Carrie Fisher se ha unido con La Fuerza.

  2016 ha sido un año que pocos recordarán con cariño. Habrá quienes vean todo lo que se ha perdido en él como mera coincidencia. Yo no soy de esas personas. Este año nos ha quitado a muchas personas. Familiares, amigos y celebridades. Es común que alguien nos critique por ponernos tristes ante la pérdida de algún artista. Si, pocas veces llegamos a tener el gusto de conocerlos en persona, pero ellos de algún modo han tocado nuestras vidas, nos han inspirado, son parte de nuestro paso por el mundo. Carrie Fisher fue una actriz que a los fans nos ha acompañado durante toda nuestra vida.

 Todos la recordamos por su papel como la Princesa Leia, pero pocos saben lo que hizo una vez que (aparentemente) terminó la saga. Muchos mantienen la falsa creencia de que ella junto con Mark Hamill no volvieron a hacer algo relevante. Enorme error. Carrie Fisher se dedicó por años a escribir material propio pero sobre todo a arreglar guiones de películas, entre ellos Hook y The Wedding Singer. Casualmente llegaba a participar en películas con papeles pequeños como Charlie's Angels: Full Throttle o Jay and Silent Bob Strike Back y, al igual que Mark, empezó a trabajar como voice actor en diferentes series animadas. 

 Sin duda su participación en Star Wars nos ha marcado a muchos. Leia es un personaje femenino fuerte y gracias a esto muchos de nosotros no crecimos con esa idea de que en las historias las mujeres siempre tendrían que ser simples damiselas en peligro. Lo que más recuerdo de ella actualmente son sus entrevistas durante la promoción de The Force Awakens. Su actitud era como la de una tía a la cual no le importan las reglas y expresa exactamente lo que piensa. Siempre la acompañaba Gary, su perro. Su manera de expresarse era un verdadero deleite. La tuvimos de vuelta en los reflectores por un buen rato y debemos estar agradecidos por los buenos momentos que nos hizo pasar.

 

 Descansa en paz, Carrie Fisher. 

Para nosotros eres Realeza. 

Rogue One: Lo que George Lucas quería para Star Wars (y justo lo que los fans nos merecíamos).

 Hace un año vimos el regreso de Star Wars a la pantalla grande. Hubo muchas promesas y muchas expectativas. El resultado no fue malo pero definitivamente estuvo muy alejado de lo que esperábamos. J.J. Abrams nos confirmó que es el ideal para realizar remakes y reboots. George Lucas no estuvo nada satisfecho con el resultado final, argumentando que él siempre buscó ofrecer algo nuevo con cada entrega. Muchos perdieron la fe y dejaron de prestarle atención a Star Wars. Incluso Trey Parker y Matt Stone decidieron ir más allá y culpar a The Force Awakens por el triunfo de Donald Trump, explicando que la gente se dejó llevar por lo que parece más una reunión especial de un programa viejo de TV que una película. Entre los planes de Disney estaba el realizar películas fuera de la Saga Skywalker, donde se contasen historias ubicadas en el mismo universo. Gareth Edwards tuvo la difícil tarea de realizar algo completamente nuevo. ¿Cumplió con su misión? Empecemos con los spoilers. 

 La idea que dio vida a Rogue One vino de la mente de John Knoll, encargado de los efectos visuales de las precuelas. Él le presentó su idea a Lucas y McCallum cuando se iniciaron los planes para hacer una serie de TV. En su momento fue rechazado, pero cuando Lucasfilm fue comprado por Disney y empezaron los planes para hacer las películas independientes de la saga, Kathleen Kennedy escuchó la idea de Knoll y decidieron que esa seria el inicio de lo que originalmente se llamaba Star Wars Anthology. El plan era que estas películas tuviesen una vibra diferente a los episodios, que se pudiesen ubicar en diferentes géneros. 

 Es curioso ver cómo Disney está aplicando con estas películas la misma mentalidad que con las series de Marvel en Netflix. Con The Force Awakens tuvimos un producto, algo armado por un grupo de ejecutivos dentro de una sala de juntas. Si, tiene sus cosas rescatables pero claramente es algo hecho para darle gusto a quienes se impresionan con facilidad, aquellos que no están dispuestos a ver lo hueco y estéril que es lo que les han dado. Gareth Edwards tuvo mucha libertad durante toda la realización de Rogue One. Durante el Fan Event que se llevó a cabo hace unas semanas (donde vimos 20 minutos de la película pero no pude decir nada por el contrato que firmé con el Señor Mouse), Diego Luna comentó que Edwards les permitió improvisar gran parte de sus escenas para darle mayor naturalidad a sus personajes. Gracias a esto y otras cosas características de la dirección de Edwards, al final tenían horas de grabación donde la historia podría tomar diferentes rumbos. Es por eso que se realizaron los reshoots con la ayuda del guionista Tony Gilroy, con la finalidad de pulir el material y ofrecer una historia sólida. Los reshoots no fueron como resultado de un ataque de pánico (como ocurrió con Suicide Squad), sino parte del proceso que normalmente se lleva a cabo en la industria.  

 ¿Cómo podemos confirmar que el tercer acto se cambió por completo? En los trailers e incluso posters. Podemos ver cómo el equipo logra escapar con los planos. En una toma vemos a K-2SO, Jyn y Cassian corriendo por uno de los pasillos con los planos. Después los tenemos junto con los demás peleando en la playa. Al parecer la misión iba a ser mucho más sencilla. ¿A qué se debió este cambio? Yo creo que originalmente planeaban que todo el equipo sobreviviera, que ellos fueran los que le dieran los planos personalmente a la Princesa Leia y terminasen como héroes de la Rebelión. Esto habría dejado la puerta abierta a otras secuelas que pudieron haberse ubicado entre los otros episodios. Yo creo (e insisto, es mera especulación personal) que alguien les hizo ver que dicho final se parecía mucho a lo que sucedió con Han y Chewie en Episodio IV. Disney está bien consciente de que a muchos no nos gustó haber visto que The Force Awakens era un remake/soft reboot de A New Hope. Gracias a este cambio siento que la película logró separarse de el resto, ofreciendo una historia única. Pueden ver una lista de las escenas que aparecieron en los trailers pero no en la película visitando este artículo.

 Después de ver los primeros 20 minutos de la película hace unas semanas me quedó bien claro que Rogue One es justo lo que prometió Gareth Edwards: Una película de guerra dentro del universo de Star Wars. A diferencia de lo que normalmente hemos visto en la saga, aquí las cosas no son blanco y negro. Los personajes se mueven en una escala de grises. Cassian asesinando a sangre fría al informante al inicio de la película es el primer gran indicio de esto. Vemos cómo los rebeldes no son los boy scouts que tanto creíamos, muchos de ellos rayan en el fanatismo, dispuestos a hacer lo que sea necesario a favor de su causa. La escena del ataque a las fuerzas imperiales por parte del grupo de Saw Gerrera se siente como algo actual, tanto que ellos mismo utilizan la palabra "terrorista" para referirse a ellos. El consejo de la Alianza Rebelde está más enfocado en sus intereses personales que en el bien común. No están tan alejados de la manera de operar del Imperio. Esto conecta bastante bien con las razones por las cuales Leia abandona a la Nueva República antes de The Force Awakens.

    

 Este tipo de detalles hacen que el universo se expanda y además logre que Rogue One sea una historia interesante. Los personajes están bien armados, cada uno tiene características para cumplir un cometido en la trama pero esto no significa que se sientan prefabricados. A diferencia del elenco de The Force Awakens donde la diversidad era con la pura finalidad de ser políticamente correctos, en Rogue One esto se da de manera natural. Vemos cómo gente de diferentes puntos de la galaxia se une con una sola meta. Chirrut Imwe es un personaje equilibrado que logra darnos algunas frases dignas de un Jedi que los fans empezaremos a citar. Cassian es un piloto con una moral cuestionable, pero logramos entender el por qué de sus actos. Orson Krennic es un personaje manipulador, dispuesto a usar su amistad con Galen y pelear con sus colegas para subir en los rangos imperiales. Jyn es una mujer que lleva años buscando su propósito en la vida y lo encuentra con la misión que le encomienda su padre. Así es como se deben hacer las cosas, nada de una protagonista perfecta, un Stormtrooper cuya única característica es ser afrobritánico y un piloto cuya única razón de existir es porque era necesario tener un Han Solo.

 Otro de los grandes triunfos de Rogue One es que logran emocionarte con una historia de la cual ya conoces el resultado. Sabemos que la Alianza Rebelde obtendrá los planos de la Estrella de la Muerte, pero no sabíamos cómo fue ni quiénes lo hicieron. Esta fue una excelente oportunidad para poder justificar el error que los haters llevan décadas criticando: La existencia de un punto débil en la estructura de la Estrella de la Muerte. Con la aparición de Galen ahora sabemos que esa falla está ahí a propósito, con la finalidad de que los rebeldes la aprovechen. Los haters ya no podrán decir nada al respecto y seguirán sin poderme explicar por qué la Comunidad del Anillo no utilizó a las águilas para llevar el Anillo Único a Mordor. Durante la batalla final vemos cómo es que el Red 5 original muere, qué es lo que hace que el Imperio empiece a tomar en serio a la Rebelión, cómo llegan los planos a manos de Leia y cuál fue el precio a pagar. La toma final de Jyn y Cassian en la playa es perfecta. Ambos se abrazan, listos para enfrentar su destino. Ver A New Hope ya no será igual. Ahora tenemos una idea muy clara de quiénes fueron los héroes que lo iniciaron todo.

 Hablemos del gran reencuentro con el personaje más importante de la saga: Darth Vader. Mucho se especuló de si aparecería en la película y qué tanto tiempo lo veríamos. Si hay algo que Disney se ha encargado de hacer desde que compró Lucasfilm es de devolverle a Darth Vader su fama de villano. Si, los Star Tours y las series de Lego no le hacen nada de justicia, pero los comics publicados por Marvel y Rebels lo han regresado al buen camino. Rogue One nos da en tan solo unos minutos muchas cosas que siempre quisimos ver. Cosas que van más allá del simple fanservice. Cosas que solamente los verdaderos fans sabrían reconocer y apreciar. 

Finalmente vemos su castillo, una combinación del castillo que Ralph McQuarrie le diseñó para Episodio V y la cueva de lava donde originalmente Luke enfrentaría al Emperador. Lo mejor es que le agregaron una excelente conexión con las precuelas al ubicarlo en Mustafar. Su base de operaciones está en el planeta donde murió Anakin Skywalker. Cuando Krennic llega al castillo, vemos a Vader en su momento más vulnerable: Dentro de un tanque de bacta mientras sus extremidades reciben mantenimiento. Esto ya había aparecido en los comics y novelas pero nunca en alguna de las películas. Aunque lo vemos sin su armadura, esta es la película en donde es verdaderamente amenazante. Es dentro de la nave rebelde donde por fin tenemos a Vader en su máxima expresión. La manera de masacrar a los soldados es algo salido de una película de terror. Finalmente entendemos por qué Vader ha provocado tanto temor en la galaxia. Este es el Darth Vader que nos debían.   

 ¿Cosas malas? Si, tiene 2: El soundtrack y los personajes revividos/rejuvenecidos con CG. Alexandre Desplat era el compositor original de Rogue One pero fue sustituído por Michael Giacchino, el cual tuvo tan solo unas semanas para musicalizar la versión definitiva de la película... y vaya que se nota. Los únicos momentos memorables son, tal y como sucedió con The Force Awakens, cuando suenan los temas clásicos. Hasta este momento no hemos tenido un buen sountrack por parte de esta nueva etapa. Por otro lado, revivir a Peter Cushing y rejuvenecer a Carrie Fisher no fueron las ideas más acertadas. Lucen demasiado falsos, el efecto está muy cercano al de The Polar Express o Beowulf. Tal y como me lo comentó un amigo al terminar la película, es bastante incoherente que tomaran esta decisión con estos personajes pero tranquilamente le dieran luz verde a una película de Han Solo el cual será interpretado por un actor que ni siquiera se parece a Harrison Ford.

 Rogue One es la película que The Force Awakens tanto juró ser. Gareth Edwards logra cumplir el sueño de George Lucas, presentando una película de Star Wars a través de una visión diferente en la que se proponen cosas nuevas sin alejarse de lo que hace a este universo algo único. Dudo mucho que la siguiente entrega de la saga pueda superar la historia de Jyn y su equipo.

Fantastic Beasts and Where to Find Them: El ejemplo perfecto de cómo expandir tu franquicia y no morir en el intento.

  Vivimos en una época en la cual la nostalgia nos ha invadido por completo. Remakes, reboots, secuelas y precuelas llenan las salas. Personajes de los cuales ya nos habíamos despedido vuelven para contarnos más historias. A ellos se les sumó Harry Potter y su universo. J.K. Rowling rompió su promesa y decidió darnos más material: Una obra de teatro y una nueva saga cinematográfica. ¿El Universo Mágico de Harry Potter ha vuelto o solo se trata de otro terrible caso de Member Berries? Empecemos con los spoilers.

 Cuando se anunció que Disney compraría Star Wars para hacer nuevos episodios, uno de los primeros pensamientos que pasaron por mi mente fue que Rowling tomaría esta noticia como una oportunidad para hacer más historias de Potter. Por años ha utilizado el sitio Pottermore como una válvula de escape referente al mundo mágico, pero esto no fue suficiente. Rowling anunció una nueva serie de películas basadas en un pequeño libro llamado Animales Fantásticos y Dónde Encontrarlos. ¿Qué historia podría salir de una fuente tan pequeña? Lo primero que imaginé fue una película igual de aburrida que algún episodio del fallecido Cazador de Cocodrilos o alguna de las pésimas películas huecas de The Hobbit. Se anunció que Rowling sería la encargada de escribir el guión y que además la historia se ubicaría durante los disturbios ocasionados por Grindelwald. Esto le daba cierta esperanza al proyecto. David Yates tomaría de nueva cuenta la dirección con 4 películas de Harry Potter en su carrera. Afortunadamente este combo logró triunfar de un modo que no creía posible.

 Lo primero que pensé al salir del cine fue en lo soprendente que era ver cómo la misma persona logró darnos una excelente película y una vomitada de obra de teatro. Harry Potter and the Cursed Child posee todos los pecados que Fantastic Beasts logra evitar. Con Cursed Child decidieron ser políticamente correctos y darle gusto a muchos de la manera más barata. Se vuelven a vivir los eventos que fueron parte de los 7 libros a través de viajes en el tiempo, realizando un auténtico desastre digno de cualquier autor de fanfics. Lo peor es su plot twist que parecería sacado de telenovela mexicana, talk show o fanfic: El villano tiene una hija ilegítima. "Si, o sea, no es perfecta pero ver a Harry/Hogwarts/Cedric de nuevo fue super wow, ya con eso me ganaron.", dirán los fans que cayeron en esta trampa. Cursed Child está plagado de esas referencias que South Park define como Member Berries: "¿Te acuerdas de Hogwarts? ¿Te acuerdas de la Copa de los Tres Magos? ¡Oh si, lo recuerdo! ¿Te acuerdas de Snape?" Un truco bastante bajo que tristemente logró su objetivo.

 Fantastic Beasts está hecha para aquellos que realmente son fans. Las personas que leyeron las novelas y que vieron las películas sabiendo apreciar cada uno de sus elementos. La película inicia con el tema de Harry Potter y un montaje de periódicos explicándonos qué ha sucedido en los años donde se ubica la historia. Esto se hace con la mera intención volvernos a adentrar en el Universo Mágico y no como un recurso barato. La película prácticamente te dice al inicio: "¿Eres fan de Potter? Bien, empecemos. No te voy a explicar nada más allá de lo que Newt necesite saber. Ya te sabes los encantamientos, términos y reglas."

 Una de las enormes ventajas que tienen Yates y Rowling es que, hasta este momento, solo conocíamos una parte muy limitada del Universo Mágico. Conocíamos Hogwarts, el Ministerio y algunos poblados. Nunca habíamos visto a detalle cómo se llevan a cabo gran parte de las actividades de la sociedad mágica. A esto le sumamos que no se trata de los años en los que trancurre la historia de Harry. Gracias a esto la película logra sentirse fresca, nueva, a pesar de estar ubicada en un universo conocido, cosa que no ocurrió con The Hobbit o The Force Awakens. Vemos cosas que han sido utilizadas de otra manera en las historias anteriores pero sin la necesidad de acentuarlas demasiado o de tener a un personaje explicando todo para la audiencia. Mención especial al modo en el cual utilizan el Pensieve (Pensadero) para engañar a los criminales y ejecutarlos. Sin duda es un método que hace que la ejecución a través de Dementores parezca algo mucho más humano.

 David Yates conoce este universo casi tan bien como Rowling y se nota. De haber sido un director nuevo no habría sabido cómo adaptar las cosas de un modo tan orgánico.  Las referencias fluyen de un modo bastante natural. No hay ningún momento en el cual esto detenga la historia o nos distraiga. Las menciones a Hogwarts, Dumbledore o el uso de los hechizos más famosos aparecen con total normalidad. La toma dándole mayor atención al dije de los Deathly Hallows que Percival Graves le da a Credence es de esas cosas que funcionan en varios niveles sin que nos perdamos. No existe un solo elemento que aparezca como mero recurso nostálgico para conectar con la audiencia. La historia no los requiere. Es una película en la cual quedan algunas cosas por ser respondidas, pero no es un trailer de 2 horas preparando las siguientes 4 películas. Nos resuelven todo lo necesario para así querer acompañar a Newt en sus amigos en las siguientes entregas, no dejan todas las incógnitas al aire esperando que se nos olviden con tomas gratuitas de El Halcón Milenario. 

 Los personajes están bien armados. Si, a muchos el personaje de Jacob les recordará a Ron, pero siento que esto podría parecerse más a lo que se hizo con Legend of Korra. Los personajes presentarán algunas características de los anteriores pero sin perder su identidad. Hay algo que debo aceptar y que quizá a muchos no les haya agradado: Newt Scamander es prácticamente el Doctor. Eddie Redmayne interpreta a un tipo agradable el cual usa corbata de moño, abrigo y bufanda, con un artefacto el cual es más grande en su interior, viajando y haciéndose de un grupo de acompañantes para resolver conflictos. Eddie ha declarado que le gustaría interpretar al personaje y David Yates quiso llevar a Doctor Who a la pantalla grande. Steven Moffat impidió que esto ocurriera y creo que Fantastic Beasts fue el vehículo de Yates para quitarse esa espina. ¿Tiene esto algo de malo? Para nada, pero la influencia que el personaje presenta es bastante obvia.

 Creo que el único pecado actual que Fantastic Beasts presenta es la revelación temprana de Johnny Depp como Grindelwald. Lograron tener oculto este dato durante meses. Hubiese sido una enorme sorpresa verlo al final de la película. Muchos en la función a la que asistí reaccionaron con sorpresa, pero los que hemos estado al pendiente en internet sabíamos que aparecería. La noticia no fue muy bien recibida por los fans e incluso el productor David Heyman y Rowling han salido a defenderlo. Yo solo sé que fue un gusto verlo a él y a Colin Farrell de nueva cuenta interpretar el mismo papel. Esto ya había sucedido en The Imaginarium of Doctor Parnassus.

 Fantastic Beasts and Where to Find Them es el ejemplo perfecto de cómo realizar una precuela/spin-off de una saga conocida respetando a tu audiencia. Suena exagerado pasar de 3 a 5 películas, pero si Rowling y Yates mantienen este nivel de calidad, estaríamos ante una nueva saga digna de estar al lado de su predecesor.

Doctor Strange: El camino de aprendizaje de Marvel.

   Una de las mayores fortalezas detrás del Marvel Cinematic Universe es que la audiencia general no estaba familiarizada con sus integrantes. Tenían cierta idea de quién era el Captain America o Thor pero no una imagen definida. Es por eso que todos los cambios realizados a estos personajes no provocaron reacciones negativas. Suicide Squad fue un éxito ya que poseía esta misma ventaja. Todos tienen una versión de Superman o Batman en sus mentes, pero somos pocos los que sabíamos quién era Captain Boomerang o Deadshot. La audiencia desconoce cómo es realmente la relación entre Harley y el Joker. Es gracias a este detalle que Doctor Strange corría con la misma suerte. ¿Doctor Strange logra sobresalir o se queda en la fórmula de Marvel? Empecemos con los spoilers.

 Este año llegaron al MCU dos personajes que fueron inicialmente creados para cubrir un público en especifico durante los 60's y 70's: Doctor Strange y Luke Cage. Strange fue creado por Steve Ditko y Stan Lee con la idea de darle variedad a sus publicaciones y cubrir el reciente interés de la juventud por la psicodelia y los temas esotéricos. Luke Cage fue creado John Romita Sr. y Archie Goodwin para aprovechar el género cinematográfico conocido como Blaxploitation. Ambas etapas llegaron a su fin y los personajes tuvieron que irse adaptando a los nuevos tiempos. Luke Cage salió triunfante en este reto, tocando temas actuales sin dejar de hacer homenaje a sus raíces. Doctor Strange tenía un reto muy similar y los superó a su manera.

 Lo primero que llegué a leer acerca de Doctor Strange es que se trataba de una calca vil de la primera entrega de Iron Man. Difiero con esta opinión. Si, Strange inicia en un mundo completamente materialista y además presenta un gran ego, pero su camino es muy diferente al de Stark. Marvel ha aprendido algunas lecciones. Aquí vemos que Strange no termina de crecer al final de la película. No tenemos un cambio forzado y repentino como sucedió con Thor. La película no se convierte en un trailer anunciando las siguientes aventuras de los Avengers. El inicio es demasiado apresurado, no hubiera hecho daño ver un poco más de la mentalidad de Strange previo a su accidente, pero su camino a ser Hechicero Supremo es bastante interesante. Su entrenamiento toma meses y lo vemos bastante capaz pero no invencible. El villano termina siendo unidimensional como en el 90% de las películas de Marvel, pero comprendemos cómo es que Mordo decide convertirse en su futuro enemigo. Al final pelea contra Dormammu, un ser que habita fuera del tiempo y del espacio para finalmente convertirse en uno de los protectores de la Tierra. Pienso que Doctor Strange no es una copia de Iron Man, se acerca más a una versión bien hecha de Green Lantern. 

 

  Uno de los puntos que me resultaron muy interesantes y que demuestran cómo Scott Derrickson y C. Robert Cargill entendieron cómo adaptar a la actualidad un personaje místico y psicodélico. La filosofía que presentan en Doctor Strange logra alejarse del clásico cliché. No es una batalla del bien contra el mal. Las cosas no son blanco y negro. Todo se presenta de un modo el cual puede adaptarse a las creencias de cada persona. El aspecto místico no se pelea con el terrenal. Strange inicialmente se burla de los conocimientos que le presenta la Ancient One, catalogándolas como "cosas que venden en una tienda de regalos." Ella le demuestra que hay cosas más allá de lo que percibimos con normalidad, pero sin restarle su respectiva importancia. Kamar-Taj tiene WiFi, Wong tiene un reproductor de música, los conocimientos médicos de Doctor Strange siguen siendo necesarios. No existe alguna cura milagrosa pero si un modo de seguir adelante. No hay que ser extremos. El ser humano necesita desarrollar cuerpo, mente y espíritu para poder superar los obstáculos. La Ancient One le da a Strange y a Mordo una gran lección al no ser perfecta como tanto pensaban ellos. Sabe de la existencia de diferentes dimensiones y planos existenciales, pero aún tiene apego por esta dimensión. Ella rompe las reglas para así lograr un bien mayor. Strange se ve obligado a hacer lo mismo con resultados positivos. Una persona no puede ser siempre rígida, debe aprender a ser flexible para poder avanzar y crecer. Es por eso que el enojo de Mordo se entiende, haciendo con esto que no se vea como el típico villano. Así es como Sinestro debió haber sido planteado en Green Lantern.

 El principal aspecto por el que Doctor Strange se caracteriza es por sus efectos visuales. Matrix conoció a Inception tuvieron un hijo y este es el resultado. No se contienen por ningún momento, abrazaron la psicodelía de los comics y la adaptaron perfectamente a la pantalla grande. Incluso escuchamos un tema de Pink Floyd para complementar un soundtrack bien logrado por Michael Giacchino. Hay secuencias que resultan innovadoras y otras que logran adaptar esa sensación de estar leyendo un comic. Ver a Strange peleando en diferentes dimensiones o dándole instrucciones a Christine en un plano existencial diferente son cosas que hace unos años hubiesen sido rechazadas por los estudios cinematográficos. Otra gran lección que se ha aprendido con el paso de los años y que rinde frutos aquí. Mención especial que los trailers no nos jodieron todas las sorpresas en este aspecto.

 Para terminar hablaré de la mayor lección aprendida por parte de Marvel: Ya no estamos ante un anuncio de 2 horas. De hecho en ese aspecto su estructura se asemeja a lo que tenemos en Daredevil, Jessica Jones y Luke Cage. La historia transcurre dentro del mismo universo, pero esto no significa una limitante, como ha ocurrido con Agents of SHIELD. Vemos la Torre de Avengers, se menciona la existencia de este equipo y Wong revela que el Ojo de Agamotto es una Infinity Stone. Es hasta la escena mid-credits que tenemos una conexión con una de las siguientes películas, con Thor pidiendo la ayuda de Strange. Hay fotografías de Thor, Loki y Odin en las calles de Nueva York, con Thor sosteniendo la dirección del Sanctum Sanctorum. No me molestaría nada ver a Strange en el inicio de Thor: Ragnarok. El único problema es que el situar esta película en el 2016 hace que la mención de Strange en Captain America: Winter Soldier quede fuera de lugar. Para ese momento Strange era solo un cirujano.

 Doctor Strange es un espectáculo visual que nos presenta a uno de los personajes más interesantes de Marvel. Al parecer Kevin Feige le hizo caso a los hermanos Russo y, si esta es la constante, la Fase 3 promete mucho.

Sing Street: La manera correcta de rendirle tributo a los 80.

  Este blog normalmente presenta reseñas de series y películas relacionadas con la llamada Cultura Geek. A pesar de eso, llego a ver películas y series de diferentes géneros. Una de ellas es Sing Street, película ubicada en los años 80. En los últimos años Hollywood ha visto un gran negocio al colgarse de la nostalgia del público. Esto se ha puesto tan de moda que incluso producciones diseñadas exclusivamente para vender recuerdos han tenido un éxito que quizá no se merecen. Es por eso que me acerqué con cautela a Sing Street. ¿El resultado? Empecemos con los spoilers.

 Creo que lo primero que debo decir acerca de Sing Street es que es un película que verdaderamente le hace justicia a la decada de los 80. La historia se ubica en esos años de manera natural, no como en el caso de Stranger Things, donde se tomaron cosas reconocibles de la decada para intentar contar una historia bastante mediocre y hueca. Es necesario para esta historia esa experiencia maravillosa que era descubrir canciones en los acetatos de los hermanos mayores, esperar horas para ver un videoclip en la televisión, influenciarse por el look de los músicos y hacer grabaciones caseras en cassettes. Estas son algunas de las cosas que presentan la película y cuyo extra es ese sabor nostálgico. Es por eso que Stranger Things me molesta tanto, los creadores de semejante aborto creen que hacer referencias forzadas equivale a rendir homenaje a los 80. "Miren, ¿se acuerdan de los 80? ¡Esta toma es identica a la que sale en E.T.! ¡Los niños salen jugando rol como en E.T.! ¿Se acuerdan? La figura paterna está ausente como en las películas ochenteras de Spielberg porque, ¿si se acuerdan de los 80? Igual y no pero podrán mamasearse con sus cuates de que la serie les gustó por eso.", esto es lo que escuché a gritos al ver Stranger Things.

 Otro punto a favor de Sing Street es que presenta a una de las versiones más realistas de cómo son los adolescentes. Los tiempos cambian, sin duda, pero muchas cosas mantienen su esencia. No es necesario haber nacido o crecido en los 80 para sentirse identificado con los personajes. Vemos en ellos actitudes clásicas de la juventud como el copiar opiniones de los hermanos mayores para sonar inteligentes (Conor acerca de las bandas), hablar como si tuvieran mucha experiencia en la vida (Conor con el cigarro y las relaciones, Raphina con el modelaje o Darren jurando que es todo un entrepeneur), vestirse imitando a sus ídolos y en especial ver sus primeras relaciones amorosas como cosas exageradamente importantes. Todo con la finalidad de querer impactar a los demás, resaltar, sentirse único y diferente. Conor inicia su banda con tal de impresionar a Raphina, pero es gracias a su hermano que empiezan a explorar su propia creatividad. Si, fuertemente influenciados por las bandas de moda, pero logrando distinguirse del resto de sus compañeros. Logran crear algo propio y siento que es lo mismo que ocurre con la película. La historia podrá ser predecible, pero la cuentan de tal modo que logra sobresalir del resto de historias de adolescentes.

 Es aquí donde llegamos a una de las cosas más interesantes de la película: su música. Las canciones. El director John Carney nos presenta una excelente selección de piezas para ambientarnos en los 80. Lo mejor es escuchar las excelentes piezas compuestas para Sing Street, donde en cada una encontramos más de una influencia de la decada. Las letras suenan como algo que un joven de 15 años habría escrito y ese es parte del encanto. La joya principal es Drive It Like You Stole It, una canción que engloba todo lo que hace de esta película un verdadero triunfo. Durante la canción podemos ver esa parte de fantasía que todos llegamos a tener durante la juventud. Conor decide no solo imaginarse el video como él quería, también imagina cómo sería su mundo ideal: Raphina llega al Prom para estar con él, sus padres están juntos, el Hermano Baxter lo apoya, su hermano está fuera de casa y el novio de Raphina se aleja de ella. Todo es tal y como él desearía que fuera. 

 Sing Street es una película que fue hecha con el corazón. En estos tiempos donde la mayoría de las cosas que llegan a la pantalla grande son meros productos para ganar millones o premios, Sing Street es una película que simplemente busca contar una historia con al cual es inevitable sentir nostalgia.

Star Trek Beyond: Cuando regresar a las raíces no siempre es bueno.

  Mucho se habló acerca de la versión de Star Trek que nos presentó JJ Abrams en el 2009. Estábamos ante una versión mucho más dinámica, alejada de la serie que lo inició todo. La audiencia general finalmente adoptó a la tripulación del Enterprise. Abrams hizo Into Darkness y con ella inició su tendencia de hacer reboots-que-no-son-reboots. Los cambios no fueron aplaudidos, tampoco las cosas que permanecieron igual. Abrams dejó Trek para iniciar la nueva etapa de Star Wars. Simon Pegg y Justin Lin se encargaron de seguir la historia. Se prometía que Star Trek Beyond sería más cercana a lo que los fans tanto deseaban. ¿El resultado fue el deseado? Empecemos con los spoilers.

 Simon Pegg decidió escribir el guión para la tercera entrega de esta historia. Pegg es conocido por siempre mantenerse old school y desaprobar cualquier tipo de cambio a las cosas que tanto adora. Es por eso que siempre comentaba que Beyond se acercaría más a lo que los fans de Trek están acostumbrados a ver. Lejos de los lens flares, golpes y explosiones que tanto le criticaron a Abrams. La promesa era que el Enterprise volvería a lo básico, a tiempo para su 50 Aniversario. Creo que este guión solo le sirvió a Pegg para aprovechar y meter a Scotty más de lo que debía.

 La película posee la estructura de un episodio. Incluso Kirk lo menciona, diciendo que los 2 años que llevan de misión se han sentido "episódicos". La historia es simple. Los conflictos a los que se enfrentan los personajes también. El villano no aporta absolutamente nada. Estamos ante un episodio bastante regular de la serie con la característica de que dura 2 horas. Fuera del fallecimiento de Spock Prime, no sucede nada verdaderamente importante. Lo peor es ver que, detrás de toda la pose de querer ser diferente, Beyond nos presenta refritos de lo que vimos en las películas anteriores. De nueva cuenta el Enterprise acaba destruído, Kirk duda y piensa en renunciar, Kirk y Spock tienen problemas (aunque aquí ni siquiera pasan mucho tiempo juntos), tenemos un villano físicamente modificado el cual oculta su identidad por largo tiempo, que está relacionado a Starfleet y que al final uno de los protagonistas lo persigue en una secuencia llena de saltos y golpes.

 

 En cuanto a la producción, todo luce mucho más barato que antes. Los uniformes parecen de cosplay, más cercanos a los originales pero esto les da una apariencia barata. Los sets son una auténtica grosería, en especial todo lo que vemos en Altamid. Manejan niveles los cuales se aceptan si esto se tratara de una película para la TV. Entiendo que el USS Franklin tenga que lucir muy retro, pero aquí parecería un display de alguna convención. Supongo que la partida de Abrams afectó mucho las inversiones.

 ¿Cosas positivas? 2. La primera es que los actores ya se sienten completamente cómodos con sus personajes. Zachary Quinto ya es Spock al 100%, esto quizás se deba a la manera en la que Pegg lo escribió, pero el personaje finalmente posee todas sus características. Chris Pine encontró el equilibrio entre su versión y la de William Shatner, diciendo algunas frases con su particular estilo sin sonar a parodia. Lo otro es el momento en el que utilizan Sabotage de los Beastie Boys para su ataque final. Escuchar ese clásico en el cine es una experiencia única y le va muy bien a la escena. Lástima que esto lo queman en los spots. 

 

 Star Trek Beyond es una película que pudo haber encontrado el equilibrio entre las diferentes historias que ha habido alrededor del Entrerprise y sus tripulantes pero desgraciadamente entregó un resultado bastante regular. Aún quedan historias por contar y espero que en ellas se le haga verdadera justicia a estos personajes. Este es un claro ejemplo de cuando el tener fans involucrados en el proyecto no te garantiza un buen resultado.

Ghostbusters (2016): Cuando detrás de la polémica se esconde una película mediocre.

 A estas alturas sabemos que es casi seguro que este remake ha perdido la batalla. Meses de polémica en internet y shows nocturnos culminaron con una taquilla bastante mala y ataques hirientes a miembros del elenco. Hablar de la nueva versión de Ghostbusters es ponerse a merced de los ataques de 2 extremos intolerantes. Sin embargo, mi amor por la cinta original y la apertura que tantas veces defiendo me hicieron ver esta versión. A continuación seré lo más objetivo posible y, a pesar de que seguro habrá alguien que se ofenda, plantearé los elementos negativos de este remake. Empecemos con los spoilers. 

 Durante años se estuvo jugando con la idea de hacer una tercera parte de Ghostbusters. Su pésima segunda parte (la cual hasta hace poco finalmente perdió su defensa basada en mera nostalgia) se encargó de que Bill Murray no quisiera formar parte de las posibles entregas. Dan Aykroyd y Harold Ramis siempre mantuvieron encendida la esperanza de los fans, hablando de reuniones las cuales quizá nunca ocurrieron. Lo más cercano que tuvimos fue un videojuego. Muchos lo consideran como la tercera película, pero en realidad no es más que una especie de "Greatest Hits", con cosas que vimos en las 2 películas anteriores. Harold Ramis abandonó este plano existencial y con ello toda esperanza de ver al equipo reunido. 

 Desafortunadamente Sony y Paul Feig tenían otros planes en mente... y Bill Murray nos pintaría dedo a todos sus fans. En un mundo donde todo debe ser políticamente correcto y donde todos los clásicos deben hacerse de nuevo, se anunció un remake de Ghostbusters donde el equipo sería formado con mujeres. Si, hubo quien de inmediato se quejó porque no querían ver mujeres cazando fantasmas, pero ese NO era el problema con la mayoría de los fans. Feig es conocido por hacer comedias que tienen una audiencia muy específica, manejando un humor bastante peculiar. Dan Aykroyd estuvo relacionado con el estudio de los fenómenos paranormales desde su infancia. Estos conocimientos hicieron de la primera entrega algo lleno de información acerca del tema. Datos que pueden confirmar expertos que lo estudian con seriedad. Paul Feig no cree en esos fenómenos, entonces los adaptó a una manera científica. A esto le sumamos que abiertamente piensa que los hombres no son graciosos y es por eso que sus proyectos siempre tienen mujeres como sus protagonistas. ¿El resultado final? Una película que no entiende su inspiración original y que además falla miserablemente en el punto que desea presentar y defender.

 

 Las mujeres y hombres que han defendido el proyecto desde el inicio se hacen llamar "feministas". Perdonen, su postura y esta película están muy lejos de ser feministas. Al contrario, se les creó un nombre bastante específico el cual no utilizaré aquí, pero saben muy bien cuál es. El Feminismo es buscar igualdad de género, que las mujeres tengan los mismos derechos que los hombres y además romper con estereotipos. Que haya igualdad. En esta versión de Ghostbusters no veo NADA de esto, solo me presentan el otro extremo de lo que tanto desean atacar. Desde el inicio tenemos chistes acerca de pedos vaginales (robado del episodio de South Park titulado Eat, Pray, Queef, donde se maneja mucho mejor el punto que quieren presentar aquí), cómo es que todos los hombres son idiotas y además las tratan mal, que todas las cosas malas que les pasan son por culpa de ellos y que no tiene nada de malo contratar a uno de ellos como mero atractivo visual a pesar de ser pésimo en su trabajo en lugar de buscar a alguien capaz sin importar su apariencia. Es irónico que, siendo una película que ha navegado con bandera de independencia y "girl power", las protagonistas se encarguen de victimizarse todo el tiempo. 

 A esto debemos sumarle que Feig y las protagonistas se encargaron de pelearse con su audiencia desde antes de que la película fuese estrenada. Si, hubo comentarios bastante ofensivos en You Tube, pero eso no significaba que todas las personas pensaran de ese modo. Esa postura de "¿No te gustó el trailer? Entonces eres un imbécil." que las actrices adoptaron y mostraron en diferentes presentaciones disminuyó considerablemente sus oportunidades de callarles la boca y salir triunfantes. Incluso en la película hacen referencia a estos ataques. Su respuesta ante una reacción "normal" en estos tiempos fue la peor. Esto terminó en los terribles ataques que recibió Leslie Jones en Twitter, con comentarios racistas extremadamente hirientes. Un acto absolutamente reprobable pero el cual, tristemente, era en lo que iba a concluir todo este asunto. Feig y compañía atrajeron a este tipo de personas y a ellas les debemos que las críticas en Rotten Tomatoes fuesen positivas. Miles de críticos sucumbieron al miedo de ser amenazados por los/las fans, pero la realidad es lo que se vio en taquilla. Todo acabó siendo un caos el cual pudo haber sido evitado si Sony hubiese sabido manejar las cosas de otro modo. Ellos se convirtieron en lo que tanto odiaban. 

 ¿Qué nos molesto a los fans? Que el proyecto cayera en las manos equivocadas. No está mal que hubiese mujeres en el equipo, sino lo forzada que fue la decisión. "Es que hay que darle más apertura al medio, debe haber mayor diversidad." Si, entiendo perfectamente esto, siempre y cuando esté justificado y no sea solo por ser políticamente correcto. A estas personas yo siempre les pregunto: En ese caso, ¿para cuándo veremos el remake de la saga de Alien con un hombre en lugar de Ripley? ¿Por qué no hacen una versión de Kill Bill con un hombre en lugar de la Novia? ¿Y Hunger Games pero con un hombre interpretando a Katniss? Si diversificar es cambiar a los protagonistas de sexo y raza, se debe hacer con ambas partes. Hay cosas que están bien en la manera en la que fueron concebidas y no hay necesidad de cambiarlas solo porque sí. Al igual que a ustedes, a nosotros nos gusta ver historias en las cuales las mujeres son las protagonistas. Nos gusta ver a Rey, Peggy Carter, Liv Moore, Jessica Jones o Veronica Mars triunfar y patear traseros. NO tenemos problema alguno en tener mujeres en la Familia Ghostbusters, ellas SIEMPRE han estado en ella. Tenemos problemas con que la franquicia sea mal manejada.

 Hablemos de la película en sí. Si, apenas entraremos en el tema principal y lo peor es que no hay mucho qué decir. ¿Ven cómo toda la polémica simplemente le afectó a lo verdaderamente importante? La película intenta ser una nueva versión de la historia original. 2 amigas deciden empezar a investigar los fenómenos paranormales de un modo serio. Forman un equipo junto con 2 mujeres más, cada una experta en algo que complementa el equipo. Feig nunca se termina de decidir entre contar algo nuevo o hacer un refrito. Las protagonistas nunca ofrecen algo que las haga verdaderamente especiales. Muchos aplaudían la actuación de Kate McKinnon pero simplemente se limita a intentar ser "rarita". Lo peor es que el personaje de Leslie Jones es un estereotipo, pero como se trata de Feig y su ejército, entonces se les perdona.

Rowan, el villano, es un tipo el cual nunca justifica sus actos. Los fantasmas no aparecen de modo natural, son generados por las máquinas de Rowan. Esto hace que ese final con la posible aparición de Zuul sencillamente no funcione. Las creencias personales de Feig afectan la historia de tal modo que las posibles secuelas fuesen algo bastante complicado. En la original teníamos a Zuul, Gozer y Peck. Aunque Gozer solamente aparece unos minutos al final, sus actos se hacen presentes durante toda la película. Peck es alguien que actúa a partir de lo que él considera negativo. Si, está contra nuestros héroes, pero sus acciones están totalmente justificadas. Aquí solo es un tipo enojado el cual quiere hacer cosas malas.

 ¿Me gustó algo de la película? Si, 2 cosas: Los gadgets que fabricaron y la versión orquestal del tema clásico. En un universo ideal en el cual hubiesen hecho Ghostbusters International, ver todo ese equipo hubiese sido un deleite. 

 

 Ghostbusters (2016) es una película mediocre la cual recibió más atención de la que merecía por la polémica. Esperemos que, cuando alguien más decida tocar este universo, tenga algo que aportar y no aleje a su audiencia potencial con prepotencia.

Suicide Squad: Cuando DC contraataca (a pesar de las críticas sin fundamento).

  Estoy en un punto medio donde tengo que lidiar con los fanboys extremistas de Marvel y DC. Durante las últimas semanas he tenido que soportar ataques por parte de ambos bandos, a pesar de que siempre he presentado mi opinión honesta acerca del MCU y el DCEU. Suicide Squad es un proyecto que me ha generado curiosidad desde que fue anunciado. La publicidad que han manejado se aleja mucho del tono sombrío que utilizaron para Batman v Superman. Después de los polémicos resultados, Warner entró en pánico e inició una serie de acciones para poder recuperar terreno. Se proyectaron diferentes cortes de la película y, de acuerdo con el director David Ayer, alcanzaron un balance entre su visión y lo que Warner deseaba. Las reseñas llegaron a la infame Rotten Tomatoes y de inmediato los fanboys aplaudieron y/o gritaron. "Si Rotten Tomatoes dice que es mala, entonces lo es. No la veré para generarme mi propia opinión, lo que diga RT es la ley." "Todo esto es parte de una conspiración de Disney para desacreditar a DC." Estas fueron algunas de las cosas que tuve que escuchar. De un modo u otro, yo vería Suicide Squad y sería completamente sincero al momento de plasmar mi opinión en este blog. No dejaría que la presión del medio afectara mi juicio. ¿Suicide Squad es el desastre que tanto juran los cretinos de Rotten Tomatoes? Empecemos con los spoilers.

 Con todo lo que se ha hablado con respecto a los cambios por parte de Warner, los diferentes cortes de la película, la necesidad de meterle más humor con el riesgo de darle un tono irregular y demás escándalos, ya no sabía qué podía esperar de la película. Quizás esto fue algo bueno. La película empezó y de inmediato me sumergió en el universo que iniciaron con Man of Steel. Los eventos de Batman v Superman dan origen a esta película. Ver a Amanda Waller caminar al lado de un vendedor con playeras de Superman es una adaptación mucho mejor de El Mundo sin Superman que todo el epílogo de BvS. Eso me vende mucho más la idea de que Metrópolis extraña a su héroe. Nos presentan a los miembros del Escuadrón de un modo bastante peculiar, con toda la vibra de haber dado vuelta a la página para ver al personaje en todo su esplendor junto con sus datos. Desde el inicio tiene una energía diferente a BvS pero esto no significa que desentone con el universo que habitan. Esto es lo mismo que sucede con los comics e incluso las Series de TV de DC. Vemos caras conocidas que logran adaptarse sin perder su esencia y que cumplen su cometido en la historia. Ver a Flash, Batman/Bruce Wayne y el Joker no nos distrae de la trama principal. Todos aparecen de una manera natural, fluyen con la historia.

 Nunca sentí esos "saltos bruscos" entre las diferentes versiones de la película. El humor es constante. Quizá los únicos 2 momentos que se sienten raros son cortesía de Harley. Ambos son parte de los trailers y spots: Cuando rompe el aparador y cuando sube en el elevador. Si, se siente que muchas cosas fueron editadas pero sorpresivamente no afectan al producto final. Cada personaje tiene su momento de brillar, pero es obvio que el mayor peso está en Deadshot y Harley Quinn. 

 Ahora, así como en su momento comenté acerca de las similitudes entre Civil War y Batman v Superman, ahora le toca a Guardians of the Galaxy y Suicide Squad. Es aquí donde los críticos no tienen un gramo de madre. Entre el montón de quejas por parte de los ilustres personajes de Rotten Tomatoes está que "no conocemos tanto la historia detrás de cada personaje", que "el uso de canciones populares era excesivo" y que "el villano es hueco y no presenta amenaza alguna", por mencionar algunas. ¿En serio vieron la misma película que yo? En Guardians la historia de cada personaje se limita a la descripción que da el guardia al capturarlos y a un par de menciones más adelante. En Guardians se utiliza música que incluso ya se relacionaba mucho más con otras películas. De hecho la cantidad de canciones y el modo en el que son utilizadas en Suicide Squad me recordó a Almost Famous, donde logran crearnos diferentes atmósferas sin saturarnos. Si, Enchantress no pasa de ser una cara bonita pero hay que ser honestos: El 90% de los villanos de Marvel carecen de impacto. Fuera de Loki, Winter Soldier (y en cierto grado Zemo), los villanos de Marvel solo están ahí para que los héroes tengan alguien con quién pelear. En ambos casos la historia se enfoca en los héroes (o antihéroes) y no en el villano. Me resulta altamente hipócrita que alguien odie Suicide Squad pero que ame Guardians of the Galaxy.

 Entre las cosas que hay que aplaudirle a Ayer es el método que utilizó para dirigir al equipo. A pesar de que varios de los actores no aceptaron muy bien este método, el resultado de tener ensayos/sesiones de terapia junto con el resto de sus compañeros provocó en ellos una unión muy especial. Esta unión la hemos visto en las entrevistas que han dado durante la promoción de la película. Es todo un deleite ver que esa química se plasmó en la pantalla grande. Todos se ven cómodos y en verdad les crees que sean un equipo. Es gracias a esto que momentos como Deadshot disparándole a Harley, Rick pidiéndole ayuda al equipo para salvar a su novia y el sacrificio de Diablo funcionan y no se sienten carentes de sentimiento. Esta es una de las mayores fortalezas de Suicide Squad. 

 

 Uno de los principales obstáculos para Suicide Squad es el mismo que han tenido las cintas anteriores del DCEU. La gente está más familiarizada con sus personajes que con los de Marvel. Aquellos que crecimos con la joya llamada Batman The Animated Series vimos el nacimiento de Harley Quinn, uno de los personajes más interesantes de DC. Un caso complejo con el cual Paul Dini y Bruce Timm decidieron explorar las relaciones co-dependientes en la gran historia titulada Mad Love. Harley es un personaje complejo el cual va más allá de la imagen que desafortunadamente los videojuegos (y en parte la mercadotecnia de Suicide Squad) le han creado. David Ayer y Margot Robbie tenían la difícil tarea de presentarnos una versión digna del personaje. Fue un alivio ver que ambos lograron comprender a Harley, dándonos una versión bastante fiel a la esencia del personaje. Robbie interpeta a una Harley con la dosis de locura e inteligencia requeridos. Sus comentarios y acciones son los que esperamos del personaje, pero también nos deja ver su lado humano. La escena en donde piensa que el Joker ha muerto transmite auténtica tristeza, intentando cambiar su actitud en cuanto ve al resto del equipo, pero dejando ver que en ese momento está al borde del llanto. Cuando están en el bar por un momento deja que Harleen Quinzel tome el mando y encara a Diablo para que supere su trauma. Su interacción con el Joker es bastante fiel al comic, aunque no vemos el lado abusivo de su relación. Pudieron darnos una versión del personaje para darle gusto a la quinceañera promedio que solo la ve como una "tipa loquita" pero no fue el caso, regalándonos incluso un poco de fan service con la breve escena en donde porta su traje original. Siguiendo con la comparativa con Almost Famous, Harley llega a recordarme a Penny Lane.

 Ya entrados en el tema creo que debo hablar acerca de Jared Leto y su versión del Joker. Esto es lo único que me generaba molestia con respecto a Suicide Squad. Su primera imagen dejaba mucho qué desear. Los tatuajes, la expresión... muy alejado de lo que muchos esperábamos. Mamarrachos amantes de Acapulco Shore y pubertos le daban su visto bueno. Obviamente no queríamos una copia de Heath Ledger, pero si algo que fuese fiel al personaje. La gran cantidad de artículos alrededor del proceso de Leto nos prometían una actuación realmente única, donde espantaba al elenco con regalos y quedándose en personaje siempre que estaba en el set. No sé si trataban de convencer a la audiencia o a ellos mismos de que Leto estaba por reinventar al Joker. ¿El resultado final? Algo bueno pero nada verdaderamente impactante. Si, lo vemos durante muy poco tiempo, pero creo que es el suficiente como para comprender de qué va esta versión. Su trabajo es lo suficientemente bueno como para quedarnos con ganas de ver más. Ayer ya confirmó que la versión de cine es su corte definitivo, pero espero que el blu-ray incluya todo lo que Leto grabó.

 Es justo también hacer mención de Will Smith como Deadshot. Gracias a las malas decisiones que ha tomado últimamente (y a los desplantes por parte de su familia), Smith ha perdido mucha audiencia. Nos sorprendió verlo aceptar el papel de Deadshot ya que esto significaba que el reflector no estaría todo el tiempo sobre él. Yo me esperaba verlo completamente enfadado, interactuándo solamente lo necesario con el resto de sus compañeros. Al contrario, Smith supo tragarse su ego y ser parte de un equipo. A esto debemos sumarle que Deadshot es un personaje muy alejado de lo que regularmente interpreta. Smith está fuera de su zona de confort en todos los aspectos. La relación con su hija es creíble, así como la química que tiene con Harley y Rick. 

 Suicide Squad es la película que villanos que hacía falta en el género de superhéroes. Este año, junto con Deadpool, el género tuvo una bocanada de aire fresco. A pesar de la ponzoña generada por Rotten Tomatoes, miles alrededor del mundo decidieron hacerse de su propia opinión y creo que eso es lo más saludable que todos podemos hacer. Vayan al cine, vean Suicide Squad, lo importante es que el veredicto final lo den ustedes y no algún sitio web, incluído éste, mi estimado lector.

Independence Day: Resurgence. Cómo saltar de los 90 a la actualidad y no morir en el intento.

 Hace 20 años se estrenó una película la cual traía de regreso esos grandes espectáculos de destrucción que fueron populares en los 70 y 80. Los trailers nos mostraban cómo sería la llegada de seres extraterrestres a la civilización noventera. Muchas cosas fueron acertadas, otras nos hacían recordar que se trataba de un espectáculo para entretenernos. Una de esas películas diseñadas para maravillarnos, mostrándonos un desastre lejano a lo que podríamos imaginarnos, a lo que supuestamente nunca podría suceder. Años después Nueva York se volvió el escenario de uno de los peores ataques que ha presenciado la raza humana. Por años se trató de evitar este tipo de películas, resurgiendo poco a poco hasta nuestros días. Las principales ciudades de nuevo son destruídas año con año en el celuloide, ya sea por robots gigantes, fenómenos naturales o superhéroes. La enorme diferencia es que ahora dichas películas también lidian con las consecuencias. Después de todo esto, Dean Devlin y Roland Emmerich ven que es el momento perfecto para regresar al universo de ID4. ¿Logró adaptarse al siglo XXI? Hora de los spoilers.

 Lo primero que pensé al terminar de ver la película fue en la frase de James Franco en The Interview: Es lo mismo, pero diferente... pero lo mismo de todos modos. Resurgence sigue la estructura que vimos en productos de nostalgia como Creed y The Force Awakens. Muchas cosas son iguales a la primera película, mientras que las nuevas están diseñadas para adaptarse a la actualidad. Vemos que el planeta sigue recuperándose después del ataque alienigena (el cual aquí es equivalente al 11 de Septiembre), vemos homenajes y monumentos a los héroes caídos, pero en especial vemos cómo, al igual que en el mundo real, la paranoia es extrema y que, desafortunadamente, muchas veces nuestras defensas no son infalibles. Los eventos que vemos al inicio de Resurgence son muy similares a lo que hemos vivido después del 11 de Septiembre. Una nueva raza llega y los humanos inmediatamente la atacan por el simple hecho de ser diferente, de ser extraterrestre. Hay quienes creen que lo correcto sería primero saber quiénes son y cuáles son sus intenciones, pero la mayoría se decide por atacarlos. Sin embargo, una vez que los verdaderos malos regresan, toda la paranoia, defensas y planes de contraataque resultan ser inútiles. Creo que el mensaje que nos da Resurgence es bastante fuerte, quizá al mismo nivel que el de District 9. Las naciones creen que están listas para proteger a los ciudadanos, pero la realidad es muy distinta.

 Bajo la lógica de que estamos ante un mundo unido después del ataque de 1996, tenemos varios elementos que le dan diversidad sin caer en lo políticamente correcto. De hecho muchos elementos les sonarán muy familiares a los fans de Macross (Robotech para algunos otros): La tecnología alienígena generó un avance importante, las armas y vehículos están basadas en ella, se creó un grupo de defensa (UN Spacy en Macross, ESD en Resurgence) con pilotos de todo el mundo y al final se llevará a cabo una misión para ir al espacio y enfrentar la amenaza directamente. Todas las piezas encajan sin sentirse forzado, sin que se vea como la tendencia actual de "no queremos ofender a nadie". Quizá el único punto que no funciona del todo es la pareja del Doctor Okun. Él está de regreso ya que los fans adoran al personaje, pero siento que no tenía mucho sentido el hacerlo homosexual. Si veo a Devlin y Emmerich diciendo: "Pues... ya que va a estar en la película aprovechemos para cubrir otro punto para estar actualizados". Siento que podrían haber representado mejor a la comunidad LGBT teniendo a una pareja de pilotos. La relación de Okun se siente que solo fue para cumplir, estamos con él y cada que aparece su pareja la trama se desvía, incluso se detiene. Esto hubiese ocurrido independientemente de la sexualidad del personaje. No era necesario que tuviera esposo/a.

 

 Esto me lleva al mayor problema con la película: El exceso de personajes. La idea principal de Resurgence es, al igual que en las cintas que mencioné antes, el pasar la estafeta a un nuevo cast. No entiendo por qué decidieron meter al ejecutivo que se la pasa pegado a Umbutu, así como a los niños que siguen al padre de David. Este tipo de personajes hubiesen terminado en el piso de la sala de edición años atrás. No ofrecen absolutamente nada y le quitan tiempo a quienes necesitan ser más desarrollados. Se supone que los nuevos pilotos serán los encargados de llevar en sus hombros la historia, es necesario que los conozcamos a fondo, que conectemos con ellos. Al final de la película solo sabemos que Jake Morrison es huérfano después de la Batalla de 1996, que es el novio de Patricia Withmore y que se peleó en la academia con Dylan Dubrow-Hiller, que Rain Lao es el interés amoroso de Charlie y que éste es amigo de Jake. Tan poco desarrollados están que a momentos se nos olvida su existencia. Nos interesamos más en qué le ocurre a los personajes de la primera entrega. Es por ellos que la película no resulta ser hueca. De haber tenido meros cameos por parte de ellos, Resurgence sería una película estéril, carente de encanto.

 ¿Qué hay de los rostros de antaño? Todos ellos presentan una evolución bastante lógica. David Levinson se convierte en el Director de la ESD, manteniendo constantemente la investigación de la tecnología alienígena. Después de tantos años ha mantenido viva su curiosidad y no se ha dejado llevar por la paranoia de las autoridades. Thomas Whitmore termina con una combinación de estrés postraumático y la conexión psíquica con los extraterrestres, buscando el modo de poder ser escuchado y ayudar a la humanidad. Haciendo eco con la primera película, Whitmore se convierte en el nuevo Russell Casse, un piloto que terminó con la mente destrozada después de haber tenido contacto directo con los extraterrestres y al cual sus familiares y conocidos lo toman como un loco. Julius Levinson decide contar su historia en un libro con la finalidad de inspirar del mismo modo que lo hizo con su hijo. Él vio que pudo recuperar su fe y espera lograrlo con el resto del mundo. Steven Hiller... pues... bueno, ya sabemos que Resurgence es parte de la larga lista de "acertadas" decisiones por parte de Will Smith. Es increíble que decidiera negarse al director que lo convirtió en una estrella de Hollywood. ¿Lo peor? En el primer borrador su personaje hubiese sido el nuevo Presidente de los Estados Unidos, teniendo un gran peso en la historia.

Creo que lo más importante detrás de Resurgence es que Devlin y Emmerich lograron expandir el universo de Independence Day de una manera maravillosa. El mundo que nos presentan es totalmente creíble y lleno de consecuencias. Ver que en África una de las naves aterrizó y que además hubo una guerra entre humanos y alienigenas sobrevivientes, que aquellos que entraron en contacto con los seres formaron una conexión psíquica con ellos, el avance gracias a la tecnología extraterrestre... sin duda hay material el cual espero sea explotado para comics, libros o incluso una serie de TV. Resurgence logra que este universo de el salto de Película de Desastre a película de Sci-Fi con mucho qué contar.

Independence Day: Resurgence es una buena secuela la cual logra expandir su mitología para ofrecer más historias. Emmerich y Devlin logran aplicar lo aprendido a lo largo de los años y se adaptan al mundo y a la audiencia actual. Los fans de la primera película tendrán guiños y elementos nuevos qué apreciar.