Spider-Man: Into the Spider-Verse. La mejor película del arácnido.

  Justo cuando creíamos que el año ya había terminado y no habría más sorpresas en el cine. A pesar de haber cedido parte de los derechos a Disney, Sony se niega a soltar por completo a Spider-Man. Es curioso que, apenas aceptaron su derrota y jugaron sus últimas 2 cartas, estas fueron las que les otorgaron un éxito que ni ellos mismos esperaban. Venom arrasó en taquilla a pesar de no presentar elementos esenciales del personaje y con Into the Spider-Verse teníamos un protagonista que la audiencia común desconoce. ¿Qué es lo que supieron hacer para triunfar en un escenario tan complicado? Empecemos con los spoilers. 

 Miles Morales es un personaje que curiosamente existía antes de esta asquerosa tendencia políticamente correcta ha destruido franquicias como Star Wars o Doctor Who. La diferencia que posee Miles con los personajes recientemente inventados/modificados para darle gusto a los Social Justice Warriors/NPCs es que su mestizaje es solo una parte del personaje, no es lo que lo define.  Durante la película lo vemos hablar inglés y español de una manera completamente natural. Esto nunca es presentado de manera exagerada, mucho menos buscando politizar el momento para darle un golpe al "malvado hombre naranja." Miles es un personaje con el que podemos tener cierta identificación, mostrando la verdadera importancia detrás de los superhéroes, mostrando que no importa si coincidimos en la misma nacionalidad o color de piel que ellos. Al igual que en el comic, Miles va conociendo sus propias habilidades y debilidades lo cual le llevará a encontrar su propia manera de honrar a Spider-Man.

 Es aquí donde entran las diferentes versiones de Spider-Man. Cada una es completamente distinta en apariencia, pero comparten los mismos principios. El Spider-Man del universo de Miles representa la imagen ideal que tenemos del personaje (y de los superhéroes en general) cuando somos niños. Siempre salva el día, mantiene su sentido del humor en todo momento y no presenta defecto alguno. Seguramente podría haber ayudado a Miles, pero le hubiese resultado muy difícil ya que estaba ante una versión que encajaba perfectamente con la imagen idealizada que siempre ha tenido de Spider-Man. La aparición de Peter B. Parker es justo lo que Miles necesitaba. Si se hubiese quedado con lo que Mary Jane dice durante la rueda de prensa, el camino de Miles hubiese terminado en frustración. Si, cualquiera puede portar la máscara, pero hay muchas cosas qué hacer antes de llegar a esa meta. Este punto es el que hace que Into the Spider-Verse vaya más allá de película-animada-del-montón-con-mensaje-cliché. 

Cuando recién decide honrar el manto de Spidey, Miles compra un disfraz el cual, obviamente, no le queda. Esto va más allá de un simple chiste. En ese punto tiene las ganas e incluso los poderes necesarios, pero no ha tenido el crecimiento personal de los demás. Peter B. Parker no solo es la versión que Miles necesitaba conocer, también es el Spider-Man original. ¿Cómo puedo confirmar esto? Él proviene de la Tierra-616, hogar del Universo Marvel donde inició todo. El secreto detrás del eterno éxito del personaje es que nos podemos relacionar con él, especialmente durante nuestra juventud. Siempre ha presentado inseguridades, ha tomado malas decisiones y ha cometido errores que siempre lo acompañarán. En Into the Spider-Verse vemos a ese Peter ya adulto, enfrentando nuevos desafíos personales. Para quienes crecimos con él, vemos que aún podemos tenerlo como inspiración. En el caso de Miles, se da cuenta que debe estar dispuesto a encarar lo que atraviese su camino, enfrentar sus miedos para así confiar en sí mismo, de otro modo no podrá ser el siguiente Spider-Man. Esta guía también la ofrecen las otras versiones del personaje, principalmente cuando enfrenta la muerte de su tío, al cual admiraba sin saber que era un supervillano. 

 Quizá la parte que más tengo presente de la Into the Spider-Verse es cuando se anuncia la muerte de Spider-Man. No es la primera vez que nos muestran algo así en una película de superhéroes, pero creo que aquí les quedó perfecto. La reacción de todo Nueva York, la canción que acompaña la secuencia, las palabras de Mary Jane, Miles comprando el disfraz y... ese cameo. Nada podía prepararme para este cameo de Stan Lee. En Ralph Breaks the Internet tuvimos el primer cameo póstumo de Stan, pero no poseía el mismo impacto. Escucharlo despedirse del personaje que le dio tantas satisfacciones y que ha marcado millones de vidas alrededor del mundo es una de las razones por las cuales Into the Spider-Verse será recordada como el máximo tributo a Spider-Man. Siempre lo extrañaremos, pero el trabajo que dejó en este mundo nunca dejará de inspirarnos. 

 Spider-Man: Into the Spider-Verse es la mejor película animada de superhéroes. En un año en el que tuvimos una buena secuela con Incredibles 2 y confirmamos que Teen Titans Go! es un insulto para el buen gusto, Into the Spider-Verse logra darle gusto a los diferentes sectores que integran el fandom del arácnido. Habrá que ver si la segunda película protagonizada por Tom Holland logra acercarse a este futuro clásico.

Aquaman: De ser un chiste a tener una de las mejores películas de comics.

Si, ya sé. ¿Apenas estás haciendo tu reseña de Aquaman? La verdad es que no pensaba hacerla. Ya me había bastado con comentarla entre mis amigos. Pero bueno, creo que vale la pena dar mi opinión al respecto. La situación del DCEU no pintaba nada bien. Justice League fue un fracaso en taquilla (y a la cual se le notan más los cambios cada que la vemos de nuevo), cada 3 días surgía un nuevo rumor acerca de la salida de Ben Affleck y Henry Cavill y se mantenía el duda la calidad de Aquaman y Shazam. Warner sabe que no puede sostenerse solo con Wonder Woman, es por eso que trabajaron al lado de James Wan para llevar la historia de Arthur Curry a la pantalla grande del mejor modo posible. Después de varios tropiezos, llegó el momento de realizar una última apuesta con un superhéroe poco conocido por la audiencia. Empecemos con los spoilers.

 Es bastante evidente que hubo cientos de juntas durante toda la realización de Aquaman. Warner tiene bien identificados todos esos puntos de los cuales se quejaron los fans. Sumado a esto, voltearon a ver a Marvel para comprender mejor cómo es que ellos han mantenido todos estos años de éxito. Esto suena sencillo, pero el haberlo aplicado mal habría resultado en un festival de fanservice con momentos de copia vil. Esto no fue lo que sucedió. Es en Aquaman donde por fin sentimos una armonía entre el director y la compañía. Wan claramente tuvo la libertad necesaria para contar su versión de la historia sin olvidar que esta transcurre en el mismo universo de Man of Steel y Batman v Superman. 

 Los trajes ahora no solo tienen color, sino que además son extremadamente fieles a los originales. Lo más impresionante aquí es que logran lucir bien. Ocean Master y Black Manta pudieron haber quedado como cosplay, pero su versión cinematográfica luce totalmente convincente. Los efectos nos recuerdan a Avatar y The Phantom Menace, pero adquieren identidad propia al mostrarnos el largo labor que hay detrás de todos los diseños de Atlantis. El soundtrack posee inspiración de Vangelis, particularmente de su trabajo en Blade Runner, pero no se siente fuera de lugar o como explotación barata de nostalgia (como ocurrió con Thor Ragnarok). A esto le agregamos 2 elementos esenciales para lograr el éxito que ha alcanzado: Presentar un buen elenco y adoptar el espíritu de las películas de aventuras ochenteras... sin caer en la tendencia Stranger Things-esca de los últimos años.

 Dependiendo del tipo de historia que estén contando, las películas basadas en estos personajes deberán sentirse como películas de comics o como algo totalmente diferente. Sin City es una fiel adaptación, mientras que The Winter Soldier sabe más a thriller político. Personalmente creo que Aquaman se siente como leer uno de los famosos Secret Origins. Teniendo como ventaja que la mayoría de las personas no saben un carajo acerca de Aquaman, Geoff Johns y James Wan aprovecharon la oportunidad para hacer su versión del origen de Arthur Curry. Durante la película vamos conociendo a los personajes y situaciones que los han llevado al punto en el que los encontramos sin sacrificar la historia principal. Es aquí donde vemos lo que yo creo que es la primera influencia positiva de Christopher Nolan: El presentar y explicar la trama a través del diálogo sin sentirse forzado o deteniendo la película. Momentos como Black Manta recibiendo el cuchillo de su padre o Atlanna contándole la leyenda del Tridente de Atlan a un bebé Arthur nos brindan la información que necesitamos para conectar con la historia. 

 Algo que comenté con varios amigos y que definitivamente debo compartir con ustedes es ese tema recurrente en las películas del DCEU: Las madres (y en menor porcentaje, los padres) de los superhéroes. En Man of Steel vemos cómo los padres de Clark influyen en las decisiones que lo llevan a convertirse en Superman. En Batman v Superman la unión de los superhéroes se da gracias a la infame escena del nombre. En Wonder Woman, Diana decide confrontar las creencias de su madre para ayudar a los humanos. En Justice League había una sub-trama de Steppenwolf y su madre que fue eliminada, pero vemos que Barry Allen quiere sacar a su padre de prisión al ser injustamente acusado de haber asesinado a su esposa. En Aquaman tenemos su relación con su padre, conectándolo con el mundo de los humanos y su entrenamiento con Vulko,  cuyo verdadero objetivo es la esperanza de poder conocer a su madre. Black Manta culpa a Aquaman de la muerte de su padre al no ayudarlo escapar a pesar de ser un héroe. Orm lo culpa de la muerte de su madre por su relación con un humano. Esto permite que podamos entender o incluso identificarnos con las acciones de los personajes.

 Aquaman es la película que tanto necesitaba DC y el género de superhéroes. James Wan y Jason Momoa rescatan a un personaje que ha pasado décadas siendo la burla de muchos, dándole el respeto que tanto se merece y reafirmando que DC no se limita a Superman y Batman. Esperemos que esto de inicio a una nueva etapa para el DCEU.

Bohemian Rhapsody: Cuando la crítica quiere morbo y no la historia de una banda.

  Lo sé, hace mucho que no escribo una reseña. Ha sido una combinación de estar enfocado en otros proyectos y la falta de ganas al ver lo saturado que está el internet con sitios y videos de reseñas. Sin embargo, Bohemian Rhapsody logró que abriera de nueva cuenta el viejo Blogger y escribiera mi reseña. No había podido ver esta película ya que por alguna extraña razón los cines le dieron prioridad a las versiones dobladas (seguro hicieron un buen trabajo, pero tenia que ver a Rami Malek en toda su gloria), así que tuve que buscar un cine donde estuviera en inglés y en un horario decente. La producción tuvo muchos problemas, entre ellos la partida de Sacha Baron Cohen y el drama con Bryan Singer, a esto debemos agregarle que la crítica, en su eterna mentalidad de colmena, decidieron quejarse de una nimiedad. A pesar de todo esto, insistí en verla. ¿Bohemian Rhapsody es el tributo que Queen merece o estamos ante otra biografía mal contada? Empecemos con (aunque no creo que en este caso aplique) spoilers.

 Hacer cualquier tipo de relato biográfico acerca de cualquier personaje siempre tendrá problemas. Hay intereses de todo tipo. Algunos buscan mostrar a los protagonistas del mejor modo posible, corriendo el riesgo de que aparezcan perfectos, sin defecto alguno, mientras que otros solo quieren mostrar lo peor de cada uno de ellos, olvidando por completo lo verdaderamente importante. La crítica se ha dedicado a destruir Bohemian Rhapsody, acusándola de caer en el primer extremo y de que lo mejor era haber caído en el segundo. Esto es una verdadera pendejada. Si, Brian May y Roger Taylor fueron productores de la cinta, pero esto no significa que veremos una versión censurada de la historia de Queen. 

 Abordaré la primera gran queja que tanto ha hecho ruido: "Es que la estructura de la película está hecha con plantilla (paint by the numbers, para aquellos que manejen el léxico anglosajón)." Ok, si, desde un ángulo muy general podemos ver cómo la película posee esa estructura que tanto hemos llegado a ver: Los miembros de la banda poseen vidas normales, por azares del destino se conocen, forman el grupo, consiguen su oportunidad de oro, alcanzan el éxito, empiezan los problemas, se pelean y finalmente se reconcilian. Si, algunos eventos fueron modificados para darle esta estructura tradicional (los integrantes llegaron a grabar discos solistas sin pelearse y Freddie se entera de que tiene VIH después del Live Aid), pero la realidad es que un porcentaje enorme de grupos pasan por casi todos esos pasos. Es una especie de ciclo que hemos visto muchas veces y que incluso el medio de la Música es quien lo dicta. Los fans deberían estar agradecidos de que Bryan Singer no se tomó tantas libertades como en su momento lo hizo Oliver Stone en la película de The Doors.

 Dicha estructura también existe para darle mayor ritmo a la historia. El enfocarse demasiado en un aspecto en particular puede llegar a descarrillar todo, diluyendo la trama principal. A momentos llega a pecar de lo que muchos críticos han llamado "una película basada en un artículo de Wikipedia", al contar muchos elementos básicos en la historia de la banda. Comprendo dicha queja e incluso la comparto de cierto modo, ya que siento que le faltaron más momentos personales entre la banda. A pesar de esto, creo que es necesario comprender que intentan abarcar demasiada historia en 2 horas. Tengo entendido que se filmaron algunas cosas como la creación y significado del logo de Queen, además de las demás canciones tocadas durante el Live Aid. De nuevo, si, hubo cambios para darle mayor fuerza a algunos eventos, pero los fans deben agradecer que se respetaron las recreaciones de los conciertos y que las escenas inventadas sirven para resumir los problemas a los que se enfrentaron muchas veces, como el personaje de Mike Myers, quien engloba a varios ejecutivos de disqueras y de paso hace una referencia bastante Meta a Wayne's World. Como fan de The Doors, créanme que es preferible esto a escenas como el viaje de drogas en el desierto, la versión completamente falsa de Light My Fire en el Show de Ed Sullivan o el comercial de autos que nunca existió. 

 Ahora, la segunda queja. La queja que considero una total y absoluta idiotez: "Es que es una versión muy limpia, no exploraron la vida de excesos de Freddie Mercury." Es curioso ver que esta queja choca con la primera, demostrando que la crítica realmente no tiene congruencia alguna. Cuando llegué a leer esto constantemente en las críticas, esperaba ver solo un par de escenas sugiriendo su sexualidad, así como su consumo de alcohol y drogas. No podría estar más equivocado. Durante toda la película nos presentan escenas que dejan bien definida la sexualidad de Freddie. De hecho creo que Bryan Singer logra presentar este lado de la vida de Freddie de una manera bastante elegante. La secuencia que acompaña a Another One Bites the Dust transmite exactamente lo que debe sin la necesidad de volverse explícita. La escena de Mary con Freddie y la mesa llena de drogas y botellas también. Es aquí donde le pregunto a la crítica y a todos aquellos que sueltan la misma queja: ¿Qué carajos esperaban ver? ¿Qué de lo que muestran en la película no les es suficiente? ¿Qué es lo que realmente les interesa de Queen y Freddie Mercury? Porque al parecer se equivocaron de película. Poner a Freddie atascándose de cuanta cosa estuviese en su camino habría caído por completo en el cliché del que tanto se están quejando. Es algo que hemos visto miles de veces. Con verlo bajo los efectos es más que suficiente. ¿Que sus fiestas y aventuras sexuales eran muy intensas? Si, eran parte de su vida, pero no eran lo que lo definía y mucho menos lo más interesante de su historia. Creo que todas las personas que querían que la película se enfocara en ese tipo de cosas deberían quedarse con productos corrientes como la serie de Luis Miguel, donde lo único que cuentan son sus excesos y revolcones ya que como cantante nunca ha aportado un carajo.

 Pasemos al punto en el cual todos coincidimos: La magistral actuación de Rami Malek como Freddie Mercury. Soy fan de Mr. Robot, así que sabía que esta interpretación estaba en excelentes manos. El secreto detrás de esta actuación reside en que Malek no buscó imitar a Freddie, sino comprenderlo. Qué aspectos de su vida y su físico fueron los que lo llevaron a convertirse en uno de los mejores vocalistas de la historia. Durante la película vemos cómo va evolucionando, siempre mostrando cambios completamente lógicos a lo que estaba viviendo en cada periodo. Vemos y comprendemos el cambio de Farrohk Bulsara a Freddie Mercury. Durante toda la película vemos a Malek con los diferentes looks, pero creo que el momento clave es cuando porta el clásico bigote y cabello corto. A partir de ese momento la línea entre el actor y la persona a la que está interpretando se vuelve muy delgada, generando muchos momentos en los que se nos olvida por completo que es una película y no un documental o concierto. Espero que Malek reciba el reconocimiento que se merece en las siguientes entregas de premios. Ya es bastante raro ver este nivel de compromiso. 

 Bohemian Rhapsody es una película que cumple con presentarnos lo esencial detrás de una de las bandas más importantes e influyentes del mundo. Los fans exigentes quizá se quedaron con ganas de ver algún momento en especifico y los morbosos de ver excesos, pero con una historia fluida y una excelente actuación por parte de Rami Malek, Bohemian Rhapsody merece mucho más reconocimiento del que está recibiendo.

Jurassic World: The Fallen Kingdom. ¿Por qué nadie le hace caso a Ian Malcolm?

 El 2015 tuvo el regreso de 2 de las franquicias más exitosas de Hollywood: Star Wars y Jurassic Park. The Force Awakens y Jurassic World fueron las encargadas de traer de vuelta universos que han sido amados por millones y los cuales recibieron un soft-reboot para atraer a nuevas generaciones. Fue tan bueno el trabajo de Colin Trevorrow que Lucasfilm decidió darle la dirección de Episodio IX. Debido a esto, Trevorrow tuvo que dejar la siguiente entrega de los dinosaurios para enfocarse en la galaxia muy, muy lejana. Todos sabemos que Star Wars murió a manos del trol mediocre llamado Rian Johnson, cuyas pésimas ideas destruyeron por completo la historia que Trevorrow tenía preparada. A pesar de estar involucrado en el guión y la producción, Trevorrow le cedió la dirección a J.A. Bayona. ¿El sacrificio por Star Wars resultó en algo negativo para Blue y sus compañeros? Empecemos con los spoilers. 

 Tanto Jurassic World como The Force Awakens pecan de ofrecerle a la audiencia una gran cantidad de Memberberries, los golpes de nostalgia son continuos. La enorme diferencia entre ambas películas es que Jurassic World logra ofrecer nuevos personajes interesantes y realizar una crítica a la situación actual del ser humano. En The Fallen Kingdom tenemos una continuación lógica a los eventos de la entrega pasada y una conclusión inevitable. La idea principal en toda esta saga es cómo el ser humano hace cosas con tal de obtener un beneficio o como simple muestra de superioridad, pero nunca se responsabiliza ni enfrenta las consecuencias. 

Es por eso que el regreso de Ian Malcolm es tan importante. Malcolm ahora es la voz de la conciencia de la humanidad, diciéndoles de nueva cuenta que deben pensar antes de actuar. Varias personas lo tachan de asesino cuando sugiere que la mejor opción sería dejar morir a los dinosaurios como resultado de la erupción volcánica, pero él es el único que comprende que dicho evento es parte de la naturaleza. El hombre no puede controlarlo todo, no puede jugar a ser dios. Malcolm sabe que ese final es mucho mejor que dejar que los dinosaurios sean explotados como entretenimiento o incluso como armas. La erupción del volcán de Isla Nublar es algo totalmente inevitable porque no puede ser controlado por el hombre. El querer sacarlos de la isla por cualquier finalidad provocaría resultados totalmente negativos. Tal y como sucedió antes, nadie le hace caso a Malcolm y todo lo que les dijo se cumple al pie de la letra.

 A manera de asociación altruista (y para calmar su culpabilidad), Claire busca rescatar a los dinosaurios antes de que el volcán haga erupción. Ella estuvo en Jurassic World con una mentalidad completamente de negocio. Nunca se detuvo a pensar en que los dinosaurios eran seres vivos. Después de ser engañada por Eli Mills e intentar rescatar a los dinosaurios capturados, Claire finalmente entiende que la mejor opción para los dinosaurios (y los humanos) era dejarlos morir. Es por eso que ver a Maisie liberar a los dinosaurios es tan importante: Ella se ve reflejada en ellos al haber sido clonada por razones totalmente personales y egoístas. Nadie le preguntó si quería ser creada y nadie le explicó por qué. Al liberarlos, Maisie les está dando la libertad de elegir, de vivir en un mundo el cual les perteneció mucho antes que a los humanos. Malcolm lo entendió desde el principio y es por eso que su frase de la primera película aparece en los posters de The Fallen Kingdom: La vida encuentra la manera. 

 Creo que lo más interesante de The Fallen Kingdom es ahondar en la relación de Owen con sus raptores, en especial Blue. Era obvio que le darían mayor protagonismo en esta secuela, pero lo presentan de una manera lógica. Ver a Owen entrenarlos desde pequeños nos hace entender qué es lo que sacrificó en la película anterior y por qué no desea regresar a la isla. Ahora el ver sus muertes en Jurassic World tiene un peso mucho mayor. Owen ve a sus hijos adoptivos morir como resultado de la codicia humana, ya sea a manos de un militar o tras el ataque de una abominación genética creada para el entretenimiento de las masas. Es gracias a esto que entendemos aún más su conexión con Blue. Ambos poseen un nivel de entendimiento que ningún otro humano ha alcanzado con un dinosaurio. Es por eso que The Fallen Kingdom tiene un ligero sabor a Rise of the Planet of the Apes. Después de que se salvaran entre ellos, los dinosaurios son liberados. Owen le ofrece llevarla a un lugar seguro. Blue ve la jaula, voltea hacia Owen y finalmente se pierde entre los árboles. El mundo ahora es su hogar. Los humanos son los que deben adaptarse o morir. 

 Entiendo por completo las críticas de muchos con respecto a lo poco que aporta The Fallen Kingdom a la saga, pero siento que hay una escena la cual vale por completo el boleto de entrada: La Muerte del Braquiosaurio. Mientras los barcos llenos de dinosaurios capturados se alejan de Isla Nublar, Owen y Claire ven cómo un braquiosaurio llega al muelle, los ve y emite sonidos de dolor. Las llamas y el humo lo cubren... hasta que dejamos de escucharlo. Si bien dicha escena es bastante dolorosa por si sola, haciendo la conexión con la primera película la hace absolutamente devastadora. Quizás el braquiosaurio no sea el dinosaurio favorito de la mayoría, pero es el primero que vimos en Jurassic Park. Ella se encargó de recibirnos en la isla y de presentarnos este maravilloso universo. Ahora la vemos despidiéndonos, desapareciendo entre las llamas. Junto con ella se va la famosa isla en donde vivimos una aventura que nos cambió la vida. 

 Jurassic World: The Fallen Kingdom quizá no aporte demasiado al universo de los dinosaurios pero logra entretener y ofrecer escenas verdaderamente memorables. Con Trevorrow de regreso (y con ganas de contar algo épico), es muy probable que esta nueva trilogía termine en una nota alta. 

Incredibles 2: Cómo hacer secuelas al estilo de la vieja escuela.

 Durante el 2004 las películas de superhéroes iban en aumento. Acabábamos de ver la segunda parte de Spider-Man y el siguiente año tendríamos una expansión importante en el género con Sin City y Batman Begins. Pixar decidió entrar al juego con The Incredibles, película dirigida por Brad Bird. Independientemente del éxito garantizado por parte de los fans incondicionales de Pixar, The Incredibles logró ser una curiosa adaptación de Watchmen y Fantastic Four. A pesar del gran éxito que tuvo (y el final que prometía el regreso de la familia Parr), Bird no tenía mucha prisa en escribir una secuela. Esto resultó completamente a su favor. Bird tuvo más de 10 años para pensar en la siguiente aventura y de paso aprender de las películas que serían estrenadas durante ese tiempo. Empecemos con los spoilers.

 Estamos en una época en la cual la mayoría de las películas ya tienen una fecha de estreno a pesar de que su guión ni siquiera ha sido escrito. Esto nos lleva a una tendencia en la cual terminamos con productos diseñados para distraernos un rato y seguir con nuestras vidas. Pocas veces nos dan algo que se queda grabado en nuestras mentes. Siempre pensé que el haber dejado pasar tanto tiempo era un gran error, pero lograron evitar las tendencias negativas de estos días. No hubo un salto temporal en las vidas de estos personajes, no hubo una agenda política lista para ser metida con calzador, nos dieron la continuación directa a la película que vimos en el 2004. 

 Esta secuela se siente bastante orgánica, explorando lo que sucedería una vez que los superhéroes volvieran a la luz pública. El gobierno respondería de manera completamente negativa, mientras que la mayoría de la población los recibiría con los brazos abiertos, teniendo presentes los aspectos positivos de los superhéroes. Es en Winston Deavor donde podríamos encontrar a alguien similar a las personas que actualmente nos han brindado joyas como Cobra Kai. Winston es un empresario el cual desea honrar a sus héroes de la infancia dándoles una nueva oportunidad, utilizando los avances tecnológicos para que vuelvan a maravillar al mundo. Si, parte de esto es negocio, pero la razón verdadera detrás de sus actos es amor por aquellas personas que lo inspiraron de niño. Este es el mismo espíritu con el cual se realizó Incredibles 2.

 Los 14 años de distancia entre películas nos brindan diferentes niveles de identificación. Muchos que se vieron identificados con Dash y sus ganas de ser reconocido ahora lo hacen con Bob y los retos de ser padre. Hay mujeres que se vieron reflejadas en Violet y que ahora se ven a sí mismas en Voyd, agradeciéndole a Elastigirl por haber sido un modelo a seguir durante su crecimiento. Creo que esa es la esencia de los superhéroes y el por qué se han mantenido vigentes todo este tiempo: Nos identificamos con ellos y nos inspiran a ser mejores. Con Marvel nos identificamos con los problemas personales de Peter Parker o con la lucha interna de Tony Stark, mientras que Superman y Batman nos inspiran a ser mejores personas. Es por eso que para muchos la primera entrega de The Incredibles es la mejor película de superhéroes. En ella ven todos los elementos que hacen de los superhéroes algo tan importante en el mundo.

 Tal y como sucede con la mayoría de estas historias, el villano posee una motivación completamente personal, algo más allá de la simples ganas de destruir la ciudad o matar al héroe. Dicha motivación va completamente de la mano con lo que dije en el párrafo anterior. Buddy Pine/Syndrome era fan de Mr. Incredible cuando era joven. Su influencia fue tal que él quiso convertirse en superhéroe a pesar de no poseer ningún poder. Al no haber sido reconocido como un colega héroe, Buddy se sintió traicionado y vio a Mr. Incredible como un hipócrita, alguien que no le es fiel a los ideales que representa. Por su parte, Evelyn Deavor/Screenslaver ve la admiración hacia los héroes como un defecto, una obsesión la cual llevó a su padre a la muerte. A pesar de tener métodos diferentes, los actos de ambos tienen el mismo origen y finalidad: el haberse sentido traicionados por los héroes y demostrarles que son innecesarios. Syndrome busca demostrar que cualquiera puede ser un superhéroe sin la necesidad de poderes o ideales. Screenslaver quiere  demostrar que la humanidad no necesita de los superhéroes, ya que su existencia solo limita a los ciudadanos comunes.

 Una de las cosas que me sorprendieron bastante fue la diferencia abismal entre la animación de ambas películas. Si, son más de 10 años de distancia, pero el avance es impactante. Hubo cambios en los diseños de los personajes, pero logran mantener su esencia. La ciudad dejó de estar vacía y completamente cuadrada, ahora llena de personas y detalles. Los personajes presentan detalles de los actores que les prestaron su voz, como Elastigirl moviendo la boca hacia un lado cuando habla, tal y como lo hace Holly Hunter. Vi la primera parte un par de días antes de ver Incredibles 2 y pensé que aún lucía bien, pero poniéndola al lado de la nueva entrega palidece bastante.

 Incredibles 2 es una secuela que logra superar las expectativas que se formaron durante más de 10 años. Con una buena historia y excelente animación, la familia Parr vuelve para que nos pongamos al día con ellos y hacernos recordar por qué los superhéroes son tan importantes en nuestras vidas.

Solo: A Star Wars Story. La película que nadie pidió (y que no ofrece nada).

 Estamos viviendo la época más oscura de Star Wars, de eso no hay duda alguna. The Last Jedi logró dividir a los fans, mientras el enfermo de Rian Johnson cumplía su retorcido sueño. Las jugueterías están llenas de mercancía que absolutamente nadie quiere. Las voces de aquellos que estamos molestos por lo que está haciendo Kathleen Kennedy son cada vez más fuertes, mientras que aquellos que se mantienen fieles (por payola o por poco criterio) siguen viviendo en una burbuja donde todo sigue en armonía. Una de las evidencias de que todo iba a derrumbarse fue el drama detrás de la producción de Solo. Los directores Phil Lord y Christopher Miller fueron despedidos poco antes de terminar la filmación. Su lugar fue ocupado por Ron Howard y con esto se inició una campaña de control de daños la cual no funcionó. Con los peores números tanto de reseñas como de taquilla para una película de Star Wars, Solo llegó a las salas. ¿Qué tan malo fue el resultado final? Empecemos con los spoilers.

 Varias personas me han preguntado cuál es mi opinión acerca de cómo veo el conflicto entre los primeros directores y Kennedy. Al igual que con la gran mayoría de aquellos que han abandonado los proyectos de Star Wars, Lord y Miller fueron contratados por su manera tan peculiar de dirigir. Sin embargo, esta fue la misma razón por la cual Kennedy decidió despedirlos. Es como si contrataran a un par de cocineros porque hacen excelentes hamburguesas y desean que ellos preparen la comida de un evento, solo para tratarlos mal y correrlos porque no están preparando tacos. El guión fue escrito por Lawrence Kasdan y su hijo, Jon. Pensaríamos que tener a un veterano nos garantizaría un buen resultado. Gran error. En su lugar tenemos un guión blando, carente de encanto, el cual parecería más una lista de cosas que deben cubrirse durante dos horas. Al ver el resultado final, creo que es bastante comprensible por qué Lord y Miller grabaron tomas alternas en las que los actores improvisaban. Querían darle algo de vida a una historia bastante mediocre. En su lugar tenemos lo que podría ser un episodio de relleno en alguna serie. Lucasfilm promete que hay espacio para la creatividad, pero se escandalizan ante la primera muestra de ella. "Ay, perdona, ¿pero qué no Rian Johnson entregó algo diferente y todos ustedes lo odiaron? No se les puede dar gusto.", dirá algunos fans que aplauden todo lo que tenga el logo de Star Wars. La respuesta está tanto en el video al que le puse el hipervínculo al inicio de la reseña (Johnson solo buscaba insultarnos a la enorme mayoría) y en Infinity War, el ejemplo perfecto de cómo no darle a la audiencia lo que espera y triunfar. 

 Uno de los mayores problemas con a los que nos enfrentamos con el Star Wars actual es la agenda que Kathleen Kennedy ha forzado desde que tomó el poder. Sus ideas son impuestas, no hay equilibrio alguno. ¿Cómo lo vemos esto en Solo? Poco antes de estrenarse la película, Jon Kasdan tuvo la "brillante" idea de anunciar que Lando Calrissian era pansexual. ¿Ya lo googlearon? Bien. Lo peor es que, al igual que muchos de los empleados de Lucasfilm, su postura al respecto fue totalmente ofensiva, alienando más a los fans. Días después Donald Glover confirmó la declaración y dijo que era "imposible no serlo en el universo de Star Wars". Como es costumbre en este tipo de declaraciones que solo buscan complacer a los Social Justice Warriors, en la película realmente no vemos nada de esto. Lo que si tenemos en Solo es la máxima expresión del cáncer que está matando a Star Wars y su nombre es L3-37. Por mucho, el peor personaje de Star Wars. Rose Tico y la Almirante Holdo logran verse menos nefastas al lado de este droide. En ella vemos reflejada a todas esas personas que se han encargado de joder comics, series y películas durante los últimos años. Un ser que solo busca ofenderse por todo, quejarse y destruir. No hay alguna escena en la que realmente explique su postura o se exprese de manera pacifica. Al igual que Kennedy y sus secuaces, su misión es contaminar un universo en el cual no existían este tipo de posturas tóxicas. A diferencia de muchos, me niego a culpar a Disney de esta situación. De ser ese el caso, ¿Por qué las películas de Marvel no presentan este tipo de problemas? No hay faltas de respeto ni ataques sexistas dentro y fuera de sus producciones. La relación entre ellos y sus fans es armoniosa, mismo caso con Pixar.  

 Ok, vamos a enfocarnos más en la película. Alden Ehrenreich hace un pésimo trabajo como Han Solo. Se corrió el rumor de que Ehrenreich lo estaba haciendo tan mal que tuvieron que contratar a un coach de actuación para ayudarlo. Como parte del control de daños, argumentaban que no buscaban una imitación de Harrison Ford, sino a alguien que fuese capaz de interpretar a Han Solo. El resultado final es una interpretación bastante sosa que a momentos nos da una mala imitación. Lo mismo se puede decir del sobrevaluado Donald Glover, quien fue puesto en un pedestal por solo un par de segundos en los que aparecía en los trailers. En ningún momento vi el por qué hay gente pidiendo que se haga una película de Lando. Es gracias a ellos que Solo se siente como un fan film en el cual ninguno de los actores ni los escritores realmente conocen a los personajes. Emilia Clarke, Woody Harrelson y Paul Bettany no tienen mucho con qué trabajar. Sus personajes se limitan a ser el interés amoroso, el mentor/traidor y el villano genérico. Nunca hay algo que nos haga interesarnos en ellos. Quien realmente se luce y hace que esta película sea soportable es Joonas Suotamo como Chewbacca. 

 La historia no ofrece absolutamente nada nuevo o interesante. Rogue One fue un desastre durante toda su producción, pero el producto final valió la pena. Veíamos a los Rebeldes y al Imperio desde otro ángulo, haciéndolos más complejos. Aquí todo se mantiene exactamente igual, no hay algo que no hayamos visto en este universo y los personajes no son presentados de una manera que llame la atención. Toda la serie de eventos por las que pasa Solo únicamente sirven para que vaya adquiriendo las cosas que posee en la trilogía clásica. Lo que realmente debimos haber tenido era lo que tanto nos prometieron: Ver cómo sus experiencias lo habían moldeado en el tipo arrogante, desconfiado e interesado que conocimos en Mos Eisley. Teníamos que verlo aprender a estafar, a correr grandes riesgos a cambio de una recompensa y de paso recorrer la galaxia para crear su fama en el bajo mundo. Nada de eso ocurre. El universo se queda exactamente igual, no hay nada que lo expanda. En su desesperación por quererse vender como parte de Star Wars tenemos parte del amado track Asteroid Field durante la secuencia de Kessel y un cameo de Darth Maul con notas de Duel of the Fates con tal de querernos convencer. Lo único que verdaderamente sabe a Star Wars es la escena de Qi'ra y Han en el camarote de Lando. ¿Lo irónico? Esa escena la dirigió George Lucas, luego de sugerir que Han dejara caer la capa en lugar de colgarla. 

 Solo: A Star Wars Story es la confirmación de que los encargados actuales de Lucasfilm no tienen idea alguna de lo que están haciendo, pensando que la mejor estrategia es insultar a sus fans. Esta es la última película de Star Wars que veré en cines. Episodio 9 no me interesa en lo más mínimo y dudo que la película de Boba Fett llegue a ofrecer algo interesante. ¿Qué podría rescatar a la galaxia? Que pongan a una persona competente a cargo y que entienda que a los verdaderos fans NO nos interesa el color de piel, sexo y orientación sexual de un personaje, solo queremos que estén bien escritos y que nos cuenten una buena historia. 

Deadpool 2: Cómo superar la primera parte (y la enorme cantidad de rumores de internet).

En Febrero del 2016 se estrenó Deadpool, el proyecto que Ryan Reynolds tardó 10 años en poder realizar. Una película que sin duda fue un triunfo y un gran avance en las adaptaciones cinematográficas de comics. Esto no evitó que la secuela tuviese varios de los problemas que muchas producciones han sufrido en años recientes. El director Tim Miller abandonó el proyecto por diferencias creativas, Domino fue cambiada para darle gusto a los Social Justice Warriors, su doble de acción, Joi Harris, falleció durante el rodaje y se esparcieron rumores acerca de que la película había tenido un mal recibimiento durante los screenings, resultando en un reshoots. Reynolds y compañía mantuvieron la calma y nos aseguraron que no había por qué temer. ¿Tenían razón o estamos ante otra batalla entre directores y casas productoras? Empecemos con los spoilers.

 Hay varias cosas qué aplaudirle a Deadpool 2, pero creo que la principal es que no cayó en la larga lista de clichés presentes en las segundas partes. El anuncio de que aparecerían los miembros de X-Force nos auguraba un Iron Man 2, la muerte de Vanessa era la excusa perfecta para que Wade pasara 3/4 partes de la película queriendo renunciar a ser Deadpool, pero sobre todo, Deadpool 2 pudo caer en el mismo gran error en el que caen miles de películas (especialmente comedias): Hacer todo exactamente igual, incluso los chistes. Si, podrán decirme que, en esencia, es lo mismo que la primera entrega, pero aquí logran ese arte el cual Bob Gale describe como "darle a la audiencia la misma película, pero diferente."

 A pesar de los cambios generados por los reshoots (los cuales son bastante obvios), Deadpool 2 logra dar esa sensación de que estamos leyendo un comic del personaje. Las referencias ahora son mucho más constantes y no se limitan a un solo universo, las interacciones entre los personajes son totalmente congruentes, la acción está muy bien elaborada y finalmente se siente como parte del mismo universo en el que habitan los X-Men. Hasta me atrevería a decir que es la película con más momentos dignos de los X-Men, con una escena que nos da lo que nos prometieron antes de Logan. Algo que debo mencionar es que me sorprendió mucho la cantidad de chistes y referencias que hacen al MCU y Disney en particular. Cuando se anunció que Disney les había censurado un chiste, millones se lanzaron a criticarlos, tachándolos de muchas cosas. Sin embargo, es impactante la cantidad de cosas que les permitieron incluir. Si, hay cosas inofensivas como Deadpool recitando las palabras con las que Black Widow calma a Hulk o Russell haciendo la referencia a Up, pero ver que les permitieron hacer burla de la relación incestuosa de Luke y Leia, la inutilidad de Hawkeye y un posible plagio de Frozen, definitivamente habla muy bien de ellos. Un amigo asegura que esto es parte de la inminente compra de Fox por parte de Disney, pero supongo que solo el tiempo nos responderá esta pregunta. Todo esto junto con Infinity War me hace reafirmar que todo el caos con Star Wars es culpa de Kathleen Kennedy y no de Disney. 

 Otro aspecto el cual consideraba que sería el jump the shark de Deadpool era el poner a Celine Dion cantando el tema principal de la película. Decidí evitar ese video y su respectiva canción, lo cual fue sin duda una decisión perfecta. Los créditos haciendo parodia a Bond quedaron excelentes junto con dicha canción. El soundtrack sigue siendo una colección de temas que no esperaríamos escuchar ni siquiera en alguno de los Awesome Mixes de Guardians of the Galaxy, pero que funcionan a la perfección dentro de Deadpool 2. Ahora tendremos adolescentes escuchando a Dolly Parton mientras imaginan a Deadpool asesinando mafiosos japoneses. 

 Uno de los rumores detrás de Deadpool 2 era que Tim Miller quería hacer una película mucho más grande que la anterior. Después él negó esto y aseguró que en realidad ese era el deseo de Ryan Reynolds. Creo que aquí es donde David Leitch fue la pieza ideal para lograr el balance adecuado de una película más grande que la anterior pero sin caer en la exageración. Leitch viene de realizar películas con presupuestos limitados. Esto le ha enseñado a armar proyectos en los que no es necesario mostrar una avalancha de CG para presentar buenas secuencias de acción. Si, hay más efectos y locaciones, pero se mantienen dentro de lo que estamos acostumbrados a ver en Deadpool. Las peleas están armadas de tal modo que nos interesa verlas a detalle. Mientras que en John Wick tenemos a un protagonista que nunca sale ileso y al que además se le acaban las balas, Deadpool es un personaje que sabe pelear y que utiliza su poder curativo de manera creativa para sacar ventaja, como cuando ahorca a Cable con su brazo roto. 

 Por último hablemos un poco acerca de Cable y los equipos. Josh Brolin hizo un excelente trabajo como Thanos, llevando al villano a un nivel el cual no pensé que fuera posible que tuviese. Es una lástima que aquí no tuviese tanto material con qué trabajar. Hace bien su papel, definitivamente es el mutante que tendrá una gran amistad con Deadpool, pero no logra el impacto que todos esperábamos. Zazie Beetz como Domino logra hacernos olvidar el cambio innecesario y el pésimo diseño que le dieron a su personaje, teniendo buena química con Reynolds. Lo hilarante con el resto del equipo es ver cómo desperdician a actores como Terry Crews y Bill Skarsgard, solo para mostrarnos que Brad Pitt era Vanisher, matándolo en un par de segundos. El cameo de los X-Men está hecho al más puro estilo del comic. Si, crea conflicto con todo el asunto de las líneas temporales (su apariencia corresponde con la de X-Men Apocalypse), pero el chiste se complementa con Wade diciendo que el casco de Cerebro huele a Patrick Stewart. Negasonic Teenage Warhead y Yukio nos presentan una relación lésbica sin caer en las imposiciones actuales, creando una dupla que interactúa muy bien con Deadpool. Colossus evoluciona gracias a su relación con Deadpool, soltándose mucho más, mientras que Deadpool acepta su faceta de héroe. Mención especial tiene que el traje de Deadpool luce como su versión de X-Force después de que Russell lo quema. 

 Deadpool 2 logra superar la maldición de las segundas partes para darnos una película mucho más entretenida y fiel a la fuente original que su predecesora. Nadie le quita el mérito a la primera entrega, pero sin duda alguna hubo bastante aprendizaje el cual nos ha dado una de las mejores películas de X-Men.

Avengers: Infinity War. Una película con un equilibrio digno de Thanos.

  Hace 10 años toda la atención estaba enfocada en la segunda parte de lo que ahora conocemos como The Dark Knight Trilogy y en el regreso de Indiana Jones. Junto a ellas hubo una gran cantidad de estrenos y entre ellos teníamos una película llamada Iron Man. Nunca nos imaginamos que sería el inicio de uno de los proyectos cinematográficos más ambiciosos de la historia. Así como la aparición de Nick Fury en Iron Man fue un simple guiño que evolucionó en un universo, la aparición de Thanos en Avengers nos llevó por un camino más largo. Con tal de llegar a Infinity War, Marvel hizo muchos sacrificios, afectando a varias de sus películas con tal de conectar con Thanos y las Piedras del Infinito. No habría medias tintas, Infinity War sería una de las mejores películas de comics de la historia o un fracaso absoluto. ¿Cuál fue el resultado? Empecemos con los spoilers.

 Los hermanos Russo son los que están recibiendo gran parte de la gloria, pero debemos de tener bien presentes a Christopher Markus y Stephen McFeely, los guionistas de Infinity War (y la siguiente entrega de Avengers). El trabajo detrás de este guión es impecable. Se encargaron de tener bien trazada la continuidad para que elementos y consecuencias de las 18 películas anteriores estuviesen presentes en Infinity War. Los elementos logran mezclarse de tal manera que finalmente vemos a todos estos personajes como parte de un solo universo. Ya no nos parece extraño ver a un hechicero al lado de un genio tecnológico o a un soldado peleando junto a un mapache genéticamente modificado. 

 Creo que el personaje al que debo dedicarle la mayor parte de esta reseña es a Thanos. Siendo justos, esta es su película. La expectativa que se había generado alrededor de él era enorme. Lo habíamos visto en varias ocasiones y varios personajes habían hablado acerca de él, pero desconocíamos la amenaza que realmente representaba. Con una excelente interpretación por parte de Josh Brolin, Thanos es el primer gran villano del Marvel Cinematic Universe. Con excepción de Loki y Killmonger (aunque este último no me agrada en lo más mínimo), las películas de Marvel siempre han tenido el problema de presentar villanos genéricos. Con Thanos tenemos al primer villano que está tan bien desarrollado como sus héroes. Thanos es de esos casos especiales en los que no ve sus actos como algo malo. Desde su perspectiva, él es un salvador, el encargado de darle equilibrio al universo. ¿Lo peor? Su motivación no es nada descabellada. 

 A través de varias películas y diferentes personajes hemos escuchado acerca de Thanos. Para unos es su amo y señor, para otros es un tirano, un ser que solamente busca destruir y obtener poder. El Thanos que conocemos en Infinity War es un hombre que busca evitar el sufrimiento de los habitantes del universo, a pesar de que el proceso esté lleno de sacrificios, ya sean propios o ajenos. Vemos que realmente ama a Gamora, que las masacres que ha realizado alrededor del universo han generado estabilidad y que además comprendía el por qué había tantos en contra de su plan maestro. Actúa de tal manera que llegas a entenderlo e incluso respetarlo. Para mi el Joker de Heath Ledger siempre será el mejor villano en una película de comics, pero sin duda Thanos puede estar a su lado en las listas de los mejores villanos sin mayor problema. 

 Creo que la mayor amenaza que Thanos representa para la mayoría de los héroes a los que se enfrenta es el encarar sus relaciones y apegos para finalmente sacrificarlos. Yo llevo años quejándome de que Marvel es la Tierra Sin Consecuencias, pero al menos en esta película finalmente logran corregir esto. Es muy probable que en Avengers 4 solucionen todo y les den finales felices, pero nada nos quitará este escenario en el cual vemos a los héroes siendo empujados al extremo física y emocionalmente. Loki se enfrenta a Thanos con tal de salvar a Thor (y de paso aceptar su relación con Odín), Stark trata de distanciarse de Parker, pero verlo morir en sus brazos lo hace aceptar el gran aprecio que le tenía, pero lo más importante son las similitudes de lo que viven Thanos, Wanda y Star-Lord. 

 Cuando Thanos y Gamora llegan a Vormir, Red Skull (tristemente no interpretado por Hugo Weaving) le revela que la única manera de obtener la Piedra del Alma es sacrificando a un ser amado. Vemos con sorpresa a Thanos llorando, sabiendo que no tiene más opción que sacrificar a Gamora con tal de obtener la piedra y así acercarse más a su meta de salvar al universo. Cuando Wanda se entera que debe matar a Vision para detener a Thanos, también llora y le cuesta trabajo hacerlo, pero el objetivo es el mismo: Salvar vidas. Lo más traumático (y que sirve como un ejemplo más del por qué Thanos es tan buen villano) es que hace que el esfuerzo de Wanda sea en vano al momento de utilizar la Piedra del Tiempo para revivir a Vision, quitarle la Piedra de la Mente y matarlo de nueva cuenta. Del mismo modo vemos que Thanos no se deja llevar por la pérdida de Ebony a pesar del dolor que le genera, agradeciendo su sacrificio y aprovechando la oportunidad que le dejó para obtener la Piedra del Tiempo. Por otro lado tenemos a Star-Lord arruinando la oportunidad de vencer a Thanos al no poder controlar el dolor de haber perdido a Gamora, cuyo sacrificio (y los poderes de Mantis) le habían otorgado una oportunidad única para poderle quitar el guantelete. 

 Ahora, creo que lo que más se le debe aplaudir a Infinity War es que nos dieron una película totalmente diferente a lo que la mayoría esperaba ver. Aquí SI aplican las defensas que miles de fanboys insufribles han querido utilizar con el insulto cinematográfico llamado The Last Jedi. Es bueno arriesgarse y ofrecer una historia diferente, siempre y cuando respetes todo el material anterior y a sus personajes. Nunca suceden cosas por el puro antojo de los Russo, los eventos de las películas anteriores son tomados en cuenta y los personajes nunca traicionan su esencia. Aquí aplica de manera positiva la frase de Luke que utilizó Mark Hamill para advertirnos: Las cosas no saldrán como esperas. ¿Cuál hubiese sido un clásico final Marvel? Thor llega y le clava el Stormbreaker en el pecho a Thanos, matándolo antes de que obtuviese la Piedra de la Mente. Recuperan las otras piedras y Doctor Strange utiliza el Ojo de Agamotto para revertir todos los daños y de paso revivir a todos los caídos. Los héroes se despiden entre abrazos y bromas para así seguir su camino. Afortunadamente ese no fue el caso. ¿Cuál hubiese sido la versión para aquellos que aplauden The Last Jedi? Que Thanos hubiese muerto a media película cuando Gamora lo apuñala en la garganta, mientras Shuri y Wong yendo a Las Vegas para liberar caballos de carreras. Volviendo al tema principal, creo que el final es muy especial, ya que la película cierra con Thanos sonriendo, a pesar de haberlo perdido todo a cambio de lo que para él es el bienestar del universo. 

  Avengers Infinity War cumple las expectativas que cada año se hacían más y más grandes, ofreciéndonos al mejor villano del MCU junto con una gran historia y una reunión de personajes que hace unos años parecía imposible. Marvel logró cumplir sus promesas, no sin antes recordarnos que esta historia aún no termina. 

Ready Player One: Cuando la nostalgia es parte de la historia y no simple manipulación.

  Hora de la primera reseña del año. ¿Por qué me tardé meses en volver? Porque he estado ocupado y además porque no me he recuperado de ver cómo asesinaron a Star Wars a finales del 2017. Hay pocos estrenos que me interesan este año y Ready Player One es uno de ellos. Con la avalancha de remakes, reboots y nostalgia trips que hemos recibido en los últimos años, Ready Player One lucía como el punto máximo de esta tendencia. Si, la película está basada en la novela de Ernest Cline publicada en 2011, pero se corría el riesgo de que la adaptación fuese uno de tantos productos huecos. ¿Ready Player One es una película que va más allá de nuestro amor por las cosas con las que crecimos o una estafa más? Empecemos con los spoilers.

 Lo primero que debo aplaudirle a Ready Player One es que haya sido Steven Spielberg el encargado de adaptarla a la pantalla grande. Muchos seguramente se quejaron al ver esta elección, pero creo que fue la correcta y les explicaré por qué. A pesar de que la historia está llena de referencias y homenajes a sus trabajos, Spielberg lo maneja con cariño, comprendiendo las cosas desde una perspectiva la cual no tendría un director joven, alguien que haya crecido con todo lo que hace del OASIS un lugar tan atractivo. No lo convierte en un proyecto de vanidad, no se vuelve un festival de lamida de botas como lo son Super 8, Stranger Things o It (cosa que hubiese sucedido de haberle dado el proyecto a algún director mucho menos experimentado). Aquí lo mantiene tal y como debe de ser: Como parte de la historia que se está contando. Spielberg logra manejar la fuente original del mismo que lo ha hecho anteriormente, esquivando momentos en los cuales podría haber dejado que se escapara su fanboy interno. Un claro ejemplo está en la secuencia de The Shining, la cual quedó bastante bien gracias al gran amor por su colega Kubrick, al cual incluso le cumplió su deseo de llevar al cine A.I., el proyecto que ya no pudo realizar. Las referencias están presentes, el homenaje es bastante claro, pero nunca llega a un nivel en el cual se note algún tipo de favoritismo. 

 Quizá aquellos que estén en contra de Ready Player One dirán que obviamente me iba a gustar porque, al igual que los personajes de la película, tengo un enorme gusto por la Cultura Pop de las últimas décadas. Si bien ese es un enorme plus, no creo que esa sea la única razón. Detrás de todo hay una historia bastante interesante la cual sin duda nos deja un mensaje bastante bueno. Estoy seguro que el libro ahonda mucho más en lo que voy a decir. Para Halliday, el creador de OASIS, las películas, caricaturas y videojuegos eran una forma de escapar de la realidad al no poseer las características necesarias para poder interactuar con la humanidad. Él creó OASIS para poder tener contacto humano en sus propios términos.  

Gran parte de los usuarios empezaron a utilizar el juego para escapar de sus problemas o para explotarlo y sacarle provecho, pero pocos coincidieron en las mismas razones que él. Es aquí donde entra el paralelo que hacen en los trailers con Willy Wonka and the Chocolate Factory. Al inicio, Wade Watts solo tiene amigos dentro del OASIS (o a través de internet) y tiene problemas para relacionarse con las mujeres (su conocimiento acerca de Art3mis estaba basado en sus livestreams). Gracias a toda la aventura que vive para conseguir las llaves, Wade logra superar los obstáculos sociales que Halliday nunca pudo. Al final decide mantener vivo el sueño de Halliday, pero cierra el OASIS 2 días a la semana para que así lo usuarios no olviden que vale la pena vivir en el mundo real. En resumen: Está muy bien que nos gusten mucho todas estas cosas de la Cultura Pop, pero sin olvidar que gracias a ellas podemos conocer a muchas personas y relacionarnos con ellas en el mundo real.

 Hablemos de todas las referencias. Ya las defendí diciendo que son parte de la historia, pero creo que no está de más ahondar en el tema. Gracias a que hay un equilibrio, la película logra atraparnos sin que todo el festival visual y auditivo nos distraiga. Si decidimos ver un poco mientras la historia transcurre, podemos notar que Parzival tiene el cinturón de Han Solo y que la hebilla tiene el símbolo de los Thundercats o que su auto es una fusión del DeLorean con KITT, en otra escena tendremos a soldados de Halo, personajes de Arkham y a los famosos Battletoads como parte de un ejercito. Todos y cada uno de estos elementos tienen su razón de ser. Lo mejor es notar los pequeños homenajes, como cuando se escuchan las notas iniciales del tema de Back to the Future cuando se activa el Zemekis Cube (capaz de retroceder el tiempo 60 segundos) o la marquesina del cine presentando Jack Slater 3 (el personaje de Arnold Schwarzenegger en Last Action Hero). ¿Cuál referencia me gustó más? La aparición del Swordfish II, la nave de Spike Spiegel en mi anime favorito: Cowboy Bebop. La nave aparece en el poster y en el taller de Aech. 

 Ready Player One es una buena película en donde la nostalgia solo es parte del encanto y no una excusa para vender boletos. Si bien se antoja verla varias veces para notar cosas nuevas, su historia invita a analizar qué defectos compartimos con sus protagonistas y qué podríamos cambiar para mejorar. Una cinta que definitivamente vale la pena verse en la pantalla grande.