Marty McFly y el Doc Brown han llegado al Futuro. (ACTUALIZADO)

  Pues aquí estamos. 21 de octubre del 2015. Una fecha que muchos siempre hemos tenido presente (y por lo cual esas incontables publicaciones falsas de "hoy es cuando Marty y Doc llegaban al futuro" resultaban exageradamente castrosas). Marty McFly llegaba al Hill Valley del 2015 para rescatar a sus hijos de un terrible destino. El Internet lleva meses atascado de artículos como las predicciones que se hicieron en la película, que si la hoverboard tardará más en ser una realidad o si los autos voladores no son tan buena idea como pensábamos. Ante esta incontable lista de artículos, este post se irá un poco más por el lado editorial, analizando un poco el por qué esta trilogía sigue vigente después de 30 años del estreno de su primera entrega.

 Creo que, al igual que muchos de ustedes, Volver al Futuro 2 es mi película favorita de la trilogía. Zemeckis y Gale lograron superar el clásico "segundas partes nunca fueron buenas". Esto tiene mucho que ver con la fórmula que Bob Gale ha explicado muchas veces y que incluso yo he puesto como ejemplo en muchas de mis reseñas: "La audiencia quiere ver la misma película... pero diferente." BTTF2 logra rimar con la primera película sin llegar a ser más de lo mismo. No había planes para hacer una secuela. ¿El DeLorean volando al final de la primera parte? Lo metieron como un chiste, nunca pensaron que su película fuese a tener tanto éxito.

 A diferencia de muchas segundas partes las cuales buscaron copiar el formato de The Empire Strikes Back, Back to the Future II logró triunfar en complicar las cosas para los personajes sin sentirse forzado o tirando a la basura la conclusión de la primera parte (como pasó con Ghostbusters II). La segunda parte no buscaba ser más oscura por el simple hecho de serlo (como Temple of Doom), esto se dio de manera natural, como parte de la historia. 

Vemos cómo el futuro de Marty y Jennifer no es color de rosa. Si, Marty logró ayudar a sus padres y él empezó a tener mayor confianza en sí mismo (al final de la primera parte lo vemos con el demo de su banda listo para ser enviado al a disquera), pero eso no le garantizaba un crecimiento personal completo. A pesar de estar en un universo con máquinas del tiempo y patinetas voladoras, Back to the Future nos presenta personajes bastante humanos, donde hay cosas que incluso los viajes en el tiempo no pueden cambiar. Marty logra controlar su temperamento y finalmente evita el accidente que lo había marcado de por vida. Si, eso de "se descontrola cuando le dicen 'gallina'" fue sacado del calzón, pero esto se relaciona a los problemas de confianza que viene arrastrando desde la primera parte. Marty nos enseña a cómo el saber controlar nuestras emociones en momentos clave puede evitar consecuencias permanentes.Tal vez Marty no haya logrado convertirse en un rockstar, pero al menos sabemos que tuvo un mejor futuro.

 Por su parte el Doc Brown mantiene ese crecimiento que inició en la primera parte, donde vemos cómo el haber leído la advertencia de Marty le salvó la vida. En las siguientes películas él va dejando esa aprehensión, esa necesidad de que el tiempo se mantenga con la menor cantidad de modificaciones posibles. Durante la segunda (y en especial la tercera parte) el Doc ve que las cosas no deben ser tal y como se supone que deben ser. Toda la serie de eventos que han vivido con la máquina del tiempo lo llevó a 1885 y gracias a eso conoció a Clara, su alma gemela. Es por eso que finalmente entiende que el futuro es lo que nosotros hagamos de él y depende de nosotros que sea uno bueno.

El primer borrador contaba una historia algo distinta. Si, Marty, Doc y Jennifer viajan al futuro, pero había elementos que hacían el 2015 más peculiar. El enfrentamiento entre Griff y Marty se daba en un gimnasio al lado del Café 80's, el cual tenía forma circular y donde se realizaba un juego en el que los participantes podían caminar por las paredes y el techo. Esto se aleja muchísimo más del 2015 que estamos viviendo, al contrario de la siguiente escena. Marty se entera del triunfo de los Cubs a través de un robot vendedor de periódico. Cuando Marty le pregunta acerca de cómo saber los resultados de los partidos jugados desde 1985, el robot le presenta un anuncio del Alamaque Deportivo de Gray. Los formatos disponibles son Vid-Rom, CD-Rom, Mini-C, DDX, Micro-V y Micro-D. Marty elige el formato físico y esto le resulta extraño al robot. Marty paga usando su huella digital. Esto provoca que vea su información personal en la pantalla, finalizando con un aviso de una mujer de su banco la cual le dice que ha excedido su crédito. Esto se acerca bastante a lo que vivimos actualmente, nada lejano a lo que ahora podemos realizar con nuestros smartphones o tablets.

 Un elemento que siempre me ha molestado de la película es tratado de mejor modo en el primer borrador. En la película, Biff regresa al futuro y se muestra adolorido. Esto solo se explica en una escena eliminada, donde Biff muestra ese malestar ya que está desapareciendo. El cambio que hizo en el pasado ha provocado que deje de existir. Bob Gale da la teoría de que en algún momento Lorraine lo mató. En el borrador las cosas se presentan de un modo distinto. Biff regresa con un golpe en la cabeza y termina tirado en la calle. Un camión policiaco llega a auxiliarlo. El Camión dice Tannen Valley. Los policías lo reconocen y comentan que él es dueño de la mitad del estado y que su hijo es el Gobernador. El cambio que hizo en el pasado se generó de inmediato y alcanzamos a ver las consecuencias en la línea temporal. 

  Volver al Futuro Parte II/Back to the Future Part II nos muestra una fecha la cual, a pesar de que ya alcanzamos, para muchos de nosotros siempre será nuestra visión del futuro. Lo mejor del asunto es saber que Zemeckis y su equipo tienen todo arreglado para que no tengamos un remake. Los dejo con algunos de los videos que han aparecido en honor a esta importante fecha.

ACTUALIZACIÓN: Michael J. Fox y Christopher Lloyd visitaron el set de Jimmy Kimmel para conmemorar la fecha. A esto se le agrega que Nike ya cumplió su palabra y le presentó a Michael los primeros tenis autoajustables.

Memory Lane 8: Batman Begins.

  Fue hace 10 años que Batman regresaba a las pantallas de cine y que además marcaba una nueva etapa en las películas de superhéroes. Nadie se esperaba lo que Christopher Nolan nos había preparado. Para muchos de nosotros era la culminación de una enorme cantidad de proyectos los cuales nunca lograron concretarse, pero que curiosamente poseen elementos de cosas que vimos en la trilogía de Nolan y que estamos por ver en el DCCU. Nunca pensamos que el daño generado por Batman and Robin le daría entrada a un proyecto tan bien logrado.

Poco después del aborto protagonizado por George Clooney se habló de una quinta parte en la saga titulada Batman Triumphant, con Scarecrow, Harley Quinn y el Joker (regresando como una alucinación creada por los químicos de Scarecrow). Tras el fracaso de Batman and Robin, Schumacher mostró interés por devolverle oscuridad al personaje adaptando Batman: Year One. Se jugó con la idea de adaptar Year One o Batman Beyond, pero ambas opciones fueron descartadas ante la llegada de Batman: DarKnight. Esta historia nos mostraba a un Bruce que regresa del retiro cuando Scarecrow crea accidentalmente a Man-Bat. Al no estar de nueva cuenta convencidos con lo que les presentaron, Warner decidió apostar por una versión de Batman:Year One escrita por Darren Aronofsky y Frank Miller, con cambios tan extremos como un Bruce que vive en la calle y un Alfred afroamericano, dueño de un taller mecánico. Hubo un punto en el cual estuvimos a nada de ver una película de Batman contra Superman, con Bruce vengando la muerte de su prometida a manos del Joker, siendo manipulado por Lex Luthor para creer que había sido culpa de Superman. Lo que Warner estaba a punto de averiguar era que no era necesario hacerle tantos cambios al personaje, la pieza clave era respetar el material original.

 Todo este camino tuvo un verdadero avance cuando Christopher Nolan decidió presentar su idea acerca de cómo hacer una película de Batman. Tomando como principales influencias The Man Who Falls, The Long Halloween y Batman: Year One, esta nueva versión de Batman tendría un tono mucho más serio, contando el origen del personaje. Para nosotros sonaba como un experimento bastante interesante por parte del director de Memento. Las piezas se iban juntando y nosotros empezábamos a especular. Creo que supimos que nos esperaba algo muy especial cuando se anunció que los villanos serían Scarecrow y Ra's Al Ghul, hasta ese momento ausentes en las películas. Los avances no mostraban mucho, al punto en el que prácticamente estábamos en la oscuridad, sin saber si Batman Begins sería un éxito o solo un intento más por revivir la franquicia. El primer teaser se enfocaba en el camino de Bruce Wayne, con Batman solamente apareciendo en un parpadeo. Lejos estábamos de los trajes con pezones y la ciudad neon.

 La película se estrenó en México el miércoles 17 de Junio del 2005 sin mayor alboroto. Revenge of the Sith seguía fresca, aún dueña de toda nuestra atención. No teníamos ni idea de que ibamos a disfrutar de una cinta la cual, hasta estos días, sigue siendo fuerte influencia para las películas de Superhéroes. El material finalmente había sido tratado con seriedad y fidelidad al comic. Bruce Wayne se nos presentaba como un sujeto atormentado el cual buscaba su propósito en este mundo. A pesar de que poseía elementos fantasiosos, Batman Begins nos respondía a la pregunta de cómo es que un vigilante vestido de murciélago podría existir en el mundo real. Esta era la manera en la que tanto queríamos ver al personaje en la pantalla grande.

 

 Nolan se inspiró en Superman de Richard Donner para armar el guión y elegir al elenco. Christian Bale logró presentarnos las diferentes facetas de Bruce Wayne como nadie antes lo había logrado en la pantalla grande, Gary Oldman fue la elección perfecta para encarnar al Comisionado Gordon, Michael Caine mostró el lado paterno que todos conocemos de Alfred Pennyworth, Cillian Murphy nos presenta un Scarecrow dispuesto a jugar con la mente humana y Liam Neeson triunfa con su versión realista de Ra's al Ghul. Incluso personajes que no salen tanto fueron interpretados por grandes como Rutger Hauer, Ken Watanabe y Morgan Freeman.

 Los personajes finalmente estaban escritos con la seriedad que tanto se merecen. Este formato influyó en proyectos que surgieron después. Jon Favreau ha declarado que Batman Begins fue una gran influencia para la realización de Iron Man. Begins fue para las películas de Superhéroes lo que Matrix fue para las películas de acción.

 El elemento que me compró fue el ver que todo tenía una razón de ser detrás de Batman. Siempre me molestó ver los trajes perfectos y la cueva enorme con los vehículos modernos. ¿Quién los había construído? ¿Alfred? Aquí vemos cómo es que todo posee un origen y un propósito. Sabes que realmente pensaron en todo cuando hasta las orejas de la máscara tienen una función en particular. El Tumbler se veía exagerado en las primeras fotos que aparecieron en internet, pero se justifica al saber que era un tanque. Nolan se encarga de mostrarnos a detalle la construcción de Batman, por dentro y por fuera. 

 ¿Y qué podemos decir del final? Creo que no ha habido una sola ocasión en la cual no me emocione al ver que Gordon le entrega un naipe a Batman. ¿Quién sería el valiente capaz de interpretar al Joker de este universo? ¿Cómo funcionaría el personaje aplicándole ese ángulo realista? Las respuestas ya las conocemos y fueron más que satisfactorias.

 Un elemento que desafortunadamente se perdió en The Dark Knight Rises fue el mantener a la audiencia libre de spoilers y plot twists, cosa que se cuidó bastante para Batman Begins. Al inicio se anunció que Liam Neeson interpretaría a Ra's, pero de inmediato se publicó una foto de Ken Watanabe caracterizado como el personaje, diciendo que Neeson en realidad sería Ducard, personaje encargado de enseñarle a Bruce cómo ser un buen detective. Es triste ver que para la tercera entrega Nolan había perdido todo el interés, dejando que cualquier persona tomase fotos de Marion Cotillard vestida como Talia al Ghul.

 Con todo y sus errores, Batman Begins se ganó un lugar muy especial en la historia del Cine, expandiendo su audiencia más allá de los fans, dando ese salto tan deseado en el cual una película de superhéroes puede pertenecer a cualquier género. Ya es que seas fan de Marvel o DC, es gracias a esta Batman Begins que actualmente tenemos películas y series basadas en nuestros personajes favoritos.

Memory Lane 7. Ghostbusters: 30 años sabiendo a quién vamos a llamar.

 30 años de Ghostbusters. Un icono de los 80. Una de las películas que han marcado la vida de millones de personas. Una película la cual no ha perdido su encanto a pesar del avance en los efectos y de su pésima secuela. Muchos de nosotros crecímos viendo las aventuras del equipo integrado por Peter Venkman, Egon Spengler, Ray Stantz y Winston Zeddemore. Muchos fans la vieron en el cine, otros (como en mi caso) no llevábamos mucho tiempo de haber llegado a este mundo, pero los conocimos con la famosa caricatura titulada The Real Ghostbusters. Incluso llegaron nuevos fans mucho después con la serie Extreme Ghostbusters y el videojuego, el cual llega a considerarse como el equivalente a la tercera película. Hoy, a 30 años del estreno de la cinta que lo empezó todo, recordemos un poco de este clásico.

 ¿Qué es lo que hace de Ghostbusters una película tan buena? Creo que estamos ante uno de esos casos donde todos los elementos encajan a la perfección, dándonos como resultado una película única. Hubo algo durante la década de los 80 que generó la creación de películas los cuales siguen presentes. Proyectos con un encanto tal que hasta ellos mismos rara vez han podido repetir. Esta película fue concebida por Harold Ramis, Ivan Reitman y Dan Aykroyd como una comedia con toques de sci-fi. La idea original se llamaba Ghost Smashers, en la cual el equipo iba a ser integrado por Eddie Murphy, Dan Aykroyd, John Belushi y John Candy, donde viajarían a través de tiempo, espacio y dimensiones para combatir fantasmas. Reitman le hizo ver a Aykroyd que dicho guión tendría un costo demasiado elevado. Esto sumado a la muerte de John Belushi y a la falta de interés de los otros actores llevaron a Aykroyd y Ramis a modificar el guión. Harold Ramis decidió tomar el papel de Egon y el personaje escrito para John Belushi pasó a Bill Murray. Aquí podemos ver cómo pasó de ser una simple película del os 80 a uno de los clásicos de dicha decada. Es imposible imaginarse Ghostbusters con otros actores.

 Esta es la película por la cual muchos nos volvimos fans de Bill Murray desde nuestra infancia. Su interpretación de Peter Venkman es perfecta. Gran parte de su diálogo fue improvisado y sus escenas se disfrutan mucho más con el paso de los años (como el doble sentido que maneja al encontrarse con Dana poseída por Zuul), pero jamás opaca al resto de sus compañeros. Cada uno de los integrantes del equipo, hasta Ernie Hudson con su poco tiempo en pantalla, tienen su momento para brillar. Tan solo vean el comercial de TV que aparece al inicio. Dan Aykroyd transmitió sus ganas por hacer la película a su personaje. Harold Ramis hizo un excelente papel, mostrándonos a un Egon el cual es todo un nerd, con momentos excéntricos, incomodando con sus respuestas, pero siempre seguro de sí mismo. Mención especial a cómo ve su marca en el piso al pasar adelante y decir sus líneas en el anuncio.  Rick Moranis es todo un encanto como Louis Tully y Sigourney Weaver hace de Dana Barrett una curiosa combinación de damisela en peligro/interés amoroso/villano bastante interesante. Creo que su interpretación y look como el espíritu diabólico Zuul habita las fantasías de muchos de nosotros, al mismo nivel que la Princesa Leia en su vestimenta de esclava. Increíble que Peter Venkman no haya caído presa de sus encantos. Todo un caballero.

 La película está llena de frases y elementos que se volvieron parte de la cultura pop. Las referencias se siguen utilizando hasta nuestros días. La frase que inició la creación de mercancía pirata (con la cual los realizadores vieron que la película había sido más que un éxito) sigue sonando en series y películas alrededor del mundo: Who you gonna call? Puede que haya personas que nunca hayan visto las películas, pero tienen bien ubicado el logo, a Stay Puft y en especial a Slimer (Pegajoso), quien tomo mayor fuerza con la serie animada.

 Ghostbusters es un clásico, una gran película la cual se puede ver muchas veces y siempre le encontraremos nuevos detalles. Desafortunadamente Harold Ramis no estará para la celebración, pero sin duda alguna siempre supo el impacto que tuvo su trabajo en la vida de millones de personas. Dan Aykroyd, Bill Murray y Ernie Hudson siguen con nosotros, así que espero que los fans les podamos mostrar en este aniversario la importancia que sigue teniendo aquel extraño proyecto que decidieron hacer en los 80. Feliz 30 Aniversario, Ghostbusters.

Memory Lane 6. The Crow: 20 años recordándonos que no puede llover todo el tiempo.

  "La gente alguna vez creyó que, cuando alguien muere, un cuervo lleva su alma a la tierra de los muertos. Pero a veces, sucede algo tan malo que una terrible tristeza le acompaña y el alma no puede descansar. Entonces a veces, solo a veces, el cuervo puede traer de regreso el alma para arreglar las cosas".

 Este es el monólogo con el que inicia The Crow, película dirigida por Alex Proyas y esteralizada por Brandon Lee. Hoy, 13 de Mayo, se cumplen 20 años de su estreno y creo que es más que obligado hablar acerca de ella. A pesar de estar marcada por una tragedia y una serie de secuelas que no son ni su sombra, The Crow sigue ocupando un lugar muy especial en la vida de millones de personas.

 He de confesar que, cuando se estrenó, no llamó mi atención en lo más mínimo, en especial por los comentarios de mis compañeros de escuela. "¡Es buenísima porque está superviolenta!" llegué a escuchar en más de una ocasión, sumado al "Es que es la última película del hijo de Bruce Lee, se murió por la maldición de su familia". Todo mundo (o al menos las personas que conocía) la amaban por las razones equivocadas. Esto, junto con la aparición de secuela tras secuela y la invasión de malos cosplayers cuando empezaron las convenciones en México me mantuvieron alejado de esta película por largo tiempo.

 No fue hasta hace un par de años que tuve mi contacto con ella mientras la pasaban en cable. Podríamos decir que The Crow llegó a mi vida en el momento preciso y se convirtió en una de mis películas favoritas, los que me conocen incluso podrían decir que fue mi obsesion por varios meses. Qué mejor excusa para poder hablar de ella que su 20 aniversario. Incluso recomendaría escuchar Burn, canción compuesta por The Cure para el soundtrack, mientras leen este artículo/carta de amor a esta gran película.

Si bien la famosa "Maldición de Bruce Lee" no es más que una leyenda urbana, la tragedia es un elemento siempre presente en las vidas de quienes han participado en la creación de este personaje. James O'Barr, el creador del comic, se vio inspirado en 2 eventos que marcaron su vida: Cuando leyó la noticia de una pareja que fue asesinada con tal de quitarles un anillo de compromiso de 20 dólares y la muerte de su novia al ser atropellada por un conductor ebrio. O'Barr nunca pensó en publicar el comic, para él solamente era una especie de ejercicio terapéutico para poder canalizar la tristeza y enojo que tenía en su interior. Nunca se imaginó que años después habría una adaptación de su trabajo, mucho menos que su realización también estaría marcada por una muerte.

 The Crow fue pionera en muchos aspectos, empezando por el interés de los productores de Hollywood para hacer una película a pesar de que el comic todavía no terminaba de ser publicado y pertenecía a una editorial pequeña. Este tipo de casos los hemos visto recientemente con Scott Pilgrim y Kick-Ass.  También se buscó el presentar una adaptación de comic más cercana a la realidad (Eric Draven llega a usar una gabardina ya que, para Proyas y su equipo, ese sería el look que tendría Batman en el mundo real), además de tener un tono mucho más adulto. O'Barr, Lee y Proyas lucharon para mantener la esencia del comic. Esto logró abrirle las puertas a proyectos como Sin City y Watchmen.También podemos verla como una de las primeras películas que demostraron que se podía terminar su producción a pesar del fallecimiento de uno de los actores, tal y como ocurrió años después con Oliver Reed en Gladiator.

 Hubo muchas personas que se esforzaron para llevar a cabo la adaptación fílmica de The Crow, pero el espíritu, la fuerza detrás del proyecto, de principio a fin, fue Brandon Lee. Él acompañaba a los productores a las juntas con ejecutivos para conseguir el financiamiento. James O'Barr no estaba convencido de su casting, temiendo que la adaptación se convirtiera en una película más de artes marciales, pero las conversaciones que tuvo con Brandon Lee y los primeros días de filmación lograron convencerlo. Durante las largas noches de filmación y el frío por el pavimento mojado, Brandon Lee era ejemplo a seguir, ya que nunca se quejaba de las malas condiciones en las que estaban trabajando. Si la estrella mantenía un buen humor, el resto del equipo no tenía más opción que trabajar.

 Mucha gente piensa que Brandon Lee quería seguir los mismos pasos de su padre, sin embargo, esta creencia es equivocada. Brandon aceptó papeles en cintas como Rapid Fire y Showdown in Little Tokyo para darse a conocer, pero sus verdaderas intenciones eran esteralizar películas en las cuales no fuese necesario tener que usar sus conocimientos en artes marciales. "Ya quiero terminar las secuencias de acción, ya quiero hacer las escenas donde puedo actuar", comentó en más de una ocasión a varios miembros del elenco mientras filmaba las escenas de Eric Draven cobrando venganza. 

Brandon Lee entendió a Eric Draven a la perfección. Durante sus peleas contra la pandilla de Top Dollar es amenazante, burlón, presumido, se toma su tiempo para hacerlos sufrir y transmitirles la misma desesperación que él y Shelly sintieron en la Noche del Diablo. Por otro lado, cuando interactúa con Sarah y Albrecht, su actitud cambia por completo, mostrando su lado humano. Si, tal vez no sea una actuación que pudiese ganar docenas de premios, pero Brandon Lee hizo un muy buen trabajo. Me atrevo a decir que logró darle más dimensión a Eric Draven que la que tiene en el comic. Nunca sabremos qué papeles le esperaban en su futuro, quizá The Crow iba a ser su mejor trabajo de cualquier modo, pero no cabe duda que Brandon todavía tenía mucho por ofrecer.

 Como dije la inicio, la llamada "Maldición de Bruce Lee" es solo una leyenda urbana, pero eso no significa que no hubiesen sucedido eventos extraños antes y después del accidente. En The Crow: The Story Behind the Film, Bridget Baiss entrevistó a actores, productores y miembros del equipo, entre ellos Sofia Shinas, quien interpretó a Shelly Webster, la novia de Eric Draven. Entre el caos que fue la producción de la película en Carolina del Norte, Alex Proyas decidió cambiar la manera en la que Eric y Shelly pierden la vida. Originalmente, Shelly iba a recibir un disparo, mientras que Eric caería víctima de uno de los cuchillos de Tin Tin (tal y como lo vemos en la película). Cuando Proyas decidió hacer el cambio, el Departamento de Vestuario recibió la instrucción de colocarle el chaleco antibalas a Brandon Lee. Él se negó ya que pensaba que se notaría detrás de la playera blanca que portaría durante la escena y dijo: "No me lo voy a poner, si llegó mi hora, llegó mi hora". Poco antes de grabar la escena, Brandon le dijo bromeando: "¿Qué planeo hacer después de esto? Casarme, si es que salgo vivo de aquí" y volvió a decir que no tenía miedo, que si era su hora de morir, lo aceptaría.

 A esto le agregamos su última entrevista, realizada en el set. En ella él cita un pasaje de Paul Bowles, el cual está escrito en su tumba. El pasaje dice:

 "Ya que no sabemos cuándo vamos a morir, llegamos a pensar que la vida es un pozo inagotable. Y, sin embargo, todo llega a pasar solo cierto número de veces, y realmente es un número muy pequeño. ¿Cuántas veces recordarás cierta tarde de tu infancia, una tarde la cual es tan profúndamente parte de tu ser que no puedes concebir tu vida sin ella? ¿Tal vez cuatro, cinco veces más? Tal vez ni siquiera eso. ¿Cuántas veces más verás la luna llena elevarse? Tal vez unas veinte. Y, sin embargo, todo parece ser ilimitado..."

 Horas después del fallecimiento de Brandon Lee, el 31 de Marzo de 1993, los miembros del elenco hablaron con Alex Proyas y los productores. "Brandon se esforzó mucho para hacer esta película, debemos acabarla en su honor", a lo cual Proyas accedió siempre y cuando tuviese la bendición de la prometida de Brandon, Eliza Hutton y su madre, Linda Lee. A pesar de que solamente faltaban 8 días para terminar la producción, la presencia de Brandon era esencial. Proyas y su equipo se las ingeniaron para terminar la película utilizando dobles de cuerpo y voz, tomas alternas, así como CG. Es sorprendente pensar que la llegada de Eric Draven a su departamento y su transformación fue hecha con CG y el doble Chad Stahelski. Esto, sumado a largas horas en la sala de edición, dio fruto a la película de la cual estamos hablando a 20 años de distancia.

 The Crow es un clásico, una película de culto que sigue vigente hasta nuestros días. Su atractivo va más allá del destino de su estrella, ofreciendo mucho desde el ángulo en el que sea vista, ya sea desde el ángulo de un cineasta, guionista o incluso como una herramienta para tomar fuerzas y superar una pérdida. Donde quiera que esté Brandon Lee, espero que haya recibido la energía de aquellos que tuvieron el honor de conocerlo y sepa que su esfuerzo no fue en vano, ya que The Crow tiene su lugar bien ganado en la historia del cine.

Memory Lane 5: The Matrix Reloaded.

El caso de Matrix Reloaded es uno muy peculiar. La primera fue un proyecto de presupuesto limitado la cual influenció a la industria cinematográfica, así como a la cultura pop cercana al cambio de siglo. Sin embargo, pocas personas vieron Matrix como algo más que una simple película de acción. El éxito de esta cinta fue gracias a su don y maldición: Encajar perfectamente en la clásica estructura del camino del héroe de Joseph Campbell.

 Warner Bros. armó toda la campaña en grande. Tuvimos el corto animado The Final Flight of the Osiris acompañando a Dreamcatcher (pésima película), después una colección de cortos llamada The Animatrix, con unos muy buenos y otros que salían sobrando, un comic con historias dentro de Matrix (explicando cosas como el de dónde sacaron las cosechas que le ofrecen a Neo) y un juego llamado Enter the Matrix, el cual presentaba escenas que conectaban directamente con The Matrix Reloaded. A esto le sumamos product placement de Samsung, Powerade, Heineken y Cadillac. En esta ocasión estábamos ante todo un evento multimedia. Todo listo, esperando que la respuesta por parte del público fuese la misma o más fuerte que en 1999. Qué equivocados estaban.

Las secuelas se acercarían más a ese ángulo de análisis filosófico y es ahí donde las cosas chocaron, generando las críticas que se mantienen hasta estos días. Los filósofos Cornel West y Ken Wilber fueron invitados un día al set e iban con toda la intención de darle la vuelta a los Wachowski y demostrar que no sabían un carajo. Para su sorpresa, todo lo que les preguntaron fue respondido, resultando en una amistad con ellos, que Cornel West saliera como uno de los miembros del Consejo de Zion y que grabaran un comentario para las 3 películas (muy recomendable, por cierto).

 Recuerdo que la reacción general fue confusión. Muchos decían que les gustaba, sin embargo, se limitaban a comentar acerca de las secuencias de acción. Muchos otros salían impactados por el plot twist que nos mostraba que Neo no era el primer único y la posibilidad de que Zion era otra simulación de la Matrix. Otros juraban que todo lo dicho en la película no tenía sentido alguno. Desde el monólogo del Merovingian, hasta la explicación de The Architect. Obviamente no son cosas que metes en una película que le vas a vender a las masas, esa en parte fue culpa de los Wachowski. Estamos hablando de la audiencia que adoró a un estúpido pez olvidadizo y unas tortugas presentando uno de los momentos más bajos del doblaje en México. Si estas películas hubiesen sido estrenadas sin tanta publicidad y sabiendo cuál sería su audiencia, habrían tenido un éxito moderado, pero sin problema las encontraríamos en la sección de Cine de Arte. Geeks, intelectuales, hippies y algunos hipsters las tendrían en su colección. Lo que debemos tomar en cuenta es que, sin el dinero que dieron las masas la primera vez, no tendríamos ese nivel de producción.

 Hablando de esas secuencias de acción tan bien elaboradas, debo decir que han llegado a envejecer más de lo que desearía aceptar. Hace 10 años, el Burly Brawl era de lo mejor que había visto. Una secuencia que valía la pena repetir una y otra vez. Para mi sorpresa, el Blu-Ray no le ha favorecido en absoluto. Ahora se nota claramente qué momentos son CG, en especial qué partes están hechas por los extras vestidos de Smith y que el 90% de la pelea está hecha por el doble de Keanu Reeves. A pesar de esto, las coreografías y la persecución sigue siendo una de las mejores que se han hecho, esto en gran parte gracias a que combinaron efectos prácticos con CG, por lo cual sigue manteniendo su impacto.

 Matrix Reloaded es una película que siempre genera polémica en las pláticas, pero con el tiempo ha conseguido un fanbase que las defiende y les da diferentes interpretaciones. A 10 años de su estreno, vale la pena checar interpretaciones que le han dado, los ensayos que se han escrito acerca de ellas y verla desde otra perspectiva. Les dejo un anuncio que recientemente Hugo Weaving grabó para General Electric.

Memory Lane 4: Donnie Darko.

Ayer, 26 de octubre, Donnie Darko cumplió 10 años. Cuando se estrenó, los eventos del 9/11 generaron que la gente no estuviese de humor como para ver una cinta acerca de aviones que se caen y el fin del mundo. Sin embargo, los pocos que llegaron a verla empezaron a contarle a sus amigos acerca de lo especial que era la película de Richard Kelly. Empezaron las funciones nocturnas y con la salida en DVD fue que se cimentó su fanbase. A pesar de que ya tiene 10 años, he de decir yo conocí a Donnie Darko hasta el 2004, una ocasión en la que la transmitieron en Cinemax en la madrugada. Fue la última vez que apliqué el grabar una película en VHS.
La sensación que te deja Darko después de verla por primera vez es única. Te deja pensando respecto a qué ocurrió, armando tu teoría, buscando foros de discusión en la red y esperando que alguno de tus amigos ya la haya visto y, si no la conocen, presentársela.



El soundtrack de Donnie Darko es básico en toda colección. El inicio con The Killing Moon de Echo and the Bunnymen (lo cual siempre vi como referencia a Frank the Bunny) no podría ser más perfecto. La letra hasta parece haber sido hecha especialmente para la película. Donnie despertando en medio de la carretera sin saber cómo llegó ahí, sin saber el viaje que le espera. Es curioso ver que Jake Gyllenhaal sigue sin tener idea alguna de qué ocurre realmente en la cinta, pero Richard Kelly sabe perfectamente qué es lo que escribió, una historia tan oscura que Kevin Smith, amigo del director, duda que Kelly la haya escrito. Tanto el inicio como el final poseen un poder único con los temas que eligió Kelly. La versión de Mad World que interpreta Gary Jules para cerrar la cinta es la cereza en el pastel, la pieza que te acompaña al cierre mientras meditas los nuevos detalles que hayas encontrado durante cada vez que la veas de nuevo.

Desafortunadamente hay 2 cosas que han manchado ligeramente a Donnie Darko: El Director's Cut y la secuela (que viene de la mano de cuando los emos la agarraron de modita y la quemaron). El Director's Cut realiza cambios infames, como el cambiar Killing Moon por Never Tear Us Apart de INXS, la cual era la opción original pero en su momento Kelly no tuvo presupuesto para comprar los derechos. A esto se le suman el montón de explicaciones durante toda la cinta, lo cual demerita considerablemente la experiencia de ir armando teorías e investigar en los sitios oficiales de la cinta. En cuanto a la secuela, los emos de EUA se encargaron de que los estudios se fijaran más en Darko, por lo cual agarraron un mal guión de película de terror, le metieron con calzador detalles del universo de Donnie Darko y sacaron un aborto visual.



Quitando esos 2 detalles, Donnie Darko es de esas películas que marcan vidas, cuyos elementos están acomodados de tal modo que no dejan a nadie indiferente. Es momento de verla una vez más, para celebrar su aniversario y porque es de las cintas básicas para estos días de Halloween/Día de Muertos.

30 años de The Empire Strikes Back.

El que la mayor parte de los fans consideramos como el mejor episodio de toda la saga -desde antes que salieran las precuelas, independientemente de que para muchos esas no cuentan- cumple el día de hoy 30 años de haberse estrenado. Muchos afortunados tuvieron la oportunidad de verla en la pantalla grande, muchos otros como en mi caso la conocimos en formato casero y algunos otros supieron de su existencia con las ediciones especiales de 1997. Pero, ¿qué hace tan especial Empire? Yo creo que es de las películas que se encargaron de romper el conocido esquema de "Segundas partes nunca fueron buenas", además de iniciar la tendencia de que las secuelas fuesen más oscuras. Esto sigue hasta nuestros días, algunas películas lo logran y otras simplemente se quedan a medio camino, como ocurrió recientemente con Iron Man 2. Yo conocí esta película junto con las demás por mi lado, en mi infancia era el único fan alrededor, con eso y la ausencia del internet pude descubrir muchas de las sorpresas detrás de ésta película, pero se que la experiencia que deben haber vivido los que la vieron en su momento debe haber sido única, a pesar de que seguramente más de uno se haya topado con un Homero Simpson al llegar al cine.

En lo que respecta a la saga, The Empire Strikes Back nos otorgó varias cosas: La aparición de Yoda, la Marcha Imperial y el que sigue siendo uno de los plot-twists más citados hasta nuestros días: que Darth Vader revelándose el padre de Luke. De este último desafortunadamente la mayoría de las personas no lo citan como debe de ser, en ningún momento Vader dijo "Luke... yo soy tu padre", en realidad es "No... yo soy tu padre". Detrás de Yoda hay diferentes enseñanzas religiosas y filosóficas, por lo cual muchos llegan a tomarlo como ejemplo para explicar y en ocasiones que la gente se acerque al conocimiento. Sin embargo, tengo que aceptar el comentario de Mr. Plinkett en lo que respecta a ver a Yoda pelear en las precuelas, si, es una padrotez ver sus habilidades pero de cierto modo contradice gran parte de lo que dice acerca de la Fuerza en Empire.

A pesar de que muchos puristas aborrecen los cambios que ha sufrido Empire a lo largo de los años, creo que el cambio al Emperador fue de lo más acertado. Ahora podemos ver a Ian McDiarmid, encargado de darle vida a Palpatine, dándole continuidad a la saga, con un diálogo que le da mayor fluidez a la historia. Sin embargo, creo que uno de los mayores insultos que le podrían hacer es reemplazar a Yoda por uno digital. Ya es algo confirmado con Episode 1, así que los blu-rays podrían darnos esa amarga sorpresa.

En fín, este es de esos temas de los que podríamos escribir muchas cuartillas y aventarnos horas de conversación y se que me faltaron puntos por mencionar, pero por el momento así lo dejo, así que hagan lo posible por ver en estos días Empire. La plática de Star Wars seguirá cuando comente acerca de los conciertos que se llevarán a cabo en el Auditorio Nacional, espectáculo del cual no he leído ni una mala reseña.

Memory Lane 3. Fight Club: A 10 años de saber que su nombre es Robert Paulson.

Si bien no recuerdo exactamente la fecha del estreno de Fight Club en México, confiaré en IMDB ya que indica que fue un 5 de noviembre, fecha ideal para cambiar vidas. Adaptación de la novela de Chuck Palahniuk y dirigida por David Fincher -quien nos dio Se7en-, Fight Club es de esas películas que ha marcado generaciones, previniendo a muchas de la mierda que la sociedad espera que hagamos tan pronto terminasen sus estudios y a otros para que despertasen y vieran que aún estaban a tiempo de salirse de la hipnosis del mundo.

Una protesta contra sociedad de consumo, si bien no llega a tener un discurso de preparatoriano de "La Coca Cola es mala" como vimos en la pendejada de ¿Y tu cuánto cuestas? de Olallo Rubio, nos hace ver que los productos y servicios los podemos utilizar pero que sin duda no son verdaderamente necesarios, lo que hace a una persona es lo que trae por dentro y que nuestra lucha es espiritual. Es bastante curioso ver que muchos de estos mensajes nos los da una de las estrellas de Hollywood más conocidas, la ironía es evidente cuando Brad Pitt nos dice con disgusto "Crecímos con la TV que nos hizo creer que algún día seríamos millonarios, dioses del cine o estellas de rock... pero no lo seremos".

También está presente ese mensaje de volver a un estado primitivo y agarrarse a golpes con extraños, darle gusto a la testosterona. Posiblemente la razón por la cual a muchos les gusta esta película, pero creo que las lecturas que se le puedan dar más allá de eso es lo que cuenta y es lo que hace de Fight Club una película que ya se ha ganado su lugar. Una de las lecturas más peculiares y bastante espeluznante debido a la cantidad de coincidencias es que Fight Club muestra el futuro de Calvin y Hobbes. Esto lo leí hace unos años y afortunadamente el análisis sigue en la red, para checarlo den click aquí.

El soundtrack corrió a cargo de los Dust Brothers y, aparte de que es básico tenerlo en la colección, a 10 años de su salida todavía lo escuchamos en anuncios y programas televisivos, sin olvidar el tema de los Pixies que por alguna razón no aparece en el disco: Where is my mind.

La filosofía de Fight Club sigue y seguirá vigente, desafortunadamente el mundo muestra pocas ganas de cambiar y no estar tan jodido, pero podemos andar en él siempre y cuando recordemos que nos somos nuestros jodidos khakis, que no debemos intentar controlar todo y que, si esta es nuestra primera noche en el Club de la Pelea... debemos pelear.

Memory Lane 2. Star Wars Episode I: 10 años de un evento que nos marcó.

Es el primero de julio de 1999. Largas charlas con los pocos que coincidían con el gusto por Star Wars, teorías, especiales televisivos, las primeras andanzas por internet y una campaña mediática bestial por fin culminaban ese día. El primer episodio de la saga se estrenaba. Siguiendo con los golpes de nostalgia, creo que éste es el más fuerte de este año y posiblemente el que entre en los 10 primeros de muchos geeks. Puede que la película no haya sido lo que muchos esperaban pero carajo, toda la espera verdaderamente fue única.

The Phantom Menace era practicamente un evento celestial para muchos de nosotros, en mi caso he sido fan de Star Wars desde niño y durante ese tiempo el furor por los Jedi era casi nulo, eran pocos los que conocían Star Wars y muchos le tomaron cariño por los juegos de Super Nintendo y PC. Encontrar mercancía era toda una hazaña, las figuras originales te las dejaban caer en un buen billete y lo más accesible era toparse con alguno de los sets de Micro Machines. En 1995 apareció la colección Power of the Force y con ella el regreso de Star Wars con las ediciones especiales en 1997 y la promesa de que en 1999 veríamos el inicio de la mítica historia.



En aquellos tiempos las productoras cinematográficas todavía no estaban al tanto del internet y sitios como Aint It Cool News eran una mina repleta de spoilers y fotografías. Todavía recuerdo cuando se estrenó el teaser de la cinta y miles fueron a las salas solamente para verlo, entre ellos un osado que decidió grabarlo y subirlo a la red, provocando un verdadero caos. "¡Aparece un sith con un sable doble!", me llegó a comentar el Wookie Malhumorado -quien meses después fabricó una capa sith al más puro estilo de Darth Sidious- a punto de sufrir un ataque cardiaco. El texto que le acompaña también ayudó bastante, junto con el tema principal y el poder ver a algunas caras conocidas como Yoda.

El teaser poster sin duda alguna es de los más chingones que se han hecho, posee una belleza verdaderamente única, cómo sutilmente la sombra del pequeño Anakin nos dejá ver el oscuro destino que le depara. Cada ida al cine era de quedarse viendo ese poster y muchas veces tener a tu lado a alguien en las mismas circunstancias. Una verdadera pieza de arte.

Ya en 1999 empezaba la campaña publicitaria y una compra obligada para muchos de nosotros fue la Vanity Fair con fotos exclusivas. En la portada podíamos ver con detalle a uno de los nuevos personajes: Jar Jar Binks. ¿Qué papel jugaba exactamente? Ni idea, yo pensaba que sería un piloto, el equivalente a Chewbacca... qué equivocado estaba. En la foto de Darth Maul contra Obi-Wan por alguna razón le pusieron a Ray Park maquillaje dorado en lugar de rojo, eso nunca supe porqué exactamente. De cualquier modo, esa revista fue la primera de una colección decente.

Recuerdo cuando salieron a la venta las figuras en ventas nocturnas alrededor de Estados Unidos. El plan trazado por todos esos afortunados era entrar a la tienda, tomar un Darth Maul, un Obi-Wan y después de eso las otras cosas que pudiesen vender y vaya que había mercancía. Yo me tardé un buen rato en conseguir a los integrantes del fabuloso Duel of the Fates y vaya que en su momento se vendieron. Conforme pasaba el tiempo, las jugueterías se quedaban con estantes llenos de Jar Jar.



En aquellos años las distribuidoras eran más obsoletas -si, si se puede- y las películas se estrenaban a meses de distancia. Todos los ojos estaban en Estados Unidos ya que el estreno de Episode I sería el 19 de mayo y para nosotros... el primero de julio. Ver los noticieros gringos y particularmente al montón de fans acampando afuera de los cines no ayudaba en lo más mínimo. Como parte de la espera, por ahí todavía tengo cintas VHS llenas de programas especiales y un cassette con el concurso que en su momento hizo Radioactivo para que alguien asistiera a la premiere en Los Angeles. Veía el trailer grabado de Entertainment Tonight una y otra vez, el audio ya ni se escuchaba pero ya estaba almacenado en mi memoria. Sin duda en esos días The Matrix fue una gran sorpresa, pero mi atención se mantenía en Star Wars.


Entre los mejores recuerdos que tengo de esa época está el alcanzar la última copia del sountrack en Tower Records -cuando todavía era una tienda respetable- y enterarme de la muerte de Qui-Gonn gracias el jodido tracklist. La preventa en México inició y se dio una de las costumbres más fregonas que ha permanecido hasta hoy: las funciones nocturnas. Se que en Estados Unidos ya existían principalmente con cintas de culto, pero aquí era una novedad. A más de uno se le hacía una locura ver una película a medianoche, pero las ganas de verla y particularmente la gente que asiste a ellas hace que la proyección sea un evento único. Algunos ya iban bajoneados por haber leído tanto comentario negativo en internet, pero lo mejor en ese caso era no joderse la experiencia y formarse opinión propia.

Debo decir que para mi aquella primera función fue verdaderamente única. Finalmente me tocó el estreno de una trilogía de Star Wars. Ya en retrospectiva creo que la película no es el pinche desastre que muchos creen. Si, Jar Jar es bastante cagante pero no como para quitar la película y mandar al carajo el resto. Las batallas son toda una joya y hay muchos detalles que tomar en cuenta, posee muchos elementos que conectan con los otros episodios y nos hacen ver que la saga siempre ha sido acerca de Anakin Skywalker. Uno de los elementos con los que más he tenido contacto en los últimos meses es el soundtrack y hay 2 temas a los que poca gente les ha prestado la debida atención: Anakin's theme y Augie's Great Municipal Band. En el primero nos dejan algunas notas pertenecientes a Imperial March, recordándo que ese niño lleno de sueños y esperanzas ya tiene un destino contrario a sus deseos y el segundo verdaderamente da miedo, ya que se trata del tema del Emperador, solamente con mayor velocidad. Un gran modo para cerrar la película y dejarnos bien claro el porqué se llama La Amenaza Fantasma.

Pues bien, he aquí mi comentario/artículo/blast-to-the-past acerca de uno de los eventos que más recuerdo. Más tarde veré de nuevo Episode I y recomiendo que lo hagan por pura nostalgia en estos días, a ver qué tanto ha cambiado para ustedes.

PD: Se me olvidaba: es por esta cinta que muchos nos volvimos fans de Natalie Portman...

Memory Lane 1. Matrix: A 10 años de haber seguido al conejo blanco.

Es junio de 1999. Estoy saliendo de un exámen en segundas vueltas y el Wookie Malhumorado me dice "Guey, tienes que ver Matrix, está de huevos". Para ese momento mi mente le pertenecía exclusivamente a Episodio 1 y lo más que conocía de la película eran las fotos que aparecían en el soundtrack. Sin embargo, decidí ir ese viernes con el buen Wookie a un Cinemex que ya no existe y fue ahí que conocí una de las películas que más me han impactado.

Este fin de semana vi la película para conmemorar estos 10 años y debo decir que lo que más me ha sorprendido es la evolución que ha tenido conmigo. Después de los análisis personales, las diferentes lecturas a lo largo de los años, las interpretaciones que vienen en el último DVD y que se pueden checar en internet y el conocer el resto de la historia, ver la película ha sido una experiencia completamente nueva para mi. Durante la primera proyección a la que asistí sin tener los conocimientos actuales me agradó que podían darse el lujo de no limitarse en cuanto a la acción ya que se encontraban en un mundo ficticio, todo era posible. Los nombres de los protagonistas tenían su porqué al igual que los números y analogías con obras literarias y aquel futuro desolador que nos planteaban se dibujaba como un destino casi seguro para la humanidad. Un truco al más puro estilo de Uri Geller con una cuchara nos hacía preguntarnos acerca de qué significa el que ella no cambiaba, sino nosotros, mientras en más de una ocasión andabamos como idiotas sosteniendo una cuchara mientras movíamos la cabeza de un lado a otro.

Gran parte del éxito de Matrix fue que entraba sin ningún problema en el clásico esquema Campbelliano, sumado a efectos especiales que verdaderamente revolucionaron y hasta hoy en día son homenajeados y/o parodiados. The Matrix va más allá de una película de acción veraniega, cuenta con muchos elementos que hasta estos días la hacen tema de conversación. La pregunta que le daba título al sitio web oficial era lo que muchos teníamos al empezar la cinta: What is the Matrix? La respuesta generó otra pregunta entre los que salían emocionados de las salas cinematográficas: ¿Y si estamos en un mundo de ilusión, donde nada es real? Y dependiendo de cómo lo queramos analizar, la respuesta a esto muchas veces es afirmativa. El soundtrack era compra obligatoria ya que poseía esa cualidad de poderse disfrutar sin haber visto la cinta. A los otakus nos emocionaba ver las influencias como Ghost in the Shell, los comerciales empezaron a hacer referencias -utilizando el famoso código verde hasta nuestros días- y el legendario bullet time junto con las peleas al estilo asiático aparecieron en gran parte de las películas que se filmaron después de su estreno. Recuerdo que después tuve una copia pirata en VHS la cual se veía bastante bien pero sufría de las "editadas" por parte de los vendedores para así hacer que entrase en SP, por lo cual le faltaban partes del interrogatorio de Neo, la presentación de la tripulación y el Agente Smith hablando con Morpheus.



Por mucho que me costara admitirlo en su momento, The Matrix le ganó la corona a The Phantom Menace en aquel verano de 1999, una cinta que inició una franquicia creando un universo nuevo a partir de una serie de elementos existentes, marcando a una generación, influyendo a la industria y creando un estilo. No entré en mucho análisis porque se que me aventaría demasiado tiempo y cuartillas, pero si alguien desea leer un poco más, una excelente opción es Matrix 101. Esto solo ha sido un momento para recordar.

Es verano de 1999 y The Matrix cambió mi vida.