico. Es la manera en la que recuerda exactamente qué lo motivó al principio, cuál era el propósito de Batman. Esto sumado al cántico que viene siendo la pieza principal del soundtrack hacen que la escena valga mucho la pena. 

Hablemos acerca del final. Aquí es una colección de momentos muy buenos los cuales se ven interrumpidos por otros que, como bien dije, están fuera de lugar, no pertenecen al universo planteado en las cintas anteriores. ¿Cómo es que Bruce regresa a la ciudad? Se supone que todo está bien vigilado, es prácticamente imposible entrar a Gotham. Sí, Bruce aprendió a moverse por el mundo durante su ausencia, pero aquí se quedó ese hueco enorme. Batman prepara todo para pelear contra los guerrilleros de Bane y marca su regreso con su símbolo en llamas. Inician la pelea y ahora, por alguna razón, Batman le da la vuelta a Bane. Si, la escena del pozo me gustó bastante, pero objetivamente, el entrenamiento físico que obtuvo ahí no era como para superar a Bane de ese modo. Bane es vencido, Talia hace la revelación que sabíamos desde hace tiempo, la persiguen y muere de un modo muy parecido a su padre. 

Batman revelando su identidad a Gordon es excelente, la escena que mencionan de Batman Begins es perfecta, la reacción de Gordon es tal y como debe de ser... y en eso el momento se jode viendo cómo toma la bomba nuclear para que explote en el mar. Lo vemos alejarse, la bomba estalla 5 segundos después de que vemos que él seguía en la cabina. Esto nos lleva al funeral y carajo, Alfred frente a las 3 tumbas: Uno de los momentos más fuertes en la trilogía. El mejor momento de Michael Caine como Alfred. Cómo vemos que el mayor de sus temores se había hecho realidad.

Wayne deja la mansión para que se convierta en un orfanato, John Blake recibe un paquete personal... y tenemos confirmación de lo que suponíamos. Él es Robin. ¿Qué Robin? Podríamos decir que Nolan tomó esta decisión pensando en que no todos están familiarizados con los nombres de quienes han portado el manto de Robin. Mejor usar el nombre que todos ubican. Mientras tanto, vemos que la ciudad acepta a Batman como su salvador. ¿Arreglar la señal? Buena idea, buen tributo. ¿Hacer una estatua? ¿Basada en qué? ¿En qué momento tomaron fotos como para hacer con tanto detalle una estatua? Los imitadores en TDK armaban sus trajes a partir de descripciones de testigos.

 Alfred se toma vacaciones y finalmente ve su deseo hecho realidad: Bruce viviendo con tranquilidad, acompañado de alguien. El momento ocurre justo como él lo esperaba y qué mejor pareja para Bruce que una mujer con un pasado difícil. La toma de Blake en la cueva mientras se eleva la plataforma queda perfecta con el final y el título. Esto es una combinación de The Dark Knight Returns y que en años recientes Dick Grayson tomó el manto de Batman.

The Dark Knight Rises definitivamente no es la película que tanto esperaba. Si bien tiene puntos positivos y no cae en el nivel decadente de X-Men 3 o Spider-Man 3, no se salva de ser parte de la constante de tantas trilogías, donde la tercera es la más floja.